Les meilleurs films de 2025 selon Felix Marret

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Ici le dispositif du film est des plus étrange: le réalisateur, dont le fils est décédé dans la vraie vie, décidé de lui rendre hommage en embarquant avec lui son ami Philippe Rebbot dans un voyage à vélo de Paris à Istanbul, tel que son fils l'avait fait dans la vraie vie.
Ont-ils vraiment fait ce voyage? Ont-ils vraiment fait du vélo? À quel point ?
Il y a une manière vertigineuse de mêler la fiction et le documentaire dans ce film qui les fait s'entremêler jusqu'à ce qu'on arrive plus à savoir ce qui relève du "vrai" et du "faux".
Il faut savoir que l'immense majorité des dialogues sont improvisés et ça se sent car les questions/réponses fusent tel une partie de ping pong! Les émotions ressenties par les personnages, et transmises naturellement aux spectateurs, sont ici plus vrai que nature. On est profondément ému par le récit, et on pleure de rire devant certaines scènes, témoignage d'une véritable amitié.
C'est un film beau, humain, hilarant, qui questionne sur le poids de la culpabilité et qui résonne en nous longtemps après.
Un petit bijou !

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Kechiche revient, sept après, avec une suite à Mektoub my love. Il faut savoir que le film qui constitue cette suite a été tourné en même temps que le premier, c'est à dire en 2017 !
Entre temps, l'auteur aura connu beaucoup de déboire, se sera fait cancel (pour agression sexuel et pour comportement autoritaire sur les plateaux). On aura également vu (entre-aperçu?) un intermezzo (film intermède entre les deux mektoub) présenté à Cannes en 2019 qui n'aura pas emballé grand monde...
Par miracle, cette suite sort et on ne peut que s'en réjouir... On retrouve sa bande de jeunes (et moins jeunes) errer dans la ville de Sète à la quête du bonheur. Ils sont exactement là où on les avait laissés. Son style ultra naturaliste est encore là et donne le vertige... Ca fait du bien de voir un cinéma qui ne donne pas l'impression de faire semblant mais nous donne au contraire une fiction qui semble directement issu du réel. Cette suite est un peu moins solaire que le premier, un peu plus cadré, mais c'est ce qui fait son charme. Comme si l'auteur nous laisser sur notre faim, à la fois pour nous dire que la société est moins adepte aux débordements qui caractérisent son cinéma mais également pour nous laisser imaginer tout ce qu'on ne verra pas dans le film...
Un magnifique chant du cygne !

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Sorrentino propose un film qui est loin de faire l'unanimité. Ici, on est sur nouvelle hommage à Naples, la ville natale de l'auteur.
Le titre du film évoque le nom d'une sirène mythologique dont proviendrait le nom de Naples. L'héroïne du film au nom éponyme est une jeune femme absolument sublime qu'on voit évoluer dans la ville sur une période allant de la fin des années 60 au début des années 80. Elle vit ainsi moults péripéties, se retrouvant à la fois confronter au regard désireux et amoureux des hommes, mais également devant faire face aux institutions comme celle du milieu des etudes supérieures, de la pègre locale ou encore le milieu cléricale.
De toute manière, l'histoire est un prétexte à mettre en scène la beauté, par la photographie, les cadrages, le montage... Beauté des décors, des gens, des rapports humains... On est dans un cinéma d'esthète, qui peut rappeler la douceur et la nonchalance des films d'Antonioni.
Pour peu qu'on arrive à rentrer dans cette univers, le voyage proposé est hypnotisant...

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PTA est un auteur qui compte beaucoup dans la vie de nombreux cinéphiles, notamment pour sa première période (Boogie nights et surtout l'immense Magnolia...). Après There will be blood, l'auteur est resté fidèle à lui-même avec des films maitrisés de bout en bout mais qui avaient peut-être perdu en chaleur humaine et tombaient dans une autosuffisance qui pouvait parfois laisser de coté. Depuis Licorice pizza, le réalisateur semble avoir renoué avec un cinéma plus fédérateur.
Ce film est certainement un des plus accompli de PTA, ou du moins, il est un des plus divertissant. Ce n'est peut-être pas le plus mystérieux (quoi que sa position politique reste assez brumeuse...) mais il a le mérite de proposer un repas complet, à savoir: un récit bien développé, des acteurs au sommet (mais qui ne cabotinent pas), une musique intrigante et une réalisation virtuose, comme cette chute d'un bâtiment qui semble surréaliste, ainsi qu'une course poursuite inédite dans sa forme.
Un chef-d’œuvre ?

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Une grand palme d'or ! Un film politique iranien, présenté à Cannes quelques mois avant les événements qui frappent l'Iran mais qui est, et restera, universel par ses thématiques.
En effet, le film parle de vengeance, de rétablir justice, et à travers sa belle galerie de personnages nous interroge, nous spectateurs, quant à nos choix moraux. Le film évolue ainsi en changeant tout du long de point de vue, de personnages, nous laissant ainsi maitre de nos décisions.
De plus, le réalisateur venant d'un cinéma plutôt léger, humoristique, se permet d'aborder des sujets très graves tout en restant "léger" de manière sous-jacente, en donnant ainsi un espoir de vie meilleure, un espoir, qui donne au film une humanité sublimé, magnifique...
Un grand film politique, émouvant et subtil !

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Pedro Pinho, rarement distribué en France, frappe un grand coup avec un film fleuve de 3h30, qui vient nous mettre en scène un personnage portugais ( très beau car me ressemblant...) venant habiter en Guinée Bissau.
Ici, l'occidental de service vient construire une route, pour améliorer la vie des habitants. C'est à la limite du documentaire, et surtout c'est criant de vérité car on ne sait où s'arrête le documentaire et commence la fiction. Le film change constamment de ton, passant du drame à la légereté sans qu'on le voie venir.
C'est jouissif, intrigant, constamment fascinant par l'ampleur du procédé qui semble ne pas avoir de limite. Il faut savoir qu'une version beaucoup plus longue devait être présenté mais le producteur aurait mis une limite au réalisateur.
Un bel objet de fiction qui évolue selon ses propres codes et semble être un monde à lui seul !

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Décidément, Guadagnino est un réalisateur aussi prolifique qu'il est intéressant à suivre !
Ici, on est sur l'adaptation d'un texte culte de Burrows, auteur culte préalablement adapté par Cronenberg avec le festin nu.
Plastiquement, le film est somptueux... On est sur un Mexico fantasmagorique où tous les hommes sont gays, ne travaillent pas, flânent, boivent des coups, se draguent...
Daniel Craig incarne ainsi le personnage principal, sorte d'alter ego de l'auteur. Si certains diront qu'il casse sont image de James Bond, il prouve surtout une fois de plus qu'il est un excellent acteur, toujours juste et réussit à merveille à incarner ce personnage touchant par ses fragilités.
Il est peut-être dommage qu'après une première partie remarquable par son onirisme, la deuxième s'égare un peu plus dans quelque chose d'assez nébuleux...
Heureusement l'épilogue réussit à réconcilier ces deux parties !

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Albert Serra revient deux ans après l'immense succès d'estime de Pacifiction pour proposer pour la première fois de sa carrière un film documentaire. Il aborde ici la corrida en filmant la plus grosse star mondiale actuelle de la discipline. Depuis que le film est sorti, tout le monde cherche à savoir si il s'agit d'un film pro ou anti corrida. Or ce n'est pas là que le film se situe. Le réalisateur nous filme les choses tel qu'elles sont, c'est à dire brutales, chorégraphiées, archaïques, cérémoniales... À chacun de se faire son propre avis sur la dimension morale de la chose. Mais finalement ce n'est pas ce qui intéresse le réalisateur.
Le film n'est pas politique mais plutôt un espèce de voyage énigmatique et sensoriel au delà du bien et du mal, comme une espèce d'étude de moeurs enrobé par une mise en scène des plus intriguante.
Un film qui ne laisse pas indemne et interroge quoi qu'on en dise sur notre rapport aux animaux.

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Que peut-on attendre d'un réalisateur américain qui s'empare d'un mythe français, à savoir A bout de souffle? Pas grand chose.
Et pourtant, Richard Linklater accompli ici un miracle de cinéma. En effet, un réalisateur tourne un film dont il ne connait pas la langue originelle et parvient à réaliser un des films les plus authentique sur cette époque. On est même au delà du biopic classique: la reconstitution est impeccable.
En effet, les costumes et décors sont là, mais la langue française des années fin 50 début 60 semble incarné, vivante, et donne la furieuse impression d'assister à un documentaire de l'époque (type Le joli mai de Chris Marker). Le niveau de reconstitution attend quelque chose d'expérimental... L'hommage à Godard semble parfait, si on arrive à mettre de coté le coté consensuel du film qui ne rend finalement pas hommage à un grand auteur du cinéma français dans son ensemble mais bien à une époque très brève, pleine de joie de vivre et de volonté de célébrer la vie dans ses aspects les plus rudimentaires...
Bravo au réalisateur mais également aux acteurs dont le travail semble phénoménal...

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Un film surprenant au premier abord. En effet, quand le film présente sa première scene musicale, on peut trouver l'effet assez déplaisant car surprenant.
Seulement, par l'agencement des scènes musicales, toutes différentes (remixant des morceaux issus de la variété française) ainsi que par les thématiques du film rudement bien gérées (le retour en sa région originelle, la nostalgie d'une époque révolue, les regrets de ce qu'on a pas pu faire...), le film parvient très vite à devenir universel, très touchant tout en ayant l'intelligence de ne pas juger ses personnages.
Un ovni et une réussite !

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Kosinski, véritable naissance d'un réalisateur de films d'auteur au budget de blockbuster?
En effet, la même formule que celle d'un top gun Maverick est appliqué ici, et ça marche complément !
Le film parvient à être une réussite sur tous les tableaux. En effet, en plus de proposer un discours cohérent et efficace sur le vieillissement, la détermination, ainsi que les vertus de travailler avec l'esprit d'équipe, l'enrobage est également très séduisant.
Que ce soit les scènes de courses qui constituent plus de la moitié du film, efficaces et véloces, ou que ça soit la cadence effrénée du scénario, on est sur quelque chose d'accompli, n'en déplaise aux mauvaises langues taxant le film de cliché. Le réalisateur ne révolutionné certes pas le cinéma, mais le produit est trop honnête et de bonne facture pour qu'on puisse sincèrement bouder son plaisir ( de voir Brad Pitt à l'écran notamment).
Jouissif !

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Le réalisateur et acteur principal de ce film fait ici une proposition des plus étonnantes ! D'abord car il s'agit d'un film assez éloigné de ce pour quoi on le connait (la comédie "pure", disons) mais également car le film en lui-même sort des sentiers battus.
D'abord car c'est pas tous les jours qu'on voit un film qui prend place en Afrique, plus précisément à Yaoundé au Cameroun. Mais également car le ton employé par le réalisateur est très moqueur, très critique envers ses personnages, dépeints comme égoïstes, corrompus, menteurs... Le film, qui est une enquête policière croisé avec une chronique familiale, oscille ainsi entre plusieurs registres: l'humour grinçant, la gravité d'un quotidien difficile et fait preuve d'une vraie poésie par la beauté de certains plans larges.
Un vrai film de cinéma ambigu, insaisissable et édifiant !

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Le réalisateur de Creed et des black planter aurait-il réussi un tour de force, celui d'infiltrer la machine hollywoodienne afin d'en obtenir les faveurs dans le but de réaliser un projet personnel coûteux en ayant carte blanche?
Le résultat est un véritable film de cinéphile, hommage au western, aux films de gangster, au cinéma d'horreur... Mais aussi et surtout à la musique noir américaine en revenant aux racines de celle-ci avec le blues !
En effet, le film prend place en l'an 1932 et raconte l'histoire fictive de deux frères jumeaux qui souhaitent ouvrir un bar musical en plein Mississippi exclusivement réservé aux noirs. Ainsi, nous sont présentés un à un les différents artistes qui composeront le line up de la soirée d'ouverture. Mais tout ne va pas se passer comme prévu...
Le film a certains défauts, comme celui de parfois un peu s'égarer et de contenir certaines longueurs, mais au final, il est d'une telle sincérité et générosité qu'on ne peut que s'incliner. La musique y est resplendissante, certains plans sont ébouriffants et les acteurs sont tous hyper charismatiques.

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Un film d'horreur qui fait peur. C'est tellement rare qu'il faut commencer par là !
En effet, avec ses thématiques, qui vont à la fois dans le registre du fantôme, de celui du "home intrusion" et qui joue beaucoup sur l'enfermement, la solitude, le questionnement, le film peut être très prenant, pour peu qu'on soit un minimum sensible à tout ça.
Grâce à ses talents de metteur en scène, le réalisateur arrive à instaurer un climat d'angoisse palpable. Le montage, qui laisse supposer que le danger peut subvenir à tout moment ou l'utilisation de jumpscare dénués d'effets sonores démultiplieront les effets de surprises...
Un film efficace !

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Une belle surprise que ce film! On est sur un objet filmique qu'on voit rarement, quelque chose de japonais et de très grand public!
En effet, les cinéastes qui s'exportent en occident sont dans un registre sobre, auteurisant (Kore-eda, Hamagauchi...). Ce sont de superbes cinéastes, ceci dit l'interrogation de savoir ce que donnerait un cinéma de divertissement japonais demeurait un mystère pour nous spectateurs français légèrement cinéphiles.
Ici, on est sur une "coréanisation" du cinéma japonais, c'est a dire que c'est très dynamique, a l'instar du cinéma moderne coréen ! On pense aussi beaucoup à Spielberg par le ton employé (à la fois léger et sérieux) et par la cadence soutenu tout du long.
Mais malgré tout, par son folklore et ses personnages, le film reste très japonais. Les notions d'abnégation, de respect, de rituels (entre autres) sont très présentes.
Montez à bord de ce film à suspens très réussi !

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Réalisateur jusqu'à présent inconnu en France, il débarque avec cette fresque de 3h30 qui a pour ambition de renouer avec la grandiloquence des films des années 60 à la David Lean, le tout parsemé d'un peu de Paul Thomas Anderson.
Ici, on parle d'un européen survivant de la Shoah qui débarque au USA après la guerre et se heurte à une société violente, qui "ne veut pas de lui". Ceci dit ses talents d'architecte lui permette de se faire une place...
Le film est long, très long. Il est certainement regrettable qu'avec une durée pareil, on ait pas plus de grands moments de bravoure. Ceci dit, il ne faudrait pas trop faire la fine bouche.
Le film possède une atmosphère d'une grande poésie, comme si l'espoir d'une vie meilleure se percevait à chaque plan. Ces perspectives d'une vie meilleure sont notamment incarné par le personnage de Guy Pearce, personnage richissime jouant avec son argent tel un enfant gâté pourri, aux intentions constamment flous...
Bien sûr, Adrian Brody mérite son oscar, mais le film n'est pas un simple film taillé pour les acteurs, il ne faudrait pas oublier les qualités esthétiques et de mise en scène du film, qui parvient régulièrement à surprendre.
Pas un grand chef-d'oeuvre mais un film aux qualités indéniables !