2022 : Une année en films

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Revu

Premier film de cette nouvelle année que j'ai fait découvrir à la petite cousine. Une merveille d'animation et d'humour, avec une palanquée de références au cinéma d'évasion. Toujours aussi bon.

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Revu

Peu de souvenirs de mon premier visionnage, ce second est donc presque une découverte. On a bien le duel au sommet tant attendu entre Pacino et De Niro, épaulés par un casting 5 étoiles dans ce modèle de film de braquage (ses influences sur les GTA sautent aux yeux). Par contre, comme souvent avec Mann, j'ai un soucis avec ses choix musicaux douteux qui apportent du ridicule a des séquences solides qui s'en seraient bien passé.

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Vu

Je pensais l'avoir déjà vu, mais en fait non. Ca se suit bien, mais la finesse n'est clairement pas au rendez-vous, tous les personnages étant caricaturaux à souhait, et la réalisation parfois franchement laide. Aucune surprise, c'est du Fuqua. Bref, je ne l'avais pas vu, mais c'est tout comme.

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Vu

Film de SF fauché, verbeux à souhait, et où le moindre détail est une clé de compréhension de ce mindfuck tentaculaire. Le fait est que des détails, j'ai du en rater puisque je suis sorti du film en ayant pas bité la moitié de ce que j'avais vu, et la lecture de chartes et de graphiques à la suite m'a certes aidé à saisir l'ambition du projet, il n'empêche que je ne sait pas si le film brouille les pistes avec maîtrise (et dans ce cas, je n'étais juste pas assez réceptif et la faute est mienne), ou s'il est involontairement confus (plus que la confusion volontaire évidente, auquel cas il en pati). Un avis circonspect donc.

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Vu

Exemple parfait du film d'action catastrophe des 90s, Outbreak se regarde avec un désintérêt croissant. Le timing covidesque fait qu'on s'y retrouve un peu, et les jolis décors des forêts californiennes apportent un plus pour ce film sitôt oublié.

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Vu

Déjà pas fan des Ghostbusters originaux, je n'avais absolument aucune attente pour cette mouture 2021, surtout après le fiasco du dernier reboot. Mais ce volet Afterlife est au final une excellente surprise. Il départ totalement de l'ambiance des films originaux, et ce sur de nombreux points. Plus posé, en milieu rural, centré sur des enfants, avec un humour plus discret, le film se pare d'une très belle photographie et d'un final très touchant qui en dit long de l'amour du casting original pour le défunt Harold Ramis. Une très bonne surprise que ce rafraîchissement de la franchise, je conseille vivement.

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Romance bourgeonnante contrariée par la Guerre de Secession, Cold Mountain évite toute niaiserie pour narrer deux parcours parallèles. D'un côté, on a celui de Jude Law, déserteur traversant le pays pour retrouver se promise et rencontrant autant de personnages que destins brisés par ce massacre (une nouvelle star à chaque rencontre). De l'autre, on a celui de Nicole Kidman, orpheline sans compétences de survie en proie aux désirs des milices locales qui cherchent à profiter d'elle jusqu'à l'arrivée de Renée Zellwegger, méconnaissable, en temps qu'amie et partenaire de survie.
Minghella livre une fresque dramatique de ce pays déchiré par la guerre, où la survie de l'un passe par le massacre de l'autre. Une franche réussite.

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Athée : risques et périls

Suivant le parcours d'Hypatia, femme philosophe et astronome d'Alexandrie au 4ème siècle, à travers les tumultes religieux de l'époque, Agora est un film qui livre clairement le parti d'Amenabar sur la religion et le fanatisme qu'elle engendre. L'oeuvre est illuminée par la présence du personnage de Rachel Weisz, seule lucide et sensée dans un monde de fanatiques, d'un bord comme de l'autre. Et le spectateur, devant une violence au nom de rien, ne pourra que se résoudre à accepter la stupidité des masses ("Croyez-vous comme des hommes, ou comme des moutons?" - la réponse est toute trouvée) et le destin tout tracé de la femme athée. Un joli péplum qui n'a pas lésiné sur le budget, et qui permet de découvrir un Oscar Isaac à l'aube de son succès.

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Si le début du film a de quoi intriguer, et que le côté méta tirant sur la Warner fait sourire, on se rend vite compte que ce Matrix n'est qu'un film de commande, qui n'a pour seule ambition de que de remplir un cahier des charges fan-service dans une histoire inintéressante et dépourvue de message si ce n'est un wokisme au forceps, et dont l'émotion est inexistante. Et sans aborder l'illisibilité des scènes de combat, un comble pour une saga qui fut longtemps un des maîtres étalon du cinéma d'action en la matière. Diantre...

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Vu

Si je voyais vaguement qui était Dian Fossey, j'étais loin d'avoir toute l'histoire. Le film partait donc déjà gagnant, le sujet m'étant cher, et la découverte restant à faire. Et clairement, je n'est pas été déçu. Apted filme une Sigourney Weaver incarnée dans des décors splendides et avec de vrais gorilles (ou des peluches et animatroniques crédibles pour les plans de contact) et livre le parcours de cette aide soignante reconvertie par passion en ardente défendeuse de nos cousins primates. Le portrait de Fossey n'est jamais tout blanc, montrant sans cesse les extrêmes auxquels elle est prête à se livrer pour sa cause, livrant une oeuvre nuancée, passionante et tragique.

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Vu

Si les 2h30 de la séance passent relativement rapidement et qu'elle sont ponctuées de petits moments qui fonctionnent, on ressort de la salle et on passe à autre chose très vite tant ce No Way Home n'est pas un film mais juste un amas de fan service à outrance, au détriment de tout semblant de cohérence (au sein du film comme au sein du MCU ou de la filmographie Spider-Man). Entre un Dr Strange devenu stupide, la possibilité de rendre les vilains gentils le temps d'un apéro ou la sélection très limitée de personnes connaissant l'identité de l'araignée due à une question de contrats pas obtenus, rien ne tient debout une fois le manège arrêté. Une sucrerie qui fond en bouche, libérant ses cochonneries industrielles par la même occasion et nous faisant dire qu'il serait temps de faire un régime cinématographique (car Watts n'est définitivement pas un cinéaste). Le seul qui tire au final son épingle du jeu, c'est Dafoe, véritablement menaçant.
Et pour avoir vu Eternals le lendemain, qui, s'il est imparfait, possédait une véritable identité, il est triste de se dire que Disney, tirant les mauvaises conclusions du carton de l'un et du four de l'autre, va continuer de s'enfoncer tête baissée dans le générique à outrance au détriment de l'originalité (on pensera au reshoots du Dr Strange de Sam Raimi...).

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Visionné au lendemain de ma séance de No Way Home, le constat n'en est que plus flagrant : Disney a, pour la première fois, laissé une grosse marge de manœuvre à sa réalisatrice et ça se voit. Chloé Zhao (The Rider, Nomadland) a insufflé une identité propre à ce Eternals, tant d'un point de vue esthétique avec ces décors splendides et cette photographie léchée que dans le traitement des personnages et leur écriture. Si le scénario n'est pas follement original, et son message sur la singularité de l'humanité (en mal comme en bien) pas très frais non plus, le résultat passe pourtant comme une lettre à la poste. Introduire onze héros inconnus du grand public en 2h30, et ce de façon cohérente, caractérisant chacun d'entre eux avec réussite, tout en développant les enjeux de chacun, ce n'était clairement pas une mince affaire, mais ça fonctionne. Zhao a fait en un film que ce que le MCU a fait en quinze, et avec classe en plus. Par chance, aucun autre personnage du MCU n'est venu parasiter le film, autosuffisant en vase close, ce qui là aussi est une première pour le monstre de Disney.
Bref, un film complétement à part dans la toile héroïque, qui laisse rêveur sur ce qu'aurait pu être Ant-Man version Edgar Wright ou le Strange de Sam Raimi (s'il n'avait pas eu le droit à six semaines de reshoot/charcutage suite au four de Eternals).

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Un nouveau PTA est toujours un évènement, tant sa filmographie est impeccable et permet de varier les plaisirs, des très austères mais splendides There Will Be Blood ou Phantom Thread, au pathétique de Magnolia, en passant par le comique et romantique de Boogie Nights et Punch-Drunk Love. Licorice Pizza se rangera confortablement dans cette troisième catégorie, en nous faisant suivre la romance contrariée d'Alana, jeune adulte de 25 ans, et de Gary, ado charismatique de quinze ans, dans une Californie des 70s, terre d'opportunité en perpétuel changement. Gary a les dents longues et la fougue de la jeunesse, tandis qu'Alana cherche à se sortir de sa non-condition, voyant dans la fougue de Gary une chance inespérée, bien que teintée de l'immaturité due à son âge. PTA dresse une époque et un lieu avec brio, et l'emploi de comédiens inconnus permet une immersion totale, que viendront gâcher les surprenantes apparitions de Sean Penn et Bradley Cooper. Par ailleurs, on aurait aisément pu amputer une vingtaine de minutes du films tant certaines situations commencent à être redondantes. Mais c'est du pinaillage, Licorice Pizza est avant tout savoureux et sémillant.

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Film high-concept jusqu'au-boutiste, Assaut fait montre de l'inventivité d'un Carpenter encore inconnu du public pour marquer le spectateur. Unité de temps, unité de lieu, nombre réduits de personnages, isolés du reste du monde, tout préfigure des futures œuvres du panthéon de l'action tels que Die Hard. Les portraits sont archétypaux mais efficaces, et le déroulé pourrait aujourd'hui paraître limpide tant les remakes officieux (et un officiel) sont légions. Mais l'efficacité est là, le clou de la radicalité étant enfoncé lors de la scène du marchand de glace.

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Revu

Vu il y a fort longtemps, Escape from New-York m'avait laissé de marbre. Cette fois il a fonctionné, et pas qu'un peu. Snake n'en à rien à carrer, mais il va le faire quand même parcequ'il faut survivre, toujours, même si tout le monde le croit déjà mort. Et quand on est paumé et à bout de pistes, il n'y a qu'une chose à faire, poser son cul et attendre que l'action vienne à soi. Et pour peu que tu puisses gratter une clope au passage, c'est tout bénéf. Escape from New-York, comme souvent chez Carpenter, c'est une référence dont l'influence sur le cinéma et l'entertainment au sens plus large n'est plus à démontrer, c'est un Kurt Russell badass lâché dans la jungle urbaine pour sauver un président à la gâchette facile d'un mec qui roule en low-rider avec des chandeliers en guise de phares. C'est des cannibales qui trouent le sol et cockblock notre anti-héros, c'est des vieilles connaissances et des chauffeurs de taxis mélomanes dans une prison géante. C'est une pièce qui malgré des côtés vieillissants, est toujours aussi reluisante.

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Vu

On prend les mêmes et on recommence, 15 ans plus tard, en mauvais. Mais pourquoi? Tout est repris à l'identique, du pitch aux dialogues et punchlines, en passant par les personnages fonction et les scènes (l'arène, le posage de cul sur une chaise, les cannibales...), mais avec mauvais goût. Les seuls ajouts, comme cette scène de surf surréaliste, sont tout bonnement mauvais. Carpenter s'auto-parodie, faisant du high concept de New-York un nanar visuellement dégueulasse avec du cabotinage à tous les étages, dont on ne retiendra que le passage à Beverly Hills.

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Revu

Film charnière dans la carrière d'Adam McKay, passant de la comédie potache (Anchorman & cie) à la satire corrosive (s'en suivront Vice et Don't Look Up), on sent tout de même un certain tâtonnement dans la forme. La caméra ne saura pas se poser, quand bien même on comprend l'intention d'intensité (notamment sur les scènes suivant Bale), et les apartés explicatifs sont un certain aveu de faiblesse tant ils sont faciles (même si ludiques) devant la complexité du sujet. Mais The Big Short reste globalement une réussite, le message étant au final clair, porté par un casting réjouissant et un rythme soutenu par une tonalité efficace. Belle reconversion.

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Vu

Quel étrange film. D'un côté, on a la richesse formelle à laquelle nous a habitué Matthew Vaughn, livrant des scènes d'actions d'une lisibilité et d'une brutalité rare (cette scène nocturne sur le no man's land vaut son pesant de cacahuètes), inventives et tout simplement jouissives. De l'autre, on a une histoire qui alterne entre le fade, le ridicule et le gênant, que cela aille du concept révisionniste qui sert de fil rouge, au personnage de Raspoutine, à cette scène post-crédit incroyablement horrible (et sans surprise). Et ce n'est pas le sympathique twist à mi-parcours qui viendra changer la donne. Ce préquel est un énorme nanar, mais avec un savoir faire dans l'action qui le sauve du naufrage total.

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Vu

Une réalisation à la française, c'est à dire banale, mais une belle histoire, sans manichéisme ou morale sur la réinsertion, avec un Kad Merad convainquant. Une non-comédie touchante, qui culmine sur un beau discours sur l'absurde et la finalité de cette entreprise réelle. Bonne surprise.

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Vu

C'est avec un ton léger, tout à fait Spielbergien, que le jeune réalisateur nous conte ce fait divers tragique, où deux gamins pas bien futés cherchent à retrouver leur enfant, forçant la création d'un cortège policier (dont s'inspirera Landis dans Les Blues Brothers, allant jusqu'à fait apparaître Spielberg à la fin de la séquence) par un kidnapping. Ce qui fera la patte du wonder kid par la suite est déjà, avec ces jeux sur les rétroviseurs, ces plans longs, ces personnages qu'on affectionne rapidement, et ce ton comico-aventuresque touchant. Mais Clovis n'est pas dupe, il sait qu'il courre à sa perte dans sa quête sans queue ni tête, tel Coyote derrière le Roadrunner. Un second film qui plaçait déjà Tonton Steven comme un grand en devenir.

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Vu

Wooly wool d'équerre

Trois histoires sur un thème commun, une maison qui happe ses occupants, dans une animation alternant entre le rendu d'un Fantastic Mr Fox et celui de pelotes de laines. L'étrange film est un patchwork d'humour noir, de sinistre, d'absurde et de mélancolie. Une œuvre étrange qui vaut le détour, ne serait-ce que par curiosité.

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Vu

On ne pourra retirer à ce reboot, meilleur que ce que j'ai pu voir de la saga Milla Jovovich, qu'il est plutôt fidèle aux jeux, mêlant les intrigues des deux premiers. Mais comme le scénario des jeux est celui d'un navet, pas de surprises, le film en est un également.

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Vu

Film formellement beau pour un sujet formellement dégueulasse mais traité avec justesse et intelligence. Les relations et réactions sont crédibles, et au froid ambiant s'oppose la chaleur des personnages féminins, soutenant Lyz dans son calvaire. Joli film.

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Vu

On ne remerciera pas la traduction française du titre Boiling Point, qui résume pourtant tout le film. Un plan séquence ininterrompu d'une tension rare, les problèmes s'accumulant jusqu'au point de rupture. Une véritable immersion dans le monde sous pression des cuisines, où les nerfs sont sans cesse éprouvés mais où l'esprit de camaraderie subsiste malgré les coups de gueule et les craquages émotionnels. Le seul moment où nous, spectateurs, ayons l'occasion de respirer est bien la pause clope du plongeur, où le vacarme de la salle s'estompe alors que nous ne l'avions même pas remarqué grimper crescendo. Pour avoir travaillé un an en cuisine dans des établissements similaires à celui présenté ici, je ne peux qu'applaudir la crédibilité des situations, des personnages et du métier présenté. Un régal dont on sort ébranlé et à bout de souffle.

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Vu

L'humour marche de temps en temps, quand il n'est pas complètement décalé avec le contexte social actuel le rendant très daté. Dans la même veine que Trading Places, ça se regarde sans déplaisir, mais ça fait parfois grincer des dents.

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Revu

Si ça démarre plutôt bien, avec la patte de Spielberg clairement repérable dans cette vie de banlieue américaine des 80s et dans cette incursion du fantastique dans le cadre familial, ça prend même de très bon entournures dès que l'esprit frappeur passe la seconde, avec cette scène de tornade agressive. Puis le film se pose dans son deuxième tiers, avec une incursion gore sans doute du à Hooper qui fait son petit effet, avant de légèrement se ramasser sur le dernier tiers qui tire en longueur pour pas grand chose. Une bonne expérience malgré tout.

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Revu

De Palma livre une suite officieuse (ou un parcours parallèle?) à Scarface avec brio. Malgré qu'il annonce la fin en introduction (en même temps, le titre français le fait également), le réal ne ménage pas son spectateur, livrant de très grandes scènes de tension, où celle-ci s'étire, s'étire, puis éclate soudainement dans un déferlement de violence. Et le schéma se répète encore et encore durant tout le métrage, entrecoupé seulement de scènes d'approfondissement du personnage de Carlito, ancien caïd voulant rengainer le flingue. Fantastique.

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Vu

Fiction vaguement basée sur le meurtre d'un journaliste américain lors du conflit opposant les sandinistes au régime de Somoza, Under Fire à tout du film périphérique à la guerre classique, mais efficace. Pas de grandes révélations sur l'état du monde, on connait les effets de la mainmise des USA sur le continent sud-américain, mais un traitement crédible. Et le tout porté sur une très belle partition de Jerry Goldsmith aux accents de flûte de pan.

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Revu

Force est de constater que si Petersen ne sait pas développer des personnages qui ne sombrent pas dans le mélo et/ou le ridicule, il réussit sur The Perfect Storm a créer un sens du spectaculaire et de la tension, notamment avec ce montage alterné entre le chalutier et les secours héliportés, qui suffisent à ce que le film vaille le détour.

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Revu

S'il m'avait forte impression à sa sortie, le revoir avec un peu plus de bouteille et sans les effets 3D du grand écran me font baisser la note d'un point, même si l'impression générale qu'y s'en dégage reste fondamentalement la même. Piranha version Aja, c'est un délire régressif mais bien troussé, du popcorn aspergé d'hémoglobine où la finesse et le double sens sont absents au profit d'une satire qui se tire une balle dans le nibard tant elle utilise ce qu'elle critique pour faire son beurre. Bref, c'est con mais c'est bon.