Les meilleurs films de 2025 selon OttoCedille

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Pop, radical, divertissant. Reflet dans un diamant mort regorge d'inventivité par tous les pores. il parle de convoitise (par la couleur argentée brillante) et de prédation (par la couleur noire). Partant de cela, et en multipliant et les idées visuelles exubérantes, il aborde le sujet des VSS, et des mécaniques de culpabilité et de traumatisme liées au fait de n'avoir pas su être présent pour protégé la victime. C'est un film à revoir et à analysé.
Ce qui m'empêche de mettre la note maximale de 9/10, c'est la fin, qui inclut un recule sur la propre réalité du film en tant qu'objet artistique, c'est assez lourd et pas nécessaire étant donné que le film nous crie déjà au visage qu'il est un hommage à cette littérature et à ce cinéma d'espionnage. Si le délire méta ne m'a pas embarqué, tout le reste est brillant (héhé).

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Cet attrait pour la monstruosité faisait de Del Toro le réalisateur le plus naturel pour une nouvelle version de Frankenstein, il ne me décevra décidemment jamais. J'ai pourtant été refroidi par les premières images que j'ai pu en voir, la faute à une gestion de la colorimétrie assez particulière qui, alliée à l'usage d'objectifs grand angle me donnait l'impression d'une esthétique à la Vidocq. Mais non, le traitement des couleurs vise toujours à faire ressortir les dominantes que sont le vert (couleur de la pureté) et le rouge (la monstruosité, matérialité de la chair), les courtes focales font place à des focales plus longues dans la secondes partie, cela participe à humaniser la créature qui est, contrairement au démiurge, toujours ancrée dans son environnement. Bref, la mise en scène est parfaitement maitrisé, bien sûr. Au delà de la réflexion sur la monstruosité morale qu'implique la création d'un tel être, de la volonté de Guillermo Del Toro de toujours se placer du côté du monstre ; la créature semble, en elle-même, en tant qu'agrégat de soldats tués au combat, un formidable allégorie de la guerre. La créature contient la multitude, celle qui a permis aux puissants de toutes les époques de multiplier les combats et à faire mourir les hommes, sans cesse. Ainsi, la créature meurt à de multiples reprises, condamnée à revenir à la vie, elle est le symbole de la chair à canon envoyée sur le front, crucifiée loin du regard, loin des interrogations morales d'une élite que ne perçoit que les égoïstes bénéfices de cette monstruosité.

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J'aime la tendresse qui se dégage de cette relation qui prend génialement vie dans l'espace de petit appartement Iranien. Cette relation furtive, éphémère, en forme de parenthèse dans la vie des deux amoureux, permet de dresser une critique de la politique de répression du pays, elle permet aussi d'aborder des thèmes plus universels tels que la vieillesse et la solitude. Cette relation est en fait à l'image de la photo floue prise au milieu de la nuit pour "immortaliser" cette rencontre. Arrêté, trop rapide, insaisissable.

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Vraiment magnifique, un film qui évoque à hauteur d'enfant les questions liées à l'apprentissage, au deuil et au décès. Il y a dans ce film, un obsession pour ce qui est éphémère (la toupie qui tourne, le dessin sur la vitre, la trace de pas sur le sable, l'avion qu'Amélie croit avoir attrapé au fond de son bocal) en opposition avec ce qui nous reste en mémoire et fonde notre identité. Le personnage d'Amélie est parfaitement enfantin dans son caractère, sa manière de s'émerveiller, de percevoir le monde avec beaucoup d'émotion, on croit en l'existence de cet enfant qui m'a fait rire et pleurer, ce film est un bijou. Je n'ai jamais lu de livre d'Amélie Nothomb, mais je sais qu'Amélie et la Métaphysique des tubes lui rend forcément honneur.

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Déjà techniquement, le film est très impressionnant dans ses jeux d'échelle et dans ses effets spéciaux, il aborde joliment le sujet de la vieillesse au travers d'une du récit de science fiction d'un homme qui, poussé vers la marge, est déjà absent tout étant physiquement encore présent. Plongé dans un espace fermé en dehors des lieux de vie de sa famille, il est réduit à la survie, condamné à vivre dans un corps qui ne lui permet plus de vivre au rythme de la vie qui se poursuit pourtant autour de lui, et il continue fatalement de s'affaiblir, jusqu'à ne plus être qu'un souvenir, ne plus avoir été qu'une étoile filante. Cette allégorie fonctionne à merveille en cela qu'elle n'est pas trop appuyé, elle se permet de ponctuer le drame par des moments de poésie bienvenus. L'homme qui rétrécit aurait facilement pu être encore plus haut dans mon classement si cet horrible voix off ne m'avait pas rendu zinzin. Sur le principe, je ne suis déjà pas friand de ce procédé, mais celle-ci multiplie les phrases faussement profonde et les effets de manche rhétoriques et n'est, finalement, jamais à la hauteur de tout le reste.

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Sinners est un film très riche qui réussit parfaitement à se réapproprier les codes de la mythologie vampires, en y intégrant un propos anti-raciste fort et on ne peut plus pertinent dans la période actuelle. Par ailleurs, j'y vois une critique du système spotify, capable d'ingurgiter des cultures venant d'origines qu'il méprise, pour le profit. C'est une appropriation parfaite genre, qui, par la simple démonstration des volontés individuelles des personnages, pose cette métaphore de manière très pertinente. D'autant plus dans ce contexte de ségrégation raciste qui exacerbe les rapports de domination entre les artistes indépendants et la grosse machine.

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Servi par une photographie très soignée au milieu d'un désert très ciné-génique. Sirāt à quelque chose de traumatisant dans sa manière de traiter son tournant dramatique, il nous fait suivre au travers du regard de Luis et de son fils Estéban, cette micro-société punk, pacifiste, nihiliste. Elle se livre à une démarche à la fois belle et déplacée : festoyer dans un espace qui est le nœud de tensions géopolitiques. Ils peuvent bien le prendre avec légèreté, chanter le déserteur ou se droguer pour oublier, rien n'efface la réalité dont ils se coupent et qui finira par les rattraper tragiquement. C'est en quelques sortes une adaptation de l'adage : "Si tu ne t'occupe pas de politique, la politique finira par s'occuper de toi" et j'apprécie sa manière maximaliste de mettre en scène cette violente désillusion.

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Une très belle adaptation servie par une magnifique photographie en noir et blanc qui sert à faire ressortir la chaleur étouffante dans laquelle baigne cette histoire. Benjamin Voisin est parfait dans ce rôle, son jeu placide permet de faire ressortir la sociopathie de ce personnage fascinant. Conscient de l'absurdité du monde, Meursault ne ment pas, il ne ressent pas d'émotion, il n'a d'avis sur rien. Résolument en dehors du monde, ses actions sont pourtant le miroir du contexte colonial dans lequel il vit. Le film montre qu'un homme, détaché de toutes considération morale, ne peut devenir que le reproducteur des violences.

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Vraiment remarquable dès son plan d'ouverture qui contextualise parfaitement la situation de cette ville désolée. Le film montre une population lutter à cor et à cris contre une nature qui a déjà commencer à reprendre ses droits. Le personnage principal, mutique, trouble, est à l'image de ce chien noir marginalisé sur lequel se porte, à tort, toutes les craintes.

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Le gauchisme : maladie infantile de la Révolution ; telle pourrait être le sous-titre d'une bataille après l'autre, un film puissamment politique qui, en montrant ce bras cassé échouer tout ce qu'il entreprend, mettre en danger ses camarades, se vautrer dans la débauche porte un regard tranchant sur l'effet des velléités révolutionnaires lorsqu'elles ne sont pas soutenue par de la formation politique; et bien sûr en miroir, les personnages positifs du film sont systématiquement organisés et rigoureux. Par ailleurs, sur le sujet principal du film, qui est la fascisation des USA, je lui préfèrerais peut-être Eddington qui faisait plutôt le choix d'autopsier le glissement d'un personnage. J'aurais peut-être même préféré qu'Une bataille après l'autre accorde plus d'importance au délicieux personnage de Sean Penn. Globalement, l'anti-héros campé Di Caprio qui n'est pas le plus intéressant de la galerie, sans doute le moins complexe. Pour le reste, PTA nous livre une leçon de mise en scène, et je suis heureux qu'un film aussi engagé bénéficie d'un tel budget d'abord, d'un tel engouement ensuite. Vivement les oscar !

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Un travail d'enquête fascinant, porté par un montage très habile qui capte des instants de vérité dans les propos de nombreux passants, au sens large ; de ceux qui passent dans la rue et donne leur avis sur le regard du garçon ou sur son prénom supposé, et de ceux qui sont passé dans sa vie, de près ou de loin, et racontent leurs souvenirs. Le film parvient très bien à faire raisonner les récits et pensées de ces passants avec l'histoire toute banale de ce garçon, pas seulement en mettant leurs propos dans la bouche de comédiens, mais par son montage et sa structure même. L'un d'entre eux propose à un certain moment d'aller chercher des autographes de "stars" qu'il garde précieusement chez lui, il revient avec sa fierté et une photo signée de Jean Lefebvre. Tout le symbole du film est là, l'importance qu'il donne à cette photo n'a aucun sens ; ou plutôt, elle pouvait en avoir, n'en a plus tant que ça, n'en aura bientôt plus du tout. Le documentaire brille lorsqu'il capte ces instants de transition.

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Le film se termine par un carton "inspiré d'une histoire vraie" très douloureux. La Jeune Femme à l'aiguille retourne l'habituel récit d'une émancipation féminine par une vraie histoire d'horreur qui aborde avec une sordide justesse de nombreux sujets liés à la domination sociale, par le travail, la guerre, le spectacle. C'est un film qui parle de pauvreté par tous les angles possibles, et montre l'impact de celle-ci dans la chair des protagonistes. En plus d'être parfaitement maîtrisé, ce noir et blanc est un choix très élégant car il permet de dévivifier les peaux, de les rendre les plus amorphes possibles. La jeune femme à l'aiguille est un bijou d'horreur psychologique.

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En boucle est un coup de cœur de cette année parce qu'il arrive en moins d'une heure et demi à traiter son sujet sous de nombreux angles. Le premier étant notre rapport au temps en fonction de notre classe sociale. L'ordre dans lequel lequel les personnages prennent conscience de la boucle étant entièrement liée à leur activité au moment de la réapparition et donc à leur travail. Celles et ceux qui débarrassent les tables, sont en cuisine, écrivent, conduisent un taxi comprennent avant celles et ceux qui profitent de ce travail : les clients, la patronne, l'éditeur. Il y a aussi dans ce film une vraie richesse dans la galerie de personnages, et c'est une qualité courante dans les films japonais qui arrivent souvent à jouer sur le fil entre personnages exubérants et sérieux dans le traitement du sujet. La film n'attendait pas ce genre de conclusion qui arrive comme un cheveu sur la soupe. Mais globalement, c'est très joliment filmé, les seules coupures qui interviennent après 2 minutes de plan séquence créent des ruptures très efficaces narrativement. Excellente surprise.

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Une très agréable surprise qui réussi à englober son sujet avec beaucoup précision et d'humanité. Une ancienne des stups passée à l'IGPN doit contrôler l'action de ses propres collègues. Cette enquête comprend bien sûr la subjectivité des manifestant et évidemment celle des policiers. Mais la subjectivité se retrouve écrasée par le système dans son ensemble, qui broie la volonté de cette enquêtrice de l'IGPN a tous les niveaux : pression des collègues qui maintiennent l'omerta pour preserver leur impunité, pression des institution qui craint de mettre en jeu la légitimité de la répréssion policière, en face les victimes et de leur familles qui n'ont que leur bouche pour réclamer justice. Les policiers devant leurs méfaits savent qu'il leur suffit de nier, de contredire l'évidence des images, comme pour Nahel, comme pour Ste Soline, Dossier 137 est un manifeste poignant pour l'organisation d'un organe de contrôle de l'action des policiers, enfin véritablement indépendant.

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La noirceur des thèmes abordés est contrebalancé par un humour cynique qui fait systématiquement mouche, accompagné par une succulente esthétique pâte à modeler.

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Concept très intéressant mis en place avec une légèreté et une humanité féroce. Life of Chuck est un tour de force narratif qui parvient à agglutiner les choses de la vie, la philosophie, l'art, les mathématiques, les choix personnels, le bonheur, toutes les choses des plus importantes aux plus anodines, avec un douceur désarmante.

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Merveilleux. Pour la pertinence des choix musicaux, l'excellente prestation du duo Juliette Armanet / Julien Bouillon et la sensibilité globale qui s'en dégage. Je dirais même que la distribution est plus pertinente que dans le court métrage puisque, Juliette Armanet étant la seule chanteuse du casting, cela accentue le décalage entre la cheffe gastronome et sa voix en dentelle, et le manger populaire à la voix plus raffinée. Je prédis ici : un césar du meilleur second rôle masculin pour François Rollin qui, se tenant éloigné des caméra de cinéma, livre ici une excellente performance apportant une certaine banalité que l'on doit à cette discrétion, puisque le spectateur l'identifie moins à d'éventuels rôle précédents.

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Ça faisait longtemps je n'avais pas autant ris devant un film. Vu le flot ininterrompu de gags de toutes sortes, il est évident que certains d'entre eux sont plus faibles, c'est un point commun avec les anciens opus, donc ce reboot n'a pas à rougir eux tant il est riche, tant il exploite tout ce que le cinéma à offrir de potentiel comique, voilà une vraie comédie de cinéma !

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Superman est le meilleur de ce que l'on peut attendre d'un film de super-héros. Il brille dans la mise en scène de ses combats. Il trouve le ton parfait entre gravité quand l'humanité est en péril et, tout de même, une certaine légèreté complice qui n'est jamais un désamorçage des enjeux. Et enfin, il est porteur d'un propos extrêmement politique qui ne cède rien au consensualisme, enfin une œuvre populaire qui assume un point de vue à propos du techno fascisme, des doctrines géopolitiques étasuniennes et même des massacres en cours à Gaza. Ce n'est pas du documentaire, mais la présence de ces sujets est assez rare pour être soulignée.

Aussi, Krypto est le meilleur relief comique possible parce qu'il coche ces cases :
1 - C'est un chien qui agit comme tel, on ne peut pas lui reprocher d'être trop en décalage avec les enjeux de fin du monde. C'est contre-pieds cohérent, là où, par exemple, la torche humaine des 4 Fantastique est assez insupportable pour sa manière de traiter avec légèreté des situations graves.
2 - Il a une vraie utilité dans l'action. A la fois pour ses accomplissement (certes involontaires), mais aussi pour sa manière d'être une représentation de la raison d'agir de Superman qui se bat corps et biens pour un être simple et désobéissant, une sorte de métaphore de l'humanité entière.
3 - Il est trop mignon.

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Quelque part dans le film, les personnages discutent de la différence entre le drame et la tragédie, et disent que dans un drame, tout le monde lutte dans l’espoir de trouver une issue positive à l’histoire, la tragédie au contraire montre des personnages qui savent constamment que ça ne pourra pas bien se finir. Le Quatrième Mur montre un metteur en scène qui vit son drame au milieu de la population locale qui elle vit une tragédie, c’est un film qui parle de ce décalage, et le personnage joué par Laurent Lafitte est fascinant pour cette raison, il est pris d’un idéalisme qui est absurde, surtout lorsqu’il est mis face à la réalité et à la dureté de la guerre.

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Vraiment rafraichissant, La légende d'Ochi s'inscrit dans la continuité de film tels qu'E.T. ou les Gremlins, sans jamais se borner à la redite nostalgique. Le film développe une vraie patte visuelle en privilégiant les animatroniques aux CGI, ce qui rend la créature très attachante. Sans être traumatisant, le ton global peut être dur pour le jeune public, c'est le résultats de partis pris esthétiques et narratives forts, qui sont plutôt à rapprocher de l'ambiance de films Ghibli, qui n'hésite jamais à mettre des sujets complexes à la portée de plus grand nombre.

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Un road trip hommage très touchant qui balance entre des moments de crises existentielles de la part des 2 quinquagénaires en deuil et de vrais instants de comédie, d'autant plus drôles qu'ils viennent ponctuer un film qui aborde des thèmes qui peuvent être lourds.

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Un film fort intéressant qui laissera peut-être perplexe les personnes nées avant les années 80-90, toutes celles passées à côté de Jackass et des tambouilles internet de la gen Z. C'est en fait un film générationnel qui ne cesse de nous parler des liens que génèrent les réseaux sociaux entre les individus, tout en montrant la star perdue dans une terrible solitude, coupée de toute empathie, engagée dans un débordement sensationnaliste aberrant. Ce n'est pas un film de vieux con, les dynamiques de harcèlement et de surenchère sont des problématiques importantes liées à notre utilisation d'internet, ici mise en scène avec beaucoup de finesse.

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Malgré un premier tier lent et poussif, Eddington dépeint avec beaucoup de lucidité le désemparement des individus des pseudo-citoyens USA écartelés entre des forces politiques qui s'affrontent, un pays qui s'est construit dans une mare de sang ne peux vivre qu'en reproduisant cette violence. Au milieu, ce personnage fascinant brillamment incarné par Joaquim Phoenix, un bras cassé pris en tenaille entre des évènements qui le dépassent, il subit cette violence et la multiplie à son tour. L'image est là, c'est ce personnage qui sort dans la rue avec une mitrailleuse trop grosse pour lui, c'est son insigne de shérif, l'objet est trop lourd, il ne sait pas qui viser, toutes ses actions sont vouées à l'échec. La fin est fataliste mais bien trouvée, elle nous rappelle que, quel que soit notre idéologie et la passion que l'on met dans la défense de nos idées, le gagnant sera toujours ce capitalisme technocratique qui engrange toujours cyniquement les bénéfices.

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Un récit tragicomique immensément plaisant à découvrir, Le Roi Soleil est à mon sens un tour de force narratif et servi par une très jolie photographie. Il arrive à filer cette idée d'envie et de mépris tout au long de cette heure et demi. Je lui pardonne les quelques facilités qui sont toujours au service d'une forme de comédie noire qui a visiblement été un plaisir construire.

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Vermiglio raconte avec beaucoup de finesse, au-delà de cette histoire de mariage, la vie d'une communauté de recluse au milieu des montagnes. L'omniprésence des enfants dans le film n'est pas anodine, la caméra elle-même semble adopter ce regard à la fois extérieur et intéressé, jamais jugeant, un regard d'enfant, le choix du plan américain en légère contreplongée, qui traverse le film, semble en témoigner. Ajoutant à cela une ambiance musicale dénuée, Vermiglio est un film très authentique, autant pour son écriture que sa mise en scène.