Top films 2024

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… avec autant de témoignages contrastés, complémentaires, et autant de récits de transmission. Le rapport au travail est par nature unique chez les paysans, et tout particulièrement dans l'élevage (les vaches doivent être traites tous les jours et deux fois par jour par exemple), et c'est un vrai plaisir de voir ce rapport s'illustrer au cours du temps et des divers intervenants, jeunes et vieux, d'hier et d'aujourd'hui. C'est aussi un documentaire qui montre beaucoup de gestes de la ferme, l'alimentation des jeunes veaux, l'ouverture des étables au début de l'estive, le fauchage des champs, la délimitation des parcelles de pâturage... L'occasion aussi de constater que deux des trois frères sont capables de reconnaître individuellement chacune des vaches et de les appeler par leur prénom — il y en a plus d'une centaine.

C'est un récit également économique qui aborde les particularités de l'exploitation, protégée par l'AOP du Reblochon et par une régulation empêchant Lactalis (multinationale française prédatrice de l'industrie agroalimentaire) de détenir un monopole sur l'appellation. On voit les constantes sur 50 ans, comme par exemple la taille du cheptel (une centaine de bêtes) ou la dimension des bâtiments, et on décèle les évolutions majeures, comme la mécanisation et l'automatisation de certaines tâches — l'introduction des robots de traite par exemple qui sont très chaleureusement accueillis car chez eux ils soulagent l'humain sans augmenter les cadences. Quand on constate la dimension spartiate de la cuisine du trio à la fin des années 1990, on conçoit aisément que l'entreprise familiale réinjecte les recettes dans les outils de production pour améliorer les conditions de travail. Très clairement, la situation est particulière et pas du tout représentative de l'ensemble du monde paysan et de la crise qu'il traverse.

"La Ferme des Bertrand", enfin, cumule les témoignages passionnants et émouvants. Les frangins taiseux qui ont donné toute leur vie à cette ferme composent un portrait riche et ambivalent, avec d'un côté une certaine fierté sobre devant le travail accompli et les choix assumés, et d'un autre côté un regret solide mais dissimulé concernant la dimension humaine — André exprimera de manière très explicite ce regret d'être passé à côté d'une vie, d'une famille. Et c'est d'une beauté renversante.

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"Les Vieux" prend le parti de ne jamais s'appesantir trop longtemps sur chaque personnalité, et avance comme un kaléidoscope de portraits fugaces. Cela peut dans un premier temps générer un certain inconfort, en lien avec l'absence de construction d'une potentielle relation avec eux, mais dans un second temps cela participe à former une mosaïque de témoignages passionnants, unis dans leur retranscription d'une mémoire conséquente. Leur état de santé, physique ou mentale, est très variable, certains entretiennent des rapports sociaux quotidiens là où d'autres vivent dans un isolement parfois pesant, mais tous ont survécu aux aléas du siècle écoulé, tous ont été marqués par les guerres, les maladies, le travail. Il y a cette femme qui souhaite donner son corps à la science (maintenant qu'elle ne peut plus faire don de ses organes devenus trop vieux), cet homme qui fait le récit de ses traumatismes de guerre (Seconde Guerre mondiale, Indochine, Algérie). Ceux qui attendent paisiblement la mort tout en l'exprimant de manière claire, posée, déterminée. Celles qui sont profondément fatiguées de vivre et qui l'expriment sans détour dans un sentiment d'inutilité assez marquant ("Je n'ai plus aucune utilité, on ne devrait pas vivre aussi vieux"). Et celles qui débordent d'énergie et d'enthousiasme en criant "Je vais mourir en hurlant !".

Drexel considère Werner Herzog comme un maître, et comme lui recherche davantage la "vérité extatique" que la "vérité du comptable" dans ses documentaires, il cherche à aller au-delà de ce que la simple énumération de petites vérités factuelles pourrait produire, sans travestir les témoignages. Et de fait, il se dégage de ces portraits des conditions tellement disparates, des considérations tellement contrastées, entre ceux qui veulent profiter de ce temps libre comme un enfant et ceux qui désirent plus que tout mourir, entre cet ancien baron déchu de sa noblesse et cet ancien mineur de fond. Cette somme conséquente de souvenirs et d'expériences, agencée de la sorte, mise de cette façon face au vide de la disparition prochaine, ne laisse résolument pas indifférent.

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Et c'est là où la mise en abîme peut devenir passionnante (personnellement ce film m'a hypnotisé), puisque les trois réalisateurs doivent constamment gérer la configuration des entretiens de joueurs à l'intérieur du jeu comme ils devraient le faire en réalité, c'est-à-dire parcourir les longues distances qui les séparent des personnes à interviewer, gérer les conditions d'éclairage et de prise de son, s'assurer que personne de manque d'eau ou de nourriture (au risque de mourir)... Ils se présentent aux joueurs en toute transparence comme des documentariste, vêtus d'habits sur lesquels sont inscrits le mot "PRESS", et sans arme — la quasi intégralité des joueurs sont armés et peuvent mourir à tout moment.

Le tournage s'est étalé sur plusieurs années, marqué par l'épisode des confinements de 2020-2021, et a permis de rencontrer des individualités et des communautés extrêmement diverses. La frontière entre le jeu et la réalité s'effacera très souvent, de manière assez stupéfiante, dès lors qu'un véritable échange s'installe et laisse se développer des témoignages étonnants. Un groupe structuré autour d'une cheffe charismatique et violente, principalement occupé à tuer d'autres joueurs, très immature dans son comportement et simplement heureux de "pouvoir faire ce qu'il veut" dans cet univers. Des personnes plus isolées qui évoquent leur angoisses profondes, l'impact de la pandémie sur leur activité professionnelle. Une échappatoire à un quotidien usant, un domaine virtuel dans lequel des jeunes ou des parents se jettent dès qu'ils sortent du boulot. Des communautés qui semblent se préparer de manière extrêmement sérieuse au futur apocalyptique d'une fin de monde où la survie deviendra l'activité principale — autant de passages incroyablement troublants au cours desquels on ne sait vraiment plus dans quel niveau de réalité on se situe.

Plus le film avance et moins on est sûr de son objet, documentaire sur jeu-vidéo survivaliste ou sur le survivalisme lui-même. L'immersion dans ces espaces numériques arbore des atmosphères tantôt angoissantes, tantôt poétiques, tantôt mélancoliques. On alterne entre des lieux reposants en compagnie de personnes agréables et amicales, et des zones menaçantes où une tension très étrange emplit l'espace. On n'a aucun mal à imaginer que les sentiments et les émotions sont intenses dans cet univers numérique — ...

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La relation intime père-fille se mêle de manière très fluide à l'intérieur d'un tableau de plus grande envergure, duquel émergera périodiquement une violence brute captée tout d'abord avec beaucoup de distance, puis de manière très réaliste — le film dans son ensemble joue cette carte pragmatique de l'immersion au sein d'un groupe social très particulier sans expliciter l'ensemble des codes d'entrée de jeu, et l'opération m'a semblé plutôt réussie. Il parvient à alimenter une tension récurrente, soit par le manque d'information créant une certaine angoisse, soit par l'irruption d'événements violents. On reconnaît certains tics caractéristiques d'un premier film (la première séquence qui essaie d'en mettre plein la vue notamment, avc ce long travelling révélant une identité féminine au sein d'un groupe de chasseur avant qu'un gerbe de sang ne souille le visage de l'héroïne de manière extrêmement allégorique). La main du scénariste est parfois un peu lourde mais j'ai beaucoup aimé la vision donnée de ce groupe d'hommes, leurs rapports intimes, les préparatifs de vengeance, les passages en cachette, épiés pour nous par l'adolescente.

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... on assiste à une cérémonie tout ce qu'il y a de plus sérieuse en l'honneur d'un chef de clan disparu, certains accordent autant d'importance aux êtres vivants du jeu que ceux dans la réalité, des retrouvailles après des mois d'absence se font émouvantes, une personne et son avatar tous deux endormis sont réveillés... Et régulièrement ce monde se montre perméable aux événements IRL, à travers les résidus sonores qui filtrent par la bouche des personnages, des bruits dans la rue, des conversations intimes, un chien qui aboie. De quoi entériner cette continuité déroutante entre les deux horizons.

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Même si cette constellation d'ingrédients bigarrés compose quelque chose qui peut s'apparentà une caricature abstraite de cinéma arty et indie, un peu coincée dans sa structure répétitive de chasse à l'œuf tacheté, comportant quelques longueurs caractérisées (par exemple la scène de la danse), l'hommage à l'enfance et à son imaginaire me paraît malgré tout sincère tout en réussissant à créer une atmosphère bariolée captivante et assez insolite.

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Malgré tout la particularité thématique retenue par Grimonprez maintient une attention latente : ce croisement entre histoire de la décolonisation et histoire du jazz, les deux étant manifestement reliées au sein de la guerre froide. Le film mentionne comment la chanteuse Abbey Lincoln et le batteur Max Roach ont fait irruption avec des dizaines de militants américains au Conseil de sécurité des Nations unies suite à l'assassinat de Lumumba ; comment Louis Armstrong, nommé "ambassadeur du Jazz", fut envoyé en mission par les USA au Congo pour détourner l’attention du coup d’État soutenu par la CIA, faisant de lui une diversion malgré lui ; comment de manière plus générale le soft power états-unien au travers de nombreux musiciens de jazz fut mit à contribution pour assurer un accès privilégié aux sous-sols africains riches en uranium. Le film croise de très nombreux registres, géopolitique, musique, histoire, juxtapose des discours de Nikita Khrouchtchev anti-colonisation et des enregistrements de concert jazz des années 1960, parle autant de guerre civile au Congo que d'ingérences occidentales, du soutien de Malcolm X croisé avec la bataille pour les droits civiques et des prestations de Nina Simone, Duke Ellington, ou encore Dizzy Gillespie.

On en sort partagé, entre désorientation profonde et générale devant un tel kaléidoscope frénétique de 2h30 et submersion sous le flot ininterrompu d'informations altérant la lisibilité de l'histoire. Mais malgré tout galvanisé par l'écriture de cette page historique, moment charnière, avec l’entrée de seize nouveaux membres aux Nations Unies qui fit pencher l'institution vers le Sud global.

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Le documentaire est intéressant à plusieurs titres : tout ce qui tient au contexte, avec cette image de vraies personnes au chômage errant sans but dans un monde ouvert et discutant à l'intérieur du jeu vidéo des conditions difficiles dans la vraie vie ; l'élaboration du projet artistique, la mise en place du plan pour monter cette production de Hamlet ; tout le chaos inhérent au jeu qui perturbe constamment les discussions et les plans des uns et des autres, avec des morts inattendues régulières ; la mise en place d'auditions aussi sérieuses et concrète qu'hilarantes ; et enfin la représentation en elle-même. C'est clairement ce dernier point qui constitue à mon sens le plus gros point faible du film, il me semble que le rendu du résultat peine à expliciter la magie du projet qui se réalise (ou peut-être est-ce que la chose n'était précisément pas vraiment réussie, mais j'en doute).

Shakespeare dans "Grand Theft Auto Online" comme la revanche de deux acteurs déboussolés au cours d'un énième confinement : l'idée est assez folle, et manifestement l'esprit du projet dépasse sa concrétisation (tant la pièce que le documentaire). L'abnégation des personnes / personnages produit une sidération intense, devant ces acteurs qui s'attèlent à la tâche coûte que coûte, envers et contre tout. On est forcément plié de rire devant leurs tentatives de recruter et d'expliquer le concept aux inconnus de passage, puisqu'ils ne disposent souvent que de quelques secondes avant de se faire assassiner au bazooka. La description des contraintes et des difficultés est passionnante, à mesure que les uns trouvent du travail dans la vraie vie (les rendant soudainement indisponibles pour un rôle de Hamlet numérique) et que les autres tentent désespérément de comprendre l'organisation. Comme souvent dans ce genre de productions, la réalité s'invite régulièrement dans le virtuel de manière impromptue — à l'image de cette dispute entre Sam et Pinny à l'intérieur du jeu portant sur l'état de leur famille (Sam consacre trop de temps à GTA, délaisse ses enfants, oublie l'anniversaire de sa femme) ou encore de ce témoignage touchant de Mark, dernière personne vivante de toute sa famille. Mais pas autant que les raids de police dans le jeu qui interrompent sans arrêt l'action en cours... Un projet aussi ridicule qu'émouvant, aussi désopilant que surprenant.

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Sonia Kronlund se met en scène (un peu trop à mon goût) dans cette enquête amusée, faisant intervenir un détective privé assez peu conventionnel, à mesure que les témoignages concordants s'alignent et que le roman documentaire se met en place. C'est d'ailleurs sur ce terrain-là, celui de la narration, que le film prend tout son sens, car l'histoire est tour à tour drôle, sidérante, haletante, et prend la forme d'un thriller étonnamment malicieux. Peu à peu le mystère de cette illusion méthodiquement entretenue se dévoile, et dans le contrechamp on observe aussi l'aveuglement (en partie consenti, sans doute) de femmes à la recherche du grand amour. Le final est un peu décevant, avec une semi-confrontation mise en scène sous la forme d'une fausse interview laissant se déployer une énième vie imaginaire du principal intéressé, comme une petite vengeance moqueuse qui peine à souligner le caractère follement vertigineux de l'histoire.

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Le film n'est pas du tout parfait, mais jouit d'un potentiel assez fort et l'exploite malgré tout un minimum. Forcément on observe l'évolution du comportement du héros comme des entomologistes, à mesure que son anxiété passée refait surface et se mêle aux nouveaux problèmes qu'il doit affronter dans sa nouvelle vie. Le film questionne pas mal de thèmes, pitié, dégoût, narcissisme, et contemple les séquelles psychologiques laissées par le handicap (plutôt que le handicap lui-même), en montrant toutes les horreurs que peut contenir une vie "normale" (symbolisée par son nouveau nom, Guy), ou comment les cauchemars peuvent émerger dans une vie rêvée en apparence... Le personnage trouvera très peu d'épanouissement après sa transformation / guérison, contre toute attente, comme s'il était impossible pour lui d'effacer le passif des humiliations qu'il a si longtemps endurées. Ambiance très étrange en tous cas, entre symbolisme, onirisme, et humour noir (c'est la dernière note : "you haven't changed a bit"), parfois un peu trop obscur, un peu trop absurde.

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… On ne peut pas en dire autant de Chris Hemsworth, malgré sa prothèse qui lui donne des airs improbables de Lambert Wilson : même si j'apprécie le fait qu'il ne coche pas les cases du parfait gros méchant, ni détestable ni appréciable, il y a malgré tout quelque chose de raté quelque part que je ne saurais pas vraiment définir. Il fait un peu tâche dans le décorum crasseux qui l'entoure. Mais ce n'est que ça, une alternance entre des choses réussies (les ellipses, les changements de lieux, la chorégraphie des assauts, une incertitude quant à la position morale des différents pôles et le devenir des personnages) et d'autres moins (l'absence de renouvellement et la perspective d'un matraquage au sein de la saga en cours de construction).

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Manifestement le plus gros problème a trait à Bill Skarsgård, et à son personnage de comte Orlock. La moustache c'est non. Autant la gradation dans la révélation de son physique est convenue mais pas mal gérée, autant on passe à côté d'une véritable emprise à cause de son look un peu trop plastifié, rigide. Je trouve que le personnage n'épouse pas la fable gothique qu'il est censé porter, alors que pour le reste son obsession pour une jeune femme, le piège tendu à son mari, l'horreur qui se répand dans son sillage, tout cela passe assez bien. C'est d'autant plus dommage que je trouve que le film distille de manière intelligente son récit de soumission féminine (très beau tableau servi en dernier plan d'ailleurs, j'aurais été déçu de pas pouvoir mettre pause au cinéma) en parallèle de la violence barbare du harceleur. Il y a malgré tout quelque chose d'impersonnel là-dedans, reflet d'une époque incapable de se débarrasser de ses références je ne sais pas, en tout état de cause il me semble que le film s'enlise dans l'excès explicite (la bande-son notamment vire au son Zimmer de blockbuster) à mesure que le monstre se dévoile, et c'est bien dommage. Potentiel immense, motifs macabres savamment distillés, mais avec cet amer goût d'inachevé.

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Mais le film se concentre sur sa vie recluse dans l'appartement luxueux, austère, chargé, entourée uniquement par un majordome et une gouvernante (Pierfrancesco Favino et Alba Rohrwacher, très bons, à la différence de Vincent Macaigne anecdotique dans le rôle du médecin). Sa volonté de travailler sa voix, contre l'avis médical. C'est donc une pulsion élégiaque qui motive le réalisateur, partagé entre hallucinations et crise existentielle au soir de sa vie, tandis qu'elle cherchait à retrouver sa voix et son talent perdus. Lara Croft en fait sans doute un peu trop dans la sensibilité et le tragique, mais le récit tortueux à souhait parvient à se faire élégant dans l'observation de l'état torturé tout en minimisant la part de maniérisme. Mais le talent musical rongeant comme un cancer reste largement inexploré, très théorique et superficiel.

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Dans les autres rôles, il y a les anecdotiques J. K. Simmons (sympa mais sous-exploité) et Kiefer Sutherland (parfaitement inutile). Et puis il y a Toni Collette, l'avocate de l'accusation et candidate au poste de DA : elle porte de son côté d'autres questionnements moraux, puisque s'affronteront ses intérêts personnels et son éthique — le plan final tranchant avec le reste annule le doute qui subsistait quant à son positionnement. Au-delà de ça, on sent bien que Eastwood entend capter le dysfonctionnement d'un système judiciaire, avec des failles énormes (et très invraisemblables mais passons) et une sorte d'enquête expéditive à charge pressée de confirmer la culpabilité du suspect idéal. Les symboles sont lourds (l'homme hanté par la mort et la vie, celle du condamné et celle de son enfant, la figure de la justice avec sa balance exhibée régulièrement), il y a un certain académisme dans la démonstration, mais c'est un film de Clint inespéré sur le thème du citoyen modèle et autres pièges de nos représentations vis-à-vis des institutions. Pas un sommet d'ambiguïté morale, mais un beau récit qui aborde les intrications des dilemmes, coercitions et inhibitions structurant les rapports humains, désespérément.