Les meilleurs films de 2025 selon Arkeniax

Annotation :

Pourquoi brûler sa vie pour mieux visionner ce film est finalement un marché honnête ?
Lǐ Gēng-Xī
Je ne veux rien savoir !

Avec quelques recommandations en poche, je me suis lancé dans cette superbe fresque, retraçant autant l'histoire du cinéma que celle de la Chine, faisant jaillir ses beautés, ses zones d'ombre, son passé torturé mais aussi son unicité. Resurrection est un film sur le cinéma, et à travers ses 5 segments, il exploite différents genres : Muet, Film noir, fable fantastique, drame social et romance, tous se faisant les reflets de la Chine à un instant T, que ce soit la guerre sino-japonaise ou la rétro-cession de Hong Kong à la Chine. Et sur moi, la magie opère. Le film est narrativement passionnant, plastiquement à tomber par terre (le segment film noir, oh mon dieu !) et filmé avec une virtuosité et un sens de la poésie renversants (ce plan-séquence de littéralement 40min !!!).
C'est une œuvre-somme sur le cinéma, et face à la peur de la mort, Bi Gan nous rappelle que seul le cinéma est éternel, et que dans la lumière du projecteur, tous et toutes nous trouverons les morceaux de nos âmes.
C'est à n'en pas douter un beau et grand film, à voir et à revoir sans modération !

Annotation :

J'attendais le film avec un mélange d'impatience et de crainte. Voir Guillermo s'emparer du mythe fondateur, c'était grisant, mais en même temps puisqu'il l'a déjà réadapté maintes et maintes fois par le passé, c'était le risque qu'il se plante.
Heureusement, le film est une réussite artistique (presque) totale. Visuellement, c'est magnifique, que ce soient les décors, les effets pratiques, les objets en dur utilisés, le travail de la lumière et des couleurs, encore une fois Del Toro soigne son visuel. Narrativement, c'est aussi très bon. A la fois une adaptation fidèle du roman mais aussi un vrai film de son réalisateur avec tous ses thèmes favoris et cette sensibilité poétique qu'il affectionne tant. C'est tantôt romanesque et vulgaire, violent et tragique, émouvant et effrayant.
Deux petits bémols pour moi : Jacob Elordi est trop beau, sa prothèse est soignée mais manque cruellement de laideur; et certaines lignes de dialogue sonnent très faciles, notamment l'inévitable "C'est toi le monstre", qui m'a semblé vraiment en trop. Et je ne suis pas vraiment convaincu par la musique de Desplats un peu trop sur le même ton pendant tout le film.
Malgré tout ça, voilà un excellent film par un réalisateur qui n'a plus rien à prouver. Et merde à Netflix.

Annotation :

J'étais passé à côté au moment de sa sortie, je le rattrape aujourd'hui et oui, c'est bel et bien un excellent film d'horreur/SF. Else nous propose une vision très originale de la fin de l'humanité, non pas par l'extinction mais par la fusion ultime de toute matière en un magma unique de chair, de pierre, de liquide et tant d'autres. Le réalisateur travaille jusqu'à l'excès les textures, les bruits, il nous donne envie de tout toucher, de tout sentir et de tout ressentir nous-mêmes, il nous donne envie de nous embarquer dans cette aventure finale. C'est véritablement un film unique, qui en plus a le bon goût d'aller jusqu'au bout de son idée en transformant absolument tout, les décors mutent en permanence, l'image change et se tord, les personnages se cassent et se refaçonnent,... Il y a dans ce film une poésie de la fin du monde, une beauté dans un body-horror et une sensibilité pour les personnages comme j'en vois rarement dans ce genre de films. On n'est pas juste sur un petit film indé français, on est sur une véritable expérience de cinéma jamais vue ailleurs. Je suis soufflé, je veux voir ce monsieur continuer à bosser !

Annotation :

Evans nous revient enfin. Putain, il était temps !!!
Notre réalisateur d'action préféré nous revient avec une nouvelle boucherie clairement dans la lignée de Gangs of London en termes de brutalité et de récit choral. Ce qui est important dans un film d'action, c'est que le scénario arrive à rester en retrait ou alors soit suffisamment bien écrit pour ne pas être ressenti comme un poids. Evans est plutôt partisan de la deuxième option. Ses films ne débordent pas d'originalité en termes d'écriture, mais les scénarios sont bien traités, les personnages ont une caractérisation et une trajectoire solides, donc ça fonctionne très bien. Tom Hardy s'incorpore magnifiquement dans l'univers d'Evans avec un personnage bien loin du glamour hollywoodien et qui déploie un super corps d'action, jamais au niveau des artistes martiaux indonésiens mais plus qu'honorable pour un homme qui a ruiné sa carrière trois films Venom d'affilée. L'action est encore une fois sanglante, spectaculaire, superbement chorégraphiée (la scène de la boite de nuit me rend dingue !!) et très très très brutale. C'est un moment jouissif et à nouveau servi par un filmage organique qui va au plus près des corps qui s'entrechoquent et qui se broient mutuellement, et qui fait corps avec les mouvements de ses cascadeurs. Evans donne encore une fois une belle leçon à tout le reste de l'industrie et maintient à flot tout le business Netflix par sa simple existence. Balèze.

Annotation :

Je n'avais vu de Cattet et Forzani que leur superbe mais abscons L’Étrange Couleur des Larmes de ton Corps. Ils restent dans le surréalisme mais, sans renier leurs inspirations giallo, s'intéressent à la figure de l'agent secret 60's. Le John D qu'on suit durant le film est autant un personnage de BD que de film puis devient un rôle dans une pirouette méta super bien vue. Le film est à l'image du titre, un tableau kaléidoscopique où se reflètent et s'entrechoquent plusieurs fragments de temps et d'espace, construisant une œuvre narrativement et esthétiquement très riche. Là où L’Étrange Couleur était visuellement sublime mais finissait par atteindre ses limites dans sa dernière partie, Reflet se renouvelle continuellement, il multiplie les idées de mise en scène brillantes avec malice, mais évite la pure abstraction avec un propos plus global sur la figure de l'espion viril et misogyne qu'il effeuille couche après couche pour mettre à nu ses zones d'ombre.
Super film, tout simplement !

Annotation :

Enfin rattrapé l'un des phénomènes du cinéma de l'an passé. Et oui, Une Bataille après l'autre est bien l'un des meilleurs films de 2025. Paul Thomas Anderson y développe un propos assez fin sur la lutte révolutionnaire face à un pouvoir oppressif en apparence omnipotent, dévoilant une cellule familiale fracturée par les affrontements avec les autorités, mais qui fait tout pour se réunir. C'est avant tout un film sur la transmission de la lutte, entre une ancienne génération qui a tout foiré en se complaisant dans ses propres acquis et une nouvelle qui a bien besoin d'être guidée dans la bonne direction. On a beaucoup commenté le personnage de Sean Penn, certains disant qu'il était trop manichéen, d'autres à l'inverse qu'il était trop nuancé, mais la vérité c'est que si Anderson lui reconnait une certaine humanité, il le voit avant tout comme une ordure qui n'est que le jouet du système qu'il défend bien qu'il soit persuadé de pouvoir s'élever et devenir quelqu'un d'important parmi les fascistes. C'est un personnage foncièrement mauvais, pas juste parce qu'il est suprémaciste, autoritaire et sociopathe, mais surtout parce qu'il nie et désintègre méticuleusement la moindre parcelle d'humanité en lui.
Le film est drôle, le film est tragique, absurde, tendu mais surtout émouvant, avec un très beau discours sur la filiation, un des moments forts de 2025.

Annotation :

Pourquoi ce film nous terraforme la gueule à l'autre bout de l'espace ?
Eiza Gonzalez.
Je ne veux rien savoir !

C'est donc ça, Flying Lotus, le fameux artiste de musique électro passé derrière la caméra pour un premier film, Kuso (pas vu), puis pour celui-ci, Ash.
J'avais eu des échos de Kuso et de la pâte visuelle très affirmée de son auteur, donc j'étais préparé. On a là l'exemple d'un scénario de série B SF comme j'en regardais des dizaines étant ado piraté par un artiste fou qui va y imposer un style, une mise en scène et des visuels uniques. Je n'ai littéralement jamais vu un film de SF avec cette gueule-là. Les CGI ne sont pas de qualité incroyable, mais ce qu'elles illustrent est magnifique, la direction artistique a des fulgurances de malade tout comme la mise en scène qui part dans le trip sous acide à plus d'une occasion pour totalement désorienter le spectateur. Et, réalisateur-musicien oblige, la musique est excellente et accompagne ce véritable coup de maître foutraque, inconstant, parfois mal rythmé malgré sa faible durée, mais généreux et génial. C'est pirater la machinerie du film d'exploitation basique pour en faire un clip géant polymorphe, c'est brillant.

Annotation :

Une bien belle proposition que ce Sirat, véritable héritier du Sorcerer de Friedkin dont il reprend la quête impossible qui se meut en une sorte de voyage mystique. Le film parle d'une humanité à l'agonie, qui court à sa perte dans le désert à la recherche d'un oasis, une communion de techno et de LSD, une dernière danse avant la fin du monde. Une BO envoutante pour un film qui commence comme un road-trip avec une galerie de personnages attachants (cette bande de marginaux est dépeinte avec une grande humanité), puis part dans sa deuxième moitié dans un récit bien plus cruel et brutal, nous rappelant qu'à la fin des temps, la mort peut frapper sans crier gare. C'est le vrai sens de ce "Sirat", la route que l'on suit ou qui nous tue.
Vraiment un film brillantissime.

Annotation :

Kathryn Bigelow revient et nous prouve une fois de plus son talent. Elle s'attaque ici à un sujet passionnant : La dissuasion nucléaire, et plus précisément le moment où elle ne fonctionne plus et que tout le monde est près à se foutre sur la gueule. En cela, je n'ai pas pu m'empêcher de penser au Point Limite de Sidney Lumet, dont le film de Bigelow pourrait presque être vu comme la modernisation. Finalement, entre la Guerre Froide et aujourd'hui, rien n'a vraiment évolué : Si un jour quelqu'un ose, alors tout partira en vrille et c'est le monde entier qui partira en fumée. La réalisatrice ausculte toute la chaine de commandement américaine, des premiers observateurs jusqu'aux plus hauts sommets de l’État, et montre les profonds dysfonctionnements de ce système où finalement, personne ne possède de vraie solution, et c'est d'ailleurs pour ça que le film conclut chacune de ses 3 parties exactement juste avant ce qu'on imaginerait être le climax, parce qu'au fond il n'y a aucune bonne solution, l'escalade est telle que personne ne ressortira gagnant d'une guerre nucléaire, ça finira mal quoi qu'il arrive.
Le film ne cherche pas à nous faire la morale sur son sujet, il nous dit de façon très factuelle que les puissances nucléaires ont créé un engrenage de destruction planétaire qui une fois enclenché ne pourra jamais être arrêté, et qu'il vaut mieux donc désamorcer toutes les bombes avant que le pire n'advienne.
Vraiment un film passionnant.

Annotation :

29/08/2025

Après un DCEU qui a connu toutes les déconvenues du cinéma américain moderne possibles, James Gunn se retrouve à la tête d'un tout nouvel univers remis à zéro. J'avais des craintes, mais force est de constater que M. Gardiens a compris Superman et lui rend ici justice. A quelques détails près. Car en cherchant à faire tout Superman d'un coup, le film a tendance à se disperser et ne sait pas toujours comment traiter tous ses personnages et sujets, mais il se rattrape avec déjà des scènes d'action très sympas mises en scène avec des mouvements de caméra inventifs. Tout le casting fait de l'excellent travail, y compris Nicolas Hoult qui est sans doute le Lex Luthor le plus fidèle à l'esprit des comics et est parfaitement détestable comme le salaud qu'il est. J'aime aussi que le film laisse pas mal de place au Daily Planet. Ils sont peu développés en dehors de Lois Lane, mais ont une place décisive dans l'intrigue et forment une vraie petite bande comme on verrait dans un comics Superman. Juste dommage que l'Homme d'Acier soit nerfé. Je veux bien qu'il soit peu expérimenté et impulsif, mais le voir se prendre autant de coups, c'est peu raccord avec le personnage.
Au final, on a un Superman qui cherche à amener le DCU dans une direction inédite et même un peu fraiche en comparaison de Marvel. On verra ce que ça donne dans la durée, en tout cas je suis très curieux du film Supergirl adapté de Tom King !

Annotation :

Youpi, la saga des V/H/S continue ! Merci Shudder et... les Emirats arabes unis...
Enfin bref, on a encore droit à une belle fournée de sketchs horrifiques, tendant pour certains plus vers la comédie d'horreur comme celui de la fabrique de bonbons et le tout dernier qui sont extrêmement funs ! De manière générale, c'est peut-être l'opus le plus chargé en sketchs (5 + le fil rouge) et ils sont presque tous réussis. Il n'y a que celui du serial killer qui est franchement banal et oubliable, mais sinon on a une nouvelle réalisation de Paco Plaza, un super segment de maison hantée bien malsain et aussi tout un fil rouge sur une boisson gazeuse fabriquée avec des ectoplasmes ! C'est tellement con que c'en devient sublime !
Alors bien sûr on ne retrouve pas la simplicité et la maitrise des premiers opus de la saga, mais on a encore une fois un bon V/H/S, je n'en demandais pas plus.

Annotation :

Après son superbe Limonov l'an dernier, je poursuis la découverte Serebrennikov avec La Disparition du Docteur Mengele. Sujet sensible s'il en est, mais que le réalisateur s'approprie brillamment. Car cette fameuse disparition n'est pas tant celle de l'individu en lui-même que la mort de son mythe. Tout comme Limonov déconstruisait la posture révolutionnaire vide de sens de son protagoniste, La Disparition nous montre un criminel qui, s'il n'a au final jamais été jugé pour ses crimes, aura malgré tout été puni car il ne trouvera jamais le repos, non pas par culpabilité, mais à cause de la peur maladive d'être retrouvé qui le ronge lentement et le dépouille de tout, jusqu'à ce qu'il ne soit plus qu'un vieillard aigri devenu un embarras même pour sa propre famille et meure dans l'indifférence générale. Une destruction personnelle qui s'accompagne d'une lente dissolution de ses principes, lui et ses copains les fugitifs nazis étant obligés de se fondre dans le paysage sud-américain pour rester cachés, ils ne sont plus les maitres des "races inférieures" mais des invités gênants qui, parce qu'ils ne font rien pour s'intégrer, s'enfoncent encore plus dans l'oubli. Serebrennikov a saisi une idée simple et forte : Les nazis ont perdu mais ils n'ont rien fait pour évoluer et ont donc disparu et personne n'a eu envie de les pleurer. Bien fait.

Annotation :

LE film qui a tout pété en Chine cette année et qui a même inscrit son nom dans l'histoire du cinéma en étant le métrage le plus rentable de tous les temps.
Bigre.
On comprend facilement pourquoi la Chine tout entière s'est ruée en salles pour Ne Zha 2 qui est un véritable blockbuster, et d'ailleurs l'un des meilleurs de cette année. C'est une histoire pleine d'aventure, de pouvoirs, de combats et d'humour enfantin, mais qui n'oublie pas d'avoir une grosse portée tragique, notamment un discours assez émouvant sur la parentalité et l'identité. Certes, comme tout film chinois d'ampleur il y a un peu trop de personnages et d'intrigues et le fait qu'on n'ait pas vu le premier film avant gène un peu la compréhension de l'univers, et on a peut-être un peu trop de blabla qui tourne en rond. Mais tout ça finit par devenir secondaire tant le spectacle est au rendez-vous. Le film est visuellement magnifique, déborde de générosité, de couleurs, de plans et d'instants épiques, c'est une débauche de moyens qui met à genoux n'importe quelle production occidentale à gros budget.
Ne Zha 2 est à n'en pas douter l'un des film forts de cette année, il prouve que le cinéma peut encore nous réserver des surprises !

Annotation :

Pourquoi ce film vous emmènera à bord de son vaisseau et par-delà les étoiles ?
Emma Stone.
Malgré le crane rasé qui a valu à Lanthimos moult insultes mentales de ma part, je ne veux rien savoir !

Encore un exercice réussi pour Lanthimos, qui derrière ce pitch absurde propice à du comique de cringe, dévoile de nouveau toute la vision désabusée du réalisateur du genre humain, et ici il va assez loin en nous montrant un monde contemporain où il n'y a plus aucune réconciliation possible entre les plus riches et les plus pauvres, où chacun se fabrique sa petite vérité bien pratique pour valider sa vision du monde. Les riches polluent, détruisent, empoisonnent, brisent des vies sans aucun remords, mais les gens normaux ne sont finalement pas mieux, prompts à une violence et une paranoïa insensées, utilisant des théories du complot farfelues là où il n'y a finalement qu'une triste et morne réalité, celle que les humains, dans leur globalité, s'en foutent des conséquences de leurs actes du moment qu'ils obtiennent satisfaction, quitte à niquer irrémédiablement la planète.
On a qualifié le film de bourgeois, et je vois pourquoi. Cela dit, ça ne rend pas le film moins intéressant, moins tendu ou moins cruel. Le duel entre Emma Stone et Jessie Plemons est excellemment bien écrit et les interprétation respectives des comédiens sont à nouveau fantastiques.
Radical, ramassé et lourd de sens, Bugonia est un excellent film de cette année.

Annotation :

Le deuxième visionnage était plus sympa.
Ce slasher entièrement centré sur le point de vue du tueur combine de jolies scènes de contemplation dans des décors naturels et de la bonne violence excessive comme on les aime. Même si le rythme se veut lent en nous montrant les angles morts d'une histoire de slasher, ça ne devient (presque) jamais chiant. On prend plaisir à suivre ce Jason be-like, même quand le réalisateur trahit son parti pris à 2 occasions, donc une dernière qui se centre sur la final girl mais n'apporte absolument rien au film tout en durant beaucoup trop longtemps pour rien puisque de toute façon on sait qu'à ce stade il n'y a plus d'enjeux.
Ça reste un bon film et je comprends qu'il ait attiré l'attention à Gérardmer, même si le grand prix me semble légèrement excessif.

Annotation :

La Thaïlande, autant connue pour son cinéma d'arts-martiaux des années 2000 (Ong Bak !!) que pour ses propositions d'auteurs. On est bien sûr ici dans la deuxième catégorie avec une œuvre fantastique traitant du fantôme et du sujet de la mémoire en multipliant les registres, entre comédie grincante, critique politique violente, drame intimiste, romance, fable onirique et horreur. Ca ressemble à un infâme gloubi-boulga, mais il n'en est rien, car le réalisateur jongle avec justesse entre les tonalités. Il commence comme une comédie à froid jouant du décalage entre le surnaturel et la banalité avec laquelle il est intégré par les gens ordinaires, puis bascule petit à petit dans le drame et révèle toute la subtilité de son propos. Car dans ce film, le fantôme est un objet de contestation contre les crimes du gouvernement thaï, par sa simple présence, il rappelle l'odieux passé et refuse qu'il soit oublié, chose que pourtant les criminels ne souhaitent que trop bien. C'est ainsi que le fantôme va devenir "utile", quand il va devenir une arme au service de l'effacement systématique de l'Histoire et de la mémoire collective. On l'a trop souvent répété, mais un peuple qui ignore son passé est condamné à le répéter. Et le réalisateur ne veut pas qu'on oublie. Il va traiter son sujet avec mélancolie et un certain sens de la poésie, mais en filigrane il exprime une violence sociale qui ronge la Thaïlande dans toutes les strates de la société, de la religion omniprésente à la bourgeoisie qui écrase les petits travailleurs sans états d'âme, en passant bien sûr par l'homophobie banalisée.
Malgré un ventre mou un peu superflu, voilà un film singulier et fichtrement bien mené.

Annotation :

[Festival Cinéma Interdit #3]

Pourquoi ce film est à croquer ?
Brazil.
Je ne veux rien savoir !

Le premier film japonais du festival, donc quoi de mieux qu'une exclusivité mondiale même pas sortie dans son propre pays réalisée par le cinéaste de la violence débile et des toilettes, Noboru Iguchi ?
Cannibal Girl garde ce ton décalé et surréaliste qu'on retrouve dans tous les films japonais du festival, mais y ajoute un excellent duo de comédiennes, l'idol Brazil est assez impressionnante dans son cabotinage extrême, passant en une seconde de la bouille angélique au rictus de yokai. On peut regretter que le manque de budget ne permette pas à Iguchi d'aller plus loin dans le gore bien débile, mais le film vaut clairement le détour pour son humour noir, ses comédiennes et sa romance aussi drôle que mignonne.

Annotation :

Eeeeeet le film Chainsaw Man est bien meilleur que le film Demon Slayer. Ne serait-ce que parce que, malgré l'impossibilité de le visionner sans connaitre le manga avant, au moins le studio l'a vraiment pensé comme un long-métrage de cinéma, avec un début, un milieu, une fin, des arcs de personnage et l'impression qu'on boucle l'histoire à la conclusion. C'est mille fois mieux fichu, et donc bien plus plaisant, en plus d'avoir une durée plus courte et donc un rythme plus soutenu.
Ce qui ne l'empêche pas de se concentrer sur ce qui fait l'intérêt de cet arc, à savoir son personnage central Reze et le début de déconstruction de Denji qui sera approfondi dans les arcs suivants. C'est le typique récit romantique à la Fujimoto, celle où la fille mignonne et parfaite est en fait une psychopathe meurtrière de masse amoureuse d'un simp immature et antisocial. C'est la romance la plus improbable, mais elle prend place dans un univers tellement déglingué à la base qu'elle en devient logique et donc touchante. Parce que Fujimoto a beau être un fou furieux désabusé, punk et cinéphile, il n'en perd jamais son sens du romantisme, ce qui rend à chaque fois ses œuvres bigarrées, étranges et donc uniques.
Est-ce qu'un non-connaisseur du manga pourrait voir ce film ? Oui dans une certaine mesure, et j'ai presque envie de dire que ça lui donnera envie de le lire. Il n'est clairement pas parfait mais définitivement plus intéressant que Demon Slayer.

Annotation :

Steven Soderberg s'empare du film de fantôme mais choisit de le traiter avec minimalisme. Nous sommes du point de vue du revenant, nous hantons la maison et la vie de ces gens avec lui, nous sommes témoins des hauts et des bas de cette famille dysfonctionnelle, entre une mère toxique, un fils petit con, une fille traumatisée et un beau-père qui essaye de faire au mieux. On s'attache particulièrement à ces deux derniers, et on s'interroge beaucoup sur les intentions de la Présence. Elle est à la fois un personnage, la caméra et le spectateur, Soderberg nous place ainsi dans une position a priori omnisciente, et au final son fantôme agit exactement comme nous le ferions si nous étions à sa place. Le réalisateur rend le spectateur actif dans le récit et lui donne l'illusion d'agir sur celui-ci. C'est bien entendu très théorique et le film est avant tout un drame familial où le fantastique va révéler les fêlures de son microcosme, il inverse notre rapport au fantôme en en faisant finalement un personnage plus humain que les humains.
C'est un beau film simple mais bien mené, un exercice de style qui parvient à dépasser la note d'intention pour devenir pur langage de cinéma. A voir !

Annotation :

Après une année 2024 compliquée, Wallace et Gromit reviennent pour éclairer les ténèbres de début 2025 !!
Le grand retour de ce duo iconique avec un métrage plus simple par certains aspects que Le Mystère du Lapin-garou, avec une histoire un peu bateau sur l'IA et l'omniprésence de la technologie qui nous jouera des tours dans le futur et quelques petites baisses de rythme, mais qui tient debout autant grâce à la maestria technique d'Aardman qu'à ses protagonistes si attachants. Et bon, ça fait plaisir de revoir cet enfoiré de pingouin, surtout qu'il est là en pleine forme !

Annotation :

Massacre à la tronçonneuse est sans doute l'un des films d'horreur les plus influents de tous les temps, il est devenu un classique indémodable presque par accident. D'une série B fauchée et tournée dans des conditions cauchemardesques mais sortie pile au bon moment et dans le bon pays, Tobe Hooper a fait un véritable mythe. Un mythe que les 5 intervenants de ce documentaire vont décortiquer. J'aime beaucoup la vision apocalyptique de Patton Oswalt, Takashi Miike porte un regard plus tendre et poétique et Karyn Kusama développe un propos vraiment intéressant sur la déréliction programmée de l'Amérique que semblait annoncer (avec raison) le film. Le seul intervenant qui ne marche pas trop, c'est Stephen King, car tout grand écrivain et indéniable cinéphile qu'il soit, il n'échappe pas à l'une des règles fondamentales de notre univers : Quand King parle de cinéma, il ne faut pas l'écouter. Surtout qu'il perd son temps en conjectures qui n'ont rien à voir avec le film, comme sa rencontre avec Hooper ou un passage complètement à côté de la plaque sur les fusillades dans les écoles.
Un documentaire bien produit, avec un montage intelligent et quelques trouvailles visuelles sympas, mais à réserver aux fans du film.

Annotation :

On remonte en qualité pour ce 4ème volet qui semble pensé comme l'avant-dernier de cette étonnante saga. Des faux documentaires true-crime exploitant des éléments de found-footage et explorant un mystère central caché au plus profond du désert du Nevada. Je reprochais au 3ème opus d'être avare en révélations sur les nombreuses zones d'ombre de tous les éléments surnaturels, mais avec ce dernier film, je commence à comprendre où Dutch Marich veut en venir, car il flirte avec le lovecraftien sans y aller franchement. Cette espèce de folk-horror étrange à la Blair Witch semble avoir des racines très profondes qui pourraient aller chercher du côté du Maitre de Providence, du moins dans l'inspiration car c'est clair qu'on ne risque pas de voir Cthulhu arriver.
Par contre cette fois-ci, le réalisateur est bien moins dans le documentaire et propose plusieurs séquences found-footage. Il a compris que l'heure n'était plus à enchainer les mystères et les questions sans réponse, maintenant il faut un peu d'action.
Est-ce que ce film-ci et son prédécesseur auraient dû être fusionnés en un seul au lieu de rallonger un peu trop la sauce ? Clairement. Est-ce que le film en devient moins flippant pour autant ? Clairement pas !
Le film fait peur, le film travaille toujours avec maestria le suspense et la suggestion par le bruit, c'est à nouveau un bon found-footage, qui en plus se renouvelle un peu par rapport au précédent.
J'en ai appris un peu plus, j'ai flippé, je veux toujours voir la suite.
A l'année prochaine pour conclure tout ça en beauté, on l'espère.

Annotation :

Dès la bande-annonce, ce documentaire m'avait intrigué. Le destin d'un photographe inconnu au bataillon mais qui a documenté l'Apartheid et l'Amérique des années 60/70, c'était une belle prémisse et le métrage final est une belle réussite. Narré par Cole lui-même ainsi que par son neveu et héritier, le documentaire nous fait rentrer dans ce contexte historique qu'on a du mal à imaginer aujourd'hui. Il nous parle d'un homme qui a voulu dévoiler la vérité sur son pays et sur l'emprise des Afrikaans jusqu'à devoir choisir l'exil aux États-Unis qui ne lui apporteront jamais la paix, la tranquillité et la liberté qu'il espérait. Presque tout le film n'est composé que de ses photos qui dégagent toutes une forme de beauté tout en étant pour la plupart prises sur le vif et avec des sujets en apparence anodins. Et l'histoire de la conservation des négatifs est encore plus folle que la vie de Cole ! J'ai adoré !

Annotation :

J'attendais le film avec ma torche et ma fourche, craignant un énième legacyquel à la con, et finalement ça n'est pas le cas !
Bloodlines est un vrai et bon Destination Finale, avec des personnages peu écrits et donc aisément sacrifiables, une scène d'intro reprenant le code classique de la saga de la vision qui anticipe la catastrophe et qui ici dure presque 10min, il y a énormément de gore bien con et bien drôle (la scène de l'IRM, j'ai eu envie d'applaudir !), ça joue un peu sur la corde sensible mais en même temps ça assume qu'on est juste là pour se marrer avec des morts-puzzles encore une fois très jouissives et surtout ludiques. Ça fait plaisir de revoir Tony Todd, quel dommage que ce soit son dernier rôle avant sa mort et quel dommage encore plus terrible de démystifier et d'humaniser son personnage qui tout au long de la saga avait cet aura d'avatar de la grande faucheuse qui le rendait super intéressant.
Malgré tout, bon film. Bien con, bien drôle !

Annotation :

Je pense que la hype autour du film a été un peu exagérée, mais se comprend facilement, au vu de l'année famélique qu'on a eue en termes de cinéma de divertissement grand public. Un film comme Sinners ne pouvait que trouver son public, pas seulement parce qu'il est un nouveau film de Ryan Coogler, parce qu'il a 2 Michael B. Jordan en tête d'affiche ou parce que ça parle de vampires, mais surtout parce qu'il apporte un petit peu de fraicheur dans un paysage hollywoodien cadavérique.
Le film se distingue par son originalité, en faisant la part belle à la musique blues et par ce biais à toute la culture musicale afro-américaine qui s'est développée en marge de celle des américains blancs, et il propose quelques jolis moments travaillant cette idée comme ce plan-séquence central. J'avoue qu'à quelques détails près, je trouve l'argument fantastique, les vampires, un peu sous-exploité, à plein de moments je me suis dit qu'on aurait pu les remplacer par le KuKluxKlan sans problèmes, parce qu'à un certain degré, vu qu'ils sont presque tous irlandais, on pourrait interpréter le film comme anti-immigration, ce que je ne pense pas qu'il souhaite être. Et je dois bien avouer que devoir attendre 1h avant qu'il nous balances les vampires, c'est un peu trop.
Sans compter que je n'ai absolument pas compris l'intérêt de faire jouer à Michael B. Jordan 2 rôles vu qu'il joue grosso modo exactement le même personnage...
Je ressors très satisfait du film, mais je déplore malgré tout ses maladresses.

Annotation :

C'est toujours intéressant de voir comment l'Asie s'empare de sous-genres horrifiques très connotés à l'occidentale. Sur le terrain de l'exorcisme, la Thaïlande nous avait donné le superbe The Medium, et maintenant la Corée du Sud nous donne Dark Nuns, suite d'un premier film que je n'ai pas vu. C'est très étonnant de voir ces cultures majoritairement polythéistes et avec une conception très large de ce que sont les esprits et les démons s'emparer du mythe judéo-chrétien, et ça donne des œuvres hybrides, où le chamanisme est vu comme l'ancienne culture et le catholicisme la nouvelle, les deux n'étant pourtant pas antagoniques.
Pour en revenir au film, à l'instar de The Medium, il réussit l'exploit d'être bon. Dans un océan de films d'exorcisme rincés, formolés, incapables d'évoluer voire profondément réactionnaires, il est bon, et par essence il devient l'un des meilleurs de son genre depuis L'Exorciste. La formule n'est pas particulièrement bousculée mais les personnages sont bien construits et intéressants à suivre, les scènes d'exorcisme sont bien filmées et l'ambiance générale est bien travaillée.
C'est un bon film d'exorcisme. Ce simple fait le rend exceptionnel !

Annotation :

Avec un budget rikiki, un dispositif réduit et un chien, Ben Leonberg arrive à faire des étincelles. Même si son métrage repose sur les codes d'épouvante les plus à la mode dans les films de possession ou de hantise, son simple déplacement du point de vue de l'histoire, à hauteur de chien, suffit à le rendre sympathique. On s'attache très vite à ce chien et à son parcours, lui qui tente comme il peut de protéger son maitre contre une entité démoniaque, bien qu'on se doute qu'il ne pourra pas faire grand chose. Le film travaille une belle ambiance, il a quelques idées visuelles qui marchent bien, notamment la fameuse entité, et il y a quelques effets pratiques volontairement vieillots qui rendent bien. Ce n'est pas le film d'horreur le plus incroyable, mais une honnête proposition de genre.

Annotation :

On a enfin trouvé l'utilité de Netflix : Produire des films d'action asiatiques de qualité ! Demon City est adapté d'un manga et ça se sent, c'est une histoire de vengeance classique servie par d'excellentes scènes de baston bourrines et sanglantes comme on les aime. On enquille les clichés, mais on le fait bien. Le héros est taciturne, donc on nous épargne les scènes de dialogue à rallonge sauf pour caractériser les méchants et en faire d'immondes sacs à merde qu'on a envie de voir crever le plus lentement et douloureusement possible, et on saupoudre le tout de folklore nippon avec les masque d'oni portés par les antagonistes, qui amènent d'ailleurs à un épilogue assez classe.
De l'action, du sang, pas trop d'histoire mais du savoir-faire derrière la caméra.
Tout ce qu'on aime !

Annotation :

Les attentats de Munich vus sous le prisme du journalisme. Le premier évènement de ce genre retransmis en direct à la télévision et en plus à l'internationale. Le réalisateur choisit ici le huis-clos et recentre son propos autant sur les méthodes et l'organisation des journalistes pour relayer l'information que sur la question éthique. Informer, oui, mais à quel point ? Et il le fait sans être donneur de leçon et sans dérouler la fiche Wikipédia.
Nous suivons le déroulé des attentats en même temps que les personnages, et nous sommes confrontés à des questions épineuses qui aujourd'hui semblent pourtant aller de soi, alors qu'à l'époque c'était inédit. Un bon film, sobre, efficace, réfléchi.

Annotation :

Genndy Tartakovski, le génie de l'animation américaine à l'origine de Samurai Jack, Primal ou les deux films d'animation 2D Star Wars récidive en sVOD avec un film canin très politiquement incorrect, clairement pour adultes, dont l'humour trash m'a rappelé la liberté de ton de Fritz the Cat, le côté 68ard et anti-racisme en moins. On donc sur du pur cartoon perverti par des blagues de cul à n'en plus finir, avec notamment la scène de déclaration amoureuse la plus tarée que j'aie vu ces dernières années ! D'ailleurs c'est marrant qu'en VF, le héros ait la même voix que Cartman, je me dis que les créateurs de South Park approuveraient pas mal ce style de film, qui derrière une vibe classique de film de potes et de passage à l'âge adulte cache une énorme vulgarité, rehaussée par des personnages super attachants (on ne le dira jamais assez, une bonne comédie c'est avant tout une comédie avec un scénario bien écrit !) et une animation de haute volée par un des maîtres en la matière, qui pioche visuellement dans les codes graphiques des Disney des années 70.
Tartakovski est un esthète, et il nous prouve que même dans un projet aussi improbable qu'une comédie canine trash, il est loin au-dessus de tout le monde !