2025

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https://www.senscritique.com/film/mortelle_raclette/critique/315056864

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Film évidemment étouffant, puisqu’en huis-clos (on pense à « Un Monde » de Laura Wandel, quoiqu'ici la mise en scène respire davantage, et c’est tant mieux : on apporte ainsi plus de soin à l’espace). Réalisation parfois cliché, très dans la veine du « cinéma réaliste, mais sous tension ». Toutefois, l’intrigue est solide, et le réalisateur fait intelligemment monter la tension, resserrant l’étau autour de son héroïne. Même si ça reste un peu énervant (les élèves tyrans face à un personnel enseignant falot qui ne prend jamais la peine de les recadrer).

A l’instar de « Pas de vagues », on nous présente une enseignante qui veut bien faire. Trop bien faire. Mais comme l’enfer est pavé de bonnes intentions, cette jeune prof pleine de bonne volonté va se retrouver bouc émissaire de tous les manquements de son collège. Ses collègues et élèves ne sont pas en reste et une suite de mauvaises décisions de leur part conduira à une situation intenable.
C’est en cela que le film est effrayant : par la mollesse des adultes qui n’affirment jamais leur autorité.

Une fois le film terminé, on ne comprend pas bien le message que le réalisateur souhaitait faire passer : le soupçon généralisé et le pouvoir de la rumeur à l’ère moderne (où pourtant tout peut se prouver facilement, cf la vidéo) ? Le règne de l’enfant-roi qui peut retourner à son avantage n’importe quelle situation, comme semblent le suggérer les deux dernières scènes ? Le mal-être enseignant ? Le racisme ordinaire, vu que les boucs émissaires privilégiés de cette sordide affaire sont un élève d’origine turque et une enseignante d’origine polonaise (qui préfère d’ailleurs parler allemand avec son collègue polonais pour mieux s’intégrer) ? Difficile à dire, car après une trame plutôt bien tissée, le film ne débouche sur rien. Ou plutôt sur une impasse. Comme si le metteur en scène n’avait pas su comment le conclure.

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Revisionnage.

"Dernier train pour Busan" n'est peut-être pas un chef-d'oeuvre, mais il est brillamment exécuté : Yeon Sang-Ho a une idée (le huis-clos du train) qu'il exploite jusqu'au bout et dans les moindres détails. Il n'y a pas d'idées de mise en scène fulgurantes, mais le découpage est d'une précision et d'une justesse impeccable. Tout le film est extrêmement bien pensé, autant dans sa volonté de nous effrayer que dans son message politique. Car oui, "Dernier Train pour Busan" est un film politique, qui fait alterner la petite échelle et la grande (l'échelle nationale) pour nous montrer que les zombies sont notre résultat.

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Au cinéma.

Début un peu banal (très « film social à la française »), mais le film gagne en originalité et en dynamisme à mesure qu’il progresse.

Pas trop documentaire, la réalisatrice veille toujours raccorder la vie jurassienne à l’histoire qu’elle raconte. Les scène de ferme et de fabrication de comté rajoutent de l’épaisseur à l’intrigue, on y croit.

Assez émouvant, d’ailleurs, sur la fin. Echec relativement attendu, mais « original » : ce n’est pas qu’il perd, c’est qu’il est mis hors-course tout de suite. Mais petits rebonds ici et là qui laissent présager un avenir heureux.

Très juste dans ce qu’il raconte. Toutes les scènes qui pourraient être clichés (la première scène d’amour, la scène de « trahison ») ne le sont pas, grâce aux comédiens, mais aussi à la manière d’amener les choses (c’est là que le quotidien du Jura est important et complète l’histoire : il rend ces scènes décalées). Réalisation subtile, photo qui en jette (ça donne un vrai grain aux images). En fin de compte, le film n’est jamais totalement là où on l’attend et ça le rend rafraîchissant.

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Revisionnage.

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Revisionnage.

Sympathique premier film, qui ne révolutionne rien, mais n’a pas la prétention de le faire. Sa seule ambition est de porter un regard tendre sur l’adolescence et ce qu’elle comporte d’errement comme d’affirmation de soi (le vampirisme étant ici une métaphore évidente de la puberté et de l’initiation sexuelle).
Dans ce premier film où les métamorphoses vampiriques font écho à d'autres transformations plus internes, on écarte assez vite l’extérieur, territoire de la chasse, pour privilégier les intérieurs et l’intime. Ce qui compte, ce ne sont pas tant les meurtres en eux-même que ce qu’ils disent du caractère de chacun (l’héroïne altruiste préfère transformer ses proies plutôt que de les tuer, quand sa cousine délurée a une prédilection pour les hommes jeunes et beaux qu’elle « attache » dans sa salle de torture).
Le récit est assez touchant, en ceci qu’il évoque des problèmes d’ado classiques (rébellion contre la famille, sentiment de ne pas être à sa place dans une communauté donnée) mais sans forcer le trait, en laissant ses personnages nous le dire. Le jeu excellent des deux jeunes interprètes ajoute encore dans la justesse du ton. L’humour est discret, mais fonctionne, via notamment les personnages secondaires : la famille de vampires perdus et plus gentils que de prime abord, mise en valeur par des plans frontaux à la fois inquiétants et comiques, et les humains complètement débiles, tout juste bons à se faire mordre.

La mise en scène participe de cette douceur généralisée : plans fixes et lents, lumières tamisées, usage de la longue focale pour se concentrer sur les personnages et leur intériorité, le tout forme un film joliment contemplatif où il est agréable de se laisser plonger. L’esthétique n’est d'ailleurs pas sans rappeler celle d’ « Only Lovers Left Alive » (et l’importance de la musique pour les deux héros fait penser qu’il s’agit sans doute d’une influence majeure pour la réalisatrice, à égalité avec "A girl Walks home Alone at night").
Et si on peut regretter que l’atmosphère étrange déployée par le film soit finalement un peu trop timide, comme si Ariane Louis-Seize, à l'instar de son héroïne, n'osait pas montrer ses crocs, on peut néanmoins apprécier ce premier long attachant, nous servant en prime une « morale » peu commune, mais amusante.

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Au cinéma.

« L’ancien monde est mort, le nouveau n’est pas encore né ; de ce vide obscur, des monstres surgissent. »
Le film parle de cette époque charnière où la croyance s’efface lentement mais sûrement pour laisser place à la science. Une période de cohabitation où les deux notions s’affrontent. Il n’y a qu’à voir la différence entre une Allemagne acquise à la science et débarrassée de presque tout ornement religieux (même si quelques crucifix et chapelets subsistent) et une Roumanie archaïque et sauvage où le Christ est partout, et le Malin avec lui.
Eggers renoue avec le mysticisme et le symbolisme de « The Witch », quitte à s’auto-plagier un peu. Malgré bon nombre d’effets trop appuyés et évidents, on peut s’incliner devant une direction artistique impeccable, qui oppose les intérieurs allemands modernes, grisâtres et épurés, aux chaumières, couvents et manoirs roumains grossièrement taillés dans la pierre, éclairés à la bougie, auxquels l’absence de fenêtres et les lignes de fuite désordonnées donnent des allures de caverne. Là se trouve la vraie patte de Eggers, qui autrement, ne dit pas grand-chose de plus que ce que tous les autres (Stocker, Murnau, Coppola…) ont déjà dit avant lui. Il se situe à leur niveau, mais y ajoute peu de choses.
Au moins, il nous régale d’une bonne performance d’acteurs, et en particulier de Lily-Rose Depp, actrice un peu fade le reste du temps dont il a pourtant réussi à drainer l’énergie pour une partition en apothéose. Comparé à elle, le reste du casting est bien terne.
Outre son esthétique si reconnaissable, le seul autre endroit où Eggers déploie sa patte se situe dans la sexualité, à la fois refoulée et obsédante, de ses personnages (extases mystico-orgasmiques à foison, prédilection pour les vierges nues s’abandonnant à des transes sensuelles). La fin fait penser à ce que dit la jeune héroïne de « Moi ce que j’aime, c’est les monstres » en convoquant le mysthe de Judith et Olopherne : il faut que les femmes s’offrent sexuellement pour arrêter la guerre et faire retomber le Mal. Déjà, dans son premier film, Eggers mettait en scène une jeune femme prisonnière d’une famille à la religiosité fanatique qui trouvait un accomplissement dans la sorcellerie. Le fait de transformer Mina Harker en une jeune femme sensuelle et languissante avide de plaisirs charnels, tout en faisant de sa meilleure amie, initialement légère, une bigotte irréprochable, Eggers semble vouloir écorner le puritanisme omniprésent dans la bonne

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Revisionnage, +2.

Malgré les défauts propres à son époque (ton parfois trop littéraire, lenteur de l'intrigue, jeu d'acteur outrancier dû au muet...), "Nosferatu" est imprégné d'une mythologie très forte et contient quelques idées de mise en scène qui, aujourd'hui encore, font leur effet (l'apparition en surimpression de Nosferatu au-dessus d'un cercueil, des portes qui s'ouvrent toutes seules). Les décors sont également choisis de façon judicieuse et, malgré leur sobriété, retranscrivent parfaitement l'atmosphère gothique d'un récit de vampires. Même si "Nosferatu" n'est pas parfait, il n'est donc pas étonnant que certains de ses motifs et images aient traversé les époques.

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Au cinéma.

https://www.senscritique.com/film/la_chambre_da_cote/critique/315798749

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On délaisse l’horreur pour une dimension plus contemplative et mélancolique : Dracula y apparaît comme un être profondément triste, souffrant de sa solitude et ne demandant qu’à être aimé.
Romantisme allemand, avec atmosphère de mort qui plane partout : le film s’ouvre sur des images de corps momifiés, et les habitants de Visborg, rendus fous par la peste, organisent des danses macabres. La mort ici prend un côté charnel et parfois presque joyeux.
Réalisation très picturale : on privilégie les plans larges et les jeux d’ombre et de lumière (magnifiques). De nombreux plans sont composés comme des tableaux. Jeu de couleurs : alternance entre le blanc de la pureté virginale et le noir de la mort et de la putréfaction. « La jeune fille et la mort » (désir de la pourriture pour le beau). Alternance aussi entre la lumière diurne, blanche et immaculée, et la lumière bleutée, nocturne, dont est toujours auréolé Dracula. La beauté presque irréelle d’Adjani renforce cette tonalité mystique et surréaliste. Klaus Kinski, quant à lui, parvient à transformer son personnage en une véritable figure cinématographique. On en oublie le jeu parfois approximatif des acteurs (même si Kinski et Adjani doivent être, en fin de compte, ceux qui livrent les prestations les moins mauvaises). Tous deux sont des créatures de l’au-delà (le blanc de la robe de Lucy et son mutisme lui donnant une allure spectrale).
Si on peut regretter certains mouvements de caméra amateur (une caméra portée dans des séquences où il faudrait au contraire des plans fixes pour nous faire admirer la beauté des décors et nous immerger dans cette ambiance irréelle) et si la lenteur de l’intrigue peut parfois faire décrocher, la beauté du film est indéniable.
Sous-texte sensuel plus affirmé (même si moins explicite que ce que fera Eggers plus tard), avec même une pointe de discours féministe, puisqu’on nous montre une femme qui comprend la menace avant tout le monde et qui, lorsqu’elle veut alerter du danger, se heurte à l’indifférence et l’incompréhension d’une assemblée d’hommes.
Esprit de romantisme allemand qui se ressent très fort : La lutte entre science et superstition, modernité et archaïsme, a toujours été au cœur du mythe de Nosferatu au cinéma. Mais ici, Herzog la dépeint sous un angle ironique et défaitiste : la science ne peut gagner face à quelque chose de trop grand pour sa rationalité, et la mort l’emporte sur la vie (Lucy meurt, Jonathan devient vampire). Cette scène de la danse macabre sur

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Au cinéma.

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Au cinéma.

La partie purement sociale, même si brillamment exécutée, possède une forme déjà très utilisée (pour coller au « vrai, on va utiliser de la caméra portée, d’une photo peu travaillée, des jump-cut, des plans serrés pour coller au plus près des protagonistes). Les moments d’originalité dans la mise en scène seront ceux des vidéos tournées par la jeune Bailey, cinéaste sans le dire, qui capte les images l’air de rien, y compris mentalement (nombreux flash-bakcs surgissant de manière inopinée). Autre surprise bienvenue, l’introduction du fantastique et de l’étrange dans cette chronique sociale qui aurait été un peu trop bien huilée sans eux. Une scène, en particulier, rappellera aux spectateurs « Le Règne Animal » au sein d’un film qui traite finalement du même sujet que celui de Thomas Cailley : la fuite des exclus, ici plus imaginée que réelle. Comme toujours chez Arnold, les animaux ou noms d’animaux pullulent, et c’est en pleine nature, loin des barres de HLM et squats déglingués, que les personnages parviennent à capter quelques bouffées d’air frais. Contrairement à la Mia de « Fish Tank », Bailey ne part pas (ou pas vraiment). Mais les images qu’elle filme lui permettent une échappée, tout comme les oiseaux dont elle se fait l’alliée. « Bird » possède également son lot d’images marquantes : le personnage éponyme nu sur le toit la nuit, les intérieurs rougeâtres de la maison de la mère, signes du danger que représente son compagnon violent, ou encore le père de Bailey, post-ado irresponsable et égoïste, qui lance une musique pour faire baver son crapaud, poule aux oeufs d’or capable de libérer des substances hallucinogènes qu’il pourra revendre.

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Malgré un canevas assez classique et attendu (Panoramix, qui sent pointer sa fin, ne flanchera évidemment pas, et le secret qui donne son titre au film restera entre de bonnes mains, c’est-à-dire confié à quelqu’un du village, selon l’esprit chauvin propre à l’univers Astérix) et un emploi parfois inégal des personnages (le jeune druide pressenti pour lui succéder, peu développé et assez vite relégué dans l’ombre), le film reste très sympathique à regarder, Astier sachant imprimer sa patte sans se faire trop envahissant. Les gags sont nombreux mais bien répartis, les références à d’autres univers bien employées, et le tout forme un ensemble léger et inventif, avec quelques idées graphiques assez bluffantes (le combat final, assez décrié ici, mais que j’ai trouvé impressionnant). On en viendrait presque à regretter, finalement, qu’Astier n’ait pas davantage étoffé ou détaillé certains personnages et pans du récit, car on aurait aimé en voir plus de l’odyssée des trois Gaulois et de leur village. On se rattrapera donc sur les Astérix précédents…

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Comme prévu, ça ne casse pas trois pattes à un canard : balisé, téléfilmesque, rempli des bons sentiments attendus dans ce type de production. Mais ça se laisse regarder, les acteurs jouent plutôt bien, certains moments sont drôles (voir très, comme la sous-intrigue du vrai Sylvain, dont on regrette qu'elle n'ait pas de conclusion) et quelques personnages sont mémorables (mention spéciale à Alexandre, autiste Asperger fan de Sarkozy, et Boris, qui enchaîne les costumes improbables). En bref, ce n'est pas désagréable (mais pas de quoi espérer un César du premier film non plus).

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Au cinéma.

Petit film sans envergure ayant la fâcheuse caractéristique de présenter un sujet politique sans aucun point de vue particulier. Farucci avait pourtant moyen d’en offrir un via l’une des pistes plus intéressantes de son récit, à savoir les réseaux sociaux et de leur contribution à la création de phénomènes, et parfois de héros et de mythes. Mais cette ébauche de discours ne connaît pas de véritable conclusion. Le réalisateur semble freiner juste à temps avant de développer quoi que ce soit. L'intrigue est mince, les personnages sont creux, et le jeu en demi-teinte de leurs interprètes (Alexis Manenti, pourtant capables de belles choses, affiche un visage inexpressif du début à la fin) achève d'éteindre toute empathie chez le spectateur. Le film se traverse sans ressentir le moindre frisson (malgré des emprunts réguliers au thriller ou au film de gangsters) ou pouvoir poser un début de réflexion. Il se contente de dérouler platement son propos, sans y donner ni chair ni intensité - la mise en valeur des paysages corses ne fait pas tout, et connaît très vite ses limites si rien d'autre ne l'accompagne. On ressort de la séance avec un gros goût de manque.

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Au cinéma.

Clairement LE film survendu de l'année. On entre dans la salle en pensant assister à une oeuvre-monument, un biopic de haute volée qui trancherait un peu avec la monotonie des biopics américains, justement parce que, contrairement à ces derniers (et à l'instar d'un "Tar") il nous déroule la biographie d'un personnage fictif et peut donc se permettre davantage de libertés. Un film, donc, sur une fausse personnalité illustre, architecte de monuments mémorables, immigré Juif persécuté ayant définitivement laissé son empreinte sur le continent américain. Couvert de prix, chaudement accueilli, on ne pouvait que saliver devant le futur chef-d'oeuvre. Et puis, assez vite, la baudruche se dégonfle. Pourtant, la première demi-heure laisse espérer quelque chose : Brady Corbet prend son temps, pose élégamment ses cadres, n’en dit ni n’en fait trop. On est bien lancé. Mais c'est sans compter les deux heures et demie suivantes, où il tartine le récit de dialogues à n’en plus finir et ne nous laisse jamais respirer (sauf au cours de l’entracte). Le tout devient vite indigeste, manichéen, faussement original, plombé par des prestations d'acteur artificielles (et pourtant, Adrien Brody était taillé pour le rôle) et de scènes gratuites (la scène de viol, mon dieu !) La réalisation devient très lisse et académique. Certains plans larges restent élégants, tout comme certains mouvements de caméra, et l’épilogue boucle la boucle assez sobrement, mais quand on nous vend un film aussi ambitieux pour se retrouver avec un faux biopic aussi lissé et formaté qu’un vrai, on frise l'escroquerie.

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« Shaitaan » a quelques défauts, notamment son côté très formaté, plat comme une étendue de sable fin (Netflix oblige), ainsi que ses péripéties très tarabiscotées et son côté trop verbeux (aaah, le fameux syndrome du méchant qui t’explique son plan de A à Z et dont le but final est de dominer le monde ! Ça ne nous avait pas manqué). Néanmoins, quelques atouts majeurs viennent procurer un certain plaisir de visionnage : d’abord son jeu d’acteurs, très convaincant dans l’ensemble ; ensuite, son côté « Funny Games » version Bollywood, cruel à souhait et possédant un certain jusqu’au-boutisme ; et surtout sa fin, là encore trop bavarde, mais achevant de donner à l’intrigue une ambivalence morale assez intéressante. On termine le film avec cette question : où commence le mal ?

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« The Monkey » ne se prend pas une seconde au sérieux, et c’est ce qui fait sa force : une heure trente de morts improbables, toutes plus gores les unes que les autres, façon « Destination Finale », et des personnages au flegme particulièrement remarquable face au nombre de décès qui s’accumulent dans leur entourage proche (on a même des pom-pom girls qui viennent hurler de joie quand la police sort un corps sur une civière). Le tout sur un ton perpétuellement décalé et cynique, qui nous dit que, au fond, shit happens and life is death. Pas de quoi en faire un drame (et, de fait, on se fout pas mal des protagonistes qui crèvent). Mais cet humour assez inattendu et bienvenu dans un film d’horreur mainstream ne suffit pas à masquer de gros défauts d’écriture, une intrigue qui ne démarre jamais vraiment, des situations à peine esquissées, des personnages creux et des « révélations » cousues de fil blanc. Le film a, finalement, le défaut de ses qualités : à force de tout nous faire prendre avec détachement, il en oublie de nous immerger dans un univers, et même la peur finit par être reléguée au second plan. Sans rancune, on se sera quand même amusés.

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A ranger dans la catégorie "long porno très peu bandant d'une heure trente." Ce qui partait d'une idée amusante se transforme peu à peu en un récit poussif et invraisemblable, où un quinquagénaire célibataire et aigri voit débarquer dans sa vie une jeune et jolie femme de ménage dont le seul objectif est de lui faire plaisir. On nage en plein fantasme d'homme mûr...j'allais dire qu'il fallait juste le regarder pour son casting, mais Dequenne et Bacri ont eu à leur actif des rôles bien plus intéressants.

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Au cinéma.

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Joli, bien joué, quelques clichés de mise en scène et de narration (notamment le retour à la nature comme nécessité pour échapper à une civilisation polluée), mais touchant dans sa sincérité et sa mise en scène de la petite escapade dont on a tous rêvé pendant le Covid.

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Au cinéma.

On a là l'exemple-type du film-concept. Le film qui a une idée qu'il va exploiter pendant une petite heure vingt...et qui s'en tiendra là. Certes, l'animation est plutôt inventive et la bande-son électrisante, mais le scénario comme les personnages n'ont aucun intérêt. Satoshi Kon s'en tient à sa trouvaille de base (une invention scientifique capable d'entrer dans les rêves des autres et les modifier pour mieux pouvoir déteindre sur la réalité) mais n'exploite jamais réellement les possibilités d'étoffement psychologique ou même onirique qui s'offrent à lui (les scènes d'inconscient étant finalement assez banales, en partie tirées de films antérieurs). "Paprika", malgré le coup de génie qui lui a permis d'exister, n'est finalement qu'un court-métrage trop étiré qui, s'il a dû impressionner à sa sortie, ne provoque plus grand-chose chez son public aujourd'hui...surtout depuis que Nolan a repris l'idée pour la développer à fond dans son "Inception". Mais il reste sûrement encore beaucoup de films à faire avec cette possibilité d'influer sur l'inconscient des autres...on les attend avec impatience.

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Au cinéma.

On ne va pas se mentir, c'est juste un escape-game adapté en film. Mais un escape-game très divertissant, avec une tension qui ne faiblit jamais et une intrigue qui donne quelques fausses pistes pour mieux nous perdre. Les personnages sont souvent aussi cons que dans un slasher lambda (les gars, quand vous êtes dans un monde maléfique, la dernière chose à faire est de boire l'eau du robinet, bordel !), mais quelquefois un peu plus astucieux que la moyenne, et c'est ce qui fait qu'on a plaisir à les voir s'en tirer à la fin : on a le sentiment qu'ils ont mérité leur victoire. Bref, c'est juste du divertissement, du jeu filmé, mais un divertissement de bonne facture, à réserver aux soirées d'Halloween entre potes.

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Revisionnage.