Les meilleurs films de science-fiction des années 1970 selon Starbeurk

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Le bijou de la saga Star-Wars.
S'il y a bien un film qui m'a fait tombé de mon siège à son premier visionnage c'est bien celui-ci! Aujourd'hui c'est clair que les 41 ans se font sentir au niveau de l'interaction des personnages et des dialogues un peu kitch ou enfantins ,c'est selon. Malgré tout une fraicheur et une jubilation sont prégnantes. Autre force c'est un film unique en tant que telle contrairement aux autres films de la saga qui sont des suites. Enfin, c'est un film dynamique, énergique au rythme haletant qui se démarque du coup des trois films de la prélogie (mise à part les 30 premières minutes de la revanche des Siths). Aujourd'hui tout le business autour de star wars me fatigue et je comprends que ça rebute beaucoup de gens. Faut savoir qu'à l'époque star wars malgré son succès paraissait être un film indépendant tellement il était différent des autres et touchait tous les ados emerveillés de visionner un truc aussi cool et réaliste! Nous avons tous rêvé devant l'aéroglisseur de Luke, le sabre-laser, le faucon millénium, les ailes rétractable du x-wing, de la première scène du destroyer de l'empire qui défile inexorablement à l'écran et même de l'habit oriental de Luke voir de son blouson jaune à la fin du film! quand chez soi il n'y a ni ordinateur, ni internet, ni telephone portable, imaginez la claque!
La photographie est incroyable ( on est loin du orange dessin animé de l'attaque des clones!) inspiré par 2001 l'odyssée de l'espace ( film surcôté enfin c'est un autre débat). Malgré les maquettes, le réalisme est bluffant. Dommage que dans la version bluray Lucas ait transformé le personnage loup garou en lezard à beret avec une paille(!!?) dans la cantina, et qu'il ait enlevé le premier tir de HAN SOLO contre GREEDO. En revanche il a bien fait d'améliorer les vaisseaux lors de l'attaque de l'étoile de la mort. Certaines traductions laissent à désirer le CHICTABA , CHICO, LE MILLENIUM CONDOR, D2-R2... Quand je l'ai revisionné longtemps après ( ça devait être un an avant la sortie de la menace fantôme) en VHS, j'ai eu envie de chialer quand OBI WAN dit à LUKE de faire confiance à la force avant qu'il tire les torpilles à proton dans la bouche d'égout de l'étoile de la mort ! Quelle émotion ! Comme la madeleine de Proust , mon enfance remontait à la surface en pleine gueule! Au final un film où tout devient possible, où l'univers est infini … C'est clairement le film de la saga à voir. C'est la meilleure bataille spatiale SF.

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Le plus cérébral des Alien vibre toujours d’une intensité sombre et effrayante.
Fondamentalement, Alien est un film sur des créatures qui peuvent surgir de l’obscurité et vous tuer. Il partage une certaine parenté avec le requin dans Les dents de la mer , Michael Myers dans Halloween et avec d’autres araignées, serpents, tarentules et harceleurs. Son influence la plus évidente est The Thing (1951) de Howard Hawks, qui raconte également l’histoire d’une équipe dans un avant-poste isolé qui découvre un extraterrestre endormi depuis longtemps, l’amène à l’intérieur et est éliminé un par un alors qu’il hante les couloirs.
D'un autre côté, le film de Ridley Scott de 1979 est un film original. Il s'appuie sur le plan d'ouverture de « Star Wars » (1977), avec son immense vaisseau dans l'espace interstellaire solitaire, et contourne l'opéra spatial de Lucas pour raconter une histoire dans le genre de la science-fiction « dure » traditionnelle ; avec ses membres d'équipage au franc-parler et leurs motivations mercenaires.
L’un des grands atouts d’Alien est son rythme. Il prend son temps. Il attend. Il autorise les silences (les majestueux plans d’ouverture sont soulignés par Jerry Goldsmith par des bavardages métalliques lointains à peine audibles). Il suggère l’énormité de la découverte de l’équipage en la construisant par petites étapes : l’interception d’un signal (est-ce un avertissement ou un SOS ?). La descente vers la surface extraterrestre. La silhouette ombragée du vaisseau extraterrestre. La vue du pilote extraterrestre, figé dans son siège de commandement. L’énormité de la découverte du nid avec tous ces oeufs à l’intérieur du vaisseau.
Alien utilise un procédé astucieux pour garder l'alien frais tout au long du film : il fait évoluer la nature et l'apparence de la créature, de sorte que nous ne savons jamais exactement à quoi il ressemble ou ce qu'il peut faire. Nous supposons au début que les œufs produiront un humanoïde, car c'est la forme du pilote pétrifié du vaisseau extraterrestre depuis longtemps perdu. Mais bien sûr, nous ne savons même pas si le pilote est de la même race que sa cargaison d'œufs coriaces. Peut-être les considère-t-il aussi comme une arme. La première fois que nous avons un bon aperçu de l'alien, c'est lorsqu'il jaillit de la poitrine du pauvre Kane. Il a incontestablement une forme phallique.

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S’intéresse beaucoup plus à l’ambiance qu’il crée, qu’aux questions qu’il soulève.
Stalker est film est assez opaque à bien des égards et l'un des plus lent que j'ai visionné (ok moins lent que 2001 l'odyssée de l'espace, faut pas déconner non plus).
Le film est basé sur le roman Roadside Picnic de 1972 des frères Arkady et Boris Strugatsky, qui ont également écrit le scénario du film. N'ayant pas lu le roman en question, je ne peux m'appuyer que sur des ouï-dire, mais j'ai le sentiment qu'il s'agit d'un roman de science-fiction sur la façon dont l'humanité interagirait avec l'intrusion d'un écosystème extraterrestre au service de la Terre. Le film s'intéresse beaucoup plus aux émotions et au mysticisme.
De plus, les humains en question sont des archétypes plus que des individus.
Stalker est une œuvre hautement symbolique. Plus précisément, c’est une œuvre sur le christianisme sans équivoque, même si elle ne parle pas explicitement de religion. Le film se termine avec le harceleur découragé, car sa capacité à diriger les gens ne vaut rien s'ils n'ont pas la foi, c'est le mot particulier qu'il utilise, "la foi" .
La séquence finale avec l' harceleur et sa famille, est traitée plus comme une étude psychologique qu'un recueil d'idées, d'humeurs et d'arguments moraux.
Aussi direct que puisse être le film, il ne semble jamais dépourvu d'artifice. Au contraire, la scène culminante, extrêmement longue, où l' harceleur, l'écrivain et le professeur se tiennent sur le seuil de la salle et discutent, est l'une des plus captivantes du film.
Les interprètes traversent un tourbillon d'états émotionnels, le film alterne judicieusement les gros plans qui montrent leurs visages angoissés et burinés et des plans larges qui les placent dans les ruines surnaturelles.
Le climax fonctionne parce que Stalker à nous prépare à cette séquence (elle est de 162 minutes au total) . C'est un film au ralenti puissant afin que nous puissions absorber le sentiment des moments. Il y a une scène en plan unique dans un train sur lequel les trois hommes ont sauté pour se faufiler dans la Zone, qui se poursuit sur une petite infinité, tandis que le claquement rythmique de la voie ferrée donne un élan à l'image statique. Cela nous permet de nous imprégner de l'atmosphère du moment, avec des effets sonores inappropriés.

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sans égal dans le domaine des films de premier contact.
Rencontres du troisième type a bénéficié d'un timing hors pair. Sorti juste après Star Wars , il a su s'imprégner de l'atmosphère pro-science-fiction qui avait surgi suite au succès inattendu de George Lucas. Bien que Rencontres du troisième type soit un film très différent de Star Wars , il s'adresse au même public. Après avoir eu l'occasion de voir à quoi ressemble la vie il y a bien longtemps dans une galaxie lointaine, très lointaine, nous pouvons voir à quoi ressemble la vie sur Terre lorsque des extra-terrestres viennent nous rendre visite.
Rencontres du troisième type a été l'occasion pour le réalisateur Steven Spielberg de raconter une histoire qu'il souhaitait raconter depuis des années : à savoir, que se passerait-il si des extraterrestres bienveillants entraient en contact avec des êtres humains?
Spielberg travaillait sur l'histoire depuis avant le début du tournage des Dents de la mer et, même après que Rencontres du troisième type ait été « en boîte » à la fin de 1977, le réalisateur n'en avait pas terminé. J'ai lu qu'il y a eu au moins quatre autres versions, toutes incorporant diverses combinaisons de scènes supprimées, et dont la durée varie de 132 minutes à près de 2 heures et demie. Du point de vue du thème et du contenu, elles seraient toutes similaires. Les différences sont mineures, aucune version particulière ne se démarquant.
Les visites extraterrestres sur Terre sont un élément essentiel de la science-fiction. Certains des meilleurs films du genre ( Le jour où la Terre s'arrêta ) ont utilisé ce sujet comme tremplin. L'une des choses qui différencie Rencontres du troisième type de ses prédécesseurs apparemment innombrables est que les extraterrestres sont amicaux, curieux et même joueurs. Ce n'est pas une caractérisation courante des races spatiales. Le plus souvent, les extraterrestres dans les films sont montrés en train d'attaquer la Terre, sans observer et sans essayer d'établir un contact pacifique. Des films comme Rencontres du troisième type , ET et Contact sont des exceptions à la règle.
À quoi ressemblerait vraiment un premier contact ? C'est le scénario imaginé par Spielberg. L'armée est impliquée, mais ce n'est pas elle qui dirige le spectacle ; ce sont les scientifiques qui sont aux commandes. C'est une rencontre interculturelle merveilleuse et magique.

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Quand nous aimons quelqu’un, qui aimons-nous?
Les films du réalisateur russe Andreï Tarkovski ressemblent plus à des environnements qu'à des divertissements. Ils sont trop longs. Mais rester bloqué là-dessus serait passer à côté de l'essentiel. En effet, il utilise la longueur et la profondeur pour nous ralentir, pour nous sortir de la cadence de nos vies, pour nous faire entrer dans une zone de rêverie et de méditation.
Ses films sont des méditations sans concession sur la nature humaine et le but de l'existence, et ils ont une profonde dimension spirituelle sous-jacente (suffisamment pour lui attirer des ennuis avec les autorités soviétiques de l'époque, qui coupèrent, critiquèrent et imposèrent un embargo à ses films, le poussant finalement à l'exil).
Son film « Solaris » de 1972 n'échappe pas à la règle. C’est long, c'est lent et il y a peu de dialogues. Mais ensuite, la forme générale du film apparait comme par enchantement.
Les images sont d’une beauté surprenante.
Solaris est un peu la réponse de Tarkovski au 2001 de Kubrick. Les deux films mettent en scène des voyages spatiaux humains et des rencontres avec une intelligence extraterrestre transformatrice, qui crée des lieux (« 2001 ») ou des personnes (« Solaris ») à partir d'indices apparemment obtenus en lisant les pensées. Mais le film de Kubrick est tourné vers l'extérieur, traçant la prochaine étape de l'homme dans l'univers, tandis que celui de Tarkovski est tourné vers l'intérieur, s'interrogeant sur la nature et la réalité de la personnalité humaine.
Dés lors le film Solaris de Tarkovski me semble plus profond et intéressant que 2001 superficiel et vide de sens.
Quand nous aimons quelqu’un, qui aimons-nous, la personne en tant que telle, ou l’idée que nous nous faisons de cette personne ? Quelques années avant que la réalité virtuelle ne devienne un mot à la mode, Tarkovski explorait déjà ses implications. Bien que d’autres personnes existent sans aucun doute dans un espace physique indépendant, toute notre relation avec elles existe dans notre esprit. Lorsque nous les touchons, ce n’est pas le contact que nous ressentons, mais la conscience que nous avons de ce contact.
D'ailleurs il y un vrai climax car la dernière séquence du film nous invite à reconsidérer la séquence d’ouverture.
Ce film est philosophique et humaniste. Tarkovski n'utilise la sciences fiction que pour étayer son propos et non l'inverse.

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L'histoire est simple, cependant « THX 1138 » reste une claque visuelle posant les jalons de la Guerre des étoiles 5 ans plus tard.
« THX 1138 » de George Lucas, une parabole de science-fiction se déroulant au 25e siècle affiche une remarquable maîtrise visuelle.
La force du film ne réside pas dans son scénario mais dans son style visuel et sonore dérangeant et étrangement efficace. L'histoire est celle d'une science-fiction classique ( attention spoilers) : cinq siècles plus tard, l'humanité habite de vastes cités souterraines programmées par des ordinateurs et contrôlées par des robots. Les citoyens sont gavés de drogues pour inhiber leurs passions, mais THX 1138 ( Robert Duvall ) et sa compagne LUH 3417 (Maggie McOmie) réduisent leurs rations de drogue et découvrent qu'ils ont des appétits sexuels. Pire encore, ils tombent amoureux.
En gros c'est une bataille contre le système informatique centralisé, quelques séquences où THX 1138 se montre plus malin que les robots policiers stupides plus une scène de poursuite. Rien de tout cela n’est très original, mais Lucas ne semble pas préoccupé par son intrigue, de toute façon. Son film s’est inspiré d’un film d’étudiant qu’il a réalisé à l’Université de Californie du Sud, qui a remporté le National Student Film Festival en 1968. Le travail d’étudiant était en quelque sorte un essai pour celui-ci, explorant des moyens de créer des effets spéciaux peu coûteux mais totalement convaincants pour une société futuriste. C'est une réussite: les laboratoires souterrains, les appartements et les couloirs de « THX 1138 » ont une uniformité aveuglante de porcelaine blanche, et les personnages semblent habiter les installations sanitaires les plus spectaculaires et les plus hygiéniques du futur.
Les effets sonores renforcent l'illusion d'une société lointaine et différente. Les dialogues semblent à moitié entendus, à moitié oubliés ; les gens parlent d'une manière amusée, comme si la drogue les avait rendus indifférents. Leurs paroles sont suspendues dans une atmosphère sourde et résonnante où seules les annonces enregistrées programmées par ordinateur semblent sûres. Et la blancheur sans relief de cet univers s'étend à l'infini, en particulier dans la scène efficace de la prison sans murs : comment s'échapper d'une prison qui n'est qu'un vide ?

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une utopie sans vergogne
"L'Âge de cristal est une vaste extravagance procurant un certain plaisir, une fois qu'elle cesse de se prendre au sérieux. Cela se produit environ une heure après le début du film, mais même la première moitié n'est pas mauvaise si vous êtes un fan (comme moi) des effets spéciaux et des villes du futur et des pistolets à rayons et des monorails qui sifflent au-dessus de votre tête.
Les gens portent les justaucorps et les minijupes futuristes réglementaires et glissent dans d'énormes espaces intérieurs qui ressemblent à des bâtiments modernes au Texas (ces scènes ont été tournées sur place dans des bâtiments modernes au Texas). Ils ne semblent rien manger, bien qu'ils boivent des choses apparemment nutritives, et quand ils ont envie de sexe, ils se branchent simplement sur un croisement entre un téléporteur et un service de rencontres par ordinateur et se matérialisent dans les chambres de l'autre.
Le seul hic dans cette existence idyllique, c'est que personne n'a le droit de vivre plus de 30 ans. Au dernier jour fixé, ils montent au ciel dans un "carrousel" qui les incinère pendant que leurs amis applaudissent. En théorie, si vous arrivez en haut du carrousel sans être zappé, vous pouvez continuer à vivre. Mais il n'y a pas de personnes âgées dans la ville. . .
Notre héros est Logan, joué par Michael York avec une certaine intelligence. C'est un "homme de sable", chargé d'intercepter les "coureurs" qui tentent d'échapper à leur société. La plupart des gens commencent à courir à l'approche de leur 30e anniversaire - le monde de Logan est comme le nôtre. Un jour, après avoir été doublé par l'esprit-ordinateur de la ville, Logan court lui aussi. Et la belle Jessica (Jenny Agutter) court avec lui.
C'est ici que le film devient amusant. Logan et Jessica flottent dans un système d'irrigation, sont piégés dans un ascenseur, se battent avec d'autres hommes de sable (au cours desquels nous pensons que les rayons de la mort de tout le monde sont terriblement inefficaces), traversent un tunnel de glace peuplé de Roscoe Lee Brown jouant un Tin Man informatisé et enfin émerger dans un Washington, DC largement abandonné. Ce vol n'est pas sans rire de notre part. Peut-être que les cinéastes eux-mêmes savaient même que certaines scènes seraient drôles, comme lorsque Jessica et Logan, mouillés dans le tunnel de glace, sortent de leurs vêtements mouillés et se mettent dans des peaux d'animaux sèches, puis immédiatement, inexplicablement, remettent

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Spectaculaire et inspirant, l'épisode pilote offre une allégorie classique de la science-fiction.
S'inspirant de la théories sur les « anciens astronautes » Battlestar Galactica a su exploiter cette ferveur pour le mysticisme et le mystère, et l'idée que l'humanité et l'histoire humaine sont bien plus vastes que ce que l'on voit à la surface, que ce que l'on nous enseigne dans les livres d'histoire.
Battlestar Galactica a étonnamment bien vieilli, je l'apprécie autant aujourd'hui que lorsque je l'ai regardé pour la première fois.
Battlestar Galactica original reste une série d'action-aventure, l'équivalent télévisuel de Star Wars, destinée à plaire à un large public familial, et en tant que telle, elle conçue pour être amusante et divertissante, et non pas réaliste et stimulante. Cela dit, elle raconte des histoires captivantes et offre une allégorie classique de la science-fiction.

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Le film ne tient pas toutes ses promesses, la fin est décevante.
« Soleil vert » de Richard Fleischer est un bon film de science-fiction. Il raconte l’histoire de New York en 2022, alors que la population atteint le chiffre incroyable de 80 millions d’habitants et que les gens vivent dans la rue et font la queue pour obtenir leurs rations d’eau et de Soleil vert. Il s’agit d’un aliment riche en protéines fabriqué à partir de plancton cultivé dans les mers. Mais est-ce vraiment le cas ?
Le film dresse un tableau fascinant et effrayant d’une croissance démographique effrénée. L’intrigue policière n’est en fait qu’un prétexte pour nous maintenir intéressés d’un bout à l’autre du film. La véritable réussite de « Soleil Vert » est ce monde du XXIe siècle suffisamment réaliste. C'est simple, on n’a pas l’impression d’être dans un film de science-fiction. Ce que le réalisateur Fleischer et ses techniciens ont fait, c’est supposer une probabilité très basique (et déprimante) : que d’ici 2022, New York ressemble essentiellement à ce qu’elle est aujourd’hui, seulement 49 ans plus vieille et plus délabrée.
Il y a bien sûr des détails futuristes, mais sans plus.
Au milieu de cette barbarie, quelques personnes survivent .
Ce film ne me fascine pas plus que ça même si je reconnais qu'il est bien monté.

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Tout cela est raconté avec simplicité et un souci écologique discret.
Dans un futur pas très lointain, l'homme en fini avec la Terre. Les montagnes sont aplanies, les vallées comblées, et il n'y a plus de plantes en croissance pour tout gâcher. Tout est beau et stérile, et le ménage mondial de l'homme atteint une défoliation totale. Autour des anneaux de Saturne, quelques vaisseaux spatiaux solitaires montent la garde. Ce sont des serres interplanétaires, toujours pointées vers le soleil. À l'intérieur de leurs hectares et hectares de forêts, protégées par des dômes géodésiques qui recueillent la lumière du soleil, poussent les plantes et les petits animaux survivants de la Terre. On y trouve des écureuils et des lapins et des nuits de pleine lune où le vent semble réellement respirer dans les arbres : un rappel fantomatique des forêts mortes de la Terre.
Le gardien de l’une de ces serres, Freeman Lowell, un homme quelconque aime les plantes et les animaux . « Silent Running » raconte son histoire. il est à des millions de kilomètres de la Terre, mais ses pensées sont remplies de désherbage et d’élagage, d’engrais et de pluies artificielles.
Un jour, la Terre donne l’ordre de détruire les serres et de revenir. Lowell ne peut se résoudre à le faire, alors il tue ses compagnons d’équipage. Il détourne ensuite son vaisseau spatial et le dirige vers la nuit galactique. Tout cela est raconté avec simplicité et un souci écologique discret. Cela fait de « Silent Running » un film de sciences fiction à part.
Le poids du film repose sur les épaules de Bruce Dern , qui joue le seul homme visible durant la majeure partie du film. Ses seuls compagnons sont Riri, Loulou et Dewey, de petits robots étrangement humains qui aident au jardinage. Ils savent manier la truelle, mais ne sont pas doués pour jouer au poker, comme leur patron humain le découvre pendant une période d'ennui.
« Silent Running » n’est pas un film très profond. ça raconte l'histoire d’un homme fondamentalement simple confronté à une situation effrayante. Entre la vie de ses compagnons et la vie des plantes survivants de la Terre, il choisit les plantes en croissance.