Sous les décombres du spectaculaire

Boston comme champ de bataille intime, ses briques promises à la pulvérisation, ses ponts transformés en lignes de fuite nerveuses : Blown Away s’ouvre sur une Amérique compacte, urbaine, contractée, prête à exploser au sens le plus littéral. Stephen Hopkins arrive après Predator 2 et avant Perdus dans l'espace, dans ce moment flottant des années quatre-vingt-dix où Hollywood cherche encore à concilier la frontalité brute du cinéma de genre avec une ambition plus sombre, vaguement politique, parfois maladroite. Le film s’avance ainsi, gonflé de moyens, tendu d’intentions, avec cette impression persistante qu’il voudrait être plus qu’un divertissement efficace sans jamais tout à fait savoir comment le devenir, ni à quel prix.

La figure du démineur, incarnée par Jeff Bridges, impose d’emblée un rapport charnel au danger. Blown Away sait filmer les mains, les outils, la matière même des bombes, la respiration suspendue avant la coupe d’un fil. Là se logent ses moments les plus convaincants. Hopkins privilégie alors des cadres resserrés, presque étouffants, qui ralentissent le tempo au cœur même d’un récit conçu pour l’accélération. Le découpage se fait plus lisible, la caméra cesse de courir, le montage accepte une certaine durée. Le suspense naît moins de la menace immédiate que de la gestion du temps, de cette négociation permanente avec l’explosion à venir. Le film trouve dans ces instants une vérité physique, presque tactile, rare dans un cinéma d’action de plus en plus tenté par l’abstraction spectaculaire.

Mais Blown Away est aussi un film qui s’observe fonctionner, parfois avec une insistance un peu lourde. Chaque séquence spectaculaire semble sommée de prouver quelque chose, d’afficher son budget, sa virtuosité technique, quitte à diluer ce que le film avait de plus singulier. Le montage, nerveux jusqu’à la saturation lors des poursuites et des affrontements, rompt par moments l’équilibre fragile entre lisibilité et ivresse. Hopkins filme vite, souvent trop, comme si la peur du relâchement l’empêchait de laisser les images respirer pleinement. L’énergie se transforme alors en agitation, le mouvement en démonstration, et l’explosion finit par perdre de sa charge symbolique pour n’être plus qu’un passage obligé.

Face à Jeff Bridges, Tommy Lee Jones compose un antagoniste massif, frontal, habité par une colère ancienne que le scénario rattache à l’IRA avec une simplification politique déjà contestable à l’époque, aujourd’hui franchement embarrassante. Cette dimension idéologique, traitée à grands traits, affaiblit la portée du conflit et réduit la complexité possible du personnage. Jones, toutefois, impose une présence rugueuse, presque excessive, un jeu tendu, parfois outré, qui flirte avec la caricature sans jamais y sombrer complètement. Le face-à-face entre les deux hommes, pensé comme un jeu de miroirs brisés, fonctionne par éclats plus que par continuité dramatique. Il manque à ce duel une profondeur morale, une véritable épaisseur tragique qui aurait permis au film de dépasser la mécanique bien huilée du combat programmé.

La musique d’Alan Silvestri, omniprésente, enveloppe le récit d’un lyrisme martial parfois envahissant. Elle souligne là où l’image pourrait suffire, appuie là où le film gagnerait à se taire. Pourtant, lorsque la partition se fait plus retenue, elle participe à cette sensation de menace diffuse, presque abstraite, qui plane sur le film comme une onde de choc différée. La bande sonore devient alors un prolongement de l’espace, une vibration souterraine plutôt qu’un commentaire autoritaire.

Blown Away n’est ni le grand film qu’il ambitionne par moments, ni le produit strictement interchangeable qu’il accepte parfois d’être. Il demeure coincé dans cet entre-deux inconfortable, révélateur d’un cinéma d’action américain à la croisée des chemins, encore attaché à la matérialité du danger mais déjà attiré par une surenchère qui menace de le vider de sa substance. Ce qui subsiste, au fond, c’est l’image d’un film qui croit encore que le spectacle peut être une affaire de corps, de nerfs et de temps suspendu, tout en trahissant régulièrement cette croyance par excès de bruit et de vitesse. Un film tendu comme un fil électrique, vibrant, imparfait, dont l’explosion finale ne laisse pas tant une déflagration qu’un déplacement d’air, suffisant pour troubler l’espace, insuffisant pour le redessiner durablement.