Top 10 - 1991

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Les trois heures passent comme un souffle, le rythme convulsif emporte tel un cheval au galop, le brio fulgurant du montage met en feu, le foisonnement des hypothèses et des réflexions, la concentration des séquences injectent un lyrisme fiévreux à l’enquête politique, morale, citoyenne. Cette maestria, cette densité incandescente sont dignes du Scorsese de "Casino". L’exorcisme du passé exige de mettre sa vérité à nu, et ce film épique en est la démonstration la plus généreuse et galvanisante.

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Cavale de deux femmes en détresse, dont le déroulé tragique s’éclaire paradoxalement d’une lumière radieuse. Paysages sublimes de l’Amérique profonde, avec ses mœurs rétrogrades, sa poussière dansante, ses champs pétrolifères et ses country clubs. Équipée sans retour à l’enivrante composition visuelle et musicale, ce road movie féministe souligne les traits conflictuels d’une société : c’est un voyage vers la libération et l’indépendance, chargé de rires et de larmes, d’énergie et d’exaltation.

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Clarice accepte le marché quid pro quo du monstre raffiné qui se tient derrière la paroi de verre : la mise à nu de son âme contre le portrait psychologique du nouvel Hadès qu’elle recherche. Ouvrant un gouffre devant les pieds du spectateur, Jonathan Demme distille une terreur d’ordre mental, qui naît de silences, de regards, des transitions fluctuantes entre la normalité et la folie, entre la fascination effrayée de la Belle et la suave perversité de la Bête. Un classique inaltérable.

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Le trait bleu avale la toile – paysages brûlants, êtres tordus. La révolte intérieure de l’artiste transcende les peintures, dont les torsions répondent au style entrechoqué et pourtant magnifiquement fluide de la mise en images. Le vent souffle dans les arbres, les prostituées ont le corsage ouvert : bonheur inaccessible qu’une âme en peine échoue à retenir, en s’épuisant dans la création et l’intensité rugueuse de la vie. Van Gogh s’est consumé, il n’y a pas d’adieu, la mort est un mur bleu.

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Une fois de plus, Cameron repousse les frontières et donne dans la démesure. Il relègue ici l’essentiel des films de SF et d’action au rang de vieilles reliques, puisant dans la beauté coulante des métamorphoses, les scansions pulsatives de Brad Fiedel, la plasticité des images cinétiques nées du feu ou du métal, une inspiration presque divinatoire. Et sous le gant de fer, la main de velours d’un artiste qui interroge les responsabilités de l’homme face à sa technologie, son futur, son identité.

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La genèse prométhéenne d’"Apocalypse Now" nécessitait un documentaire à sa démesure. Voici le témoignage attestant de ce que fut cette aventure sans équivalent : une odyssée traumatisante, un tournage au bord du gouffre qui manqua d’emporter son auteur corps et âme. Par-delà les images précieuses d’un processus de création tutoyant sans cesse la folie et l’anéantissement, c’est bien l’ardeur de l’artiste à se confronter avec sa vérité intime qui offre une portée unique à ce sidérant making-of.

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Un jeune dramaturge exalté et naïf s’égare dans la jungle hollywoodienne de l’âge d’or, perd pied avec la réalité et fricote avec le diable, ou quelque chose d’approchant. Langoureusement, les frères Coen glissent de la comédie absurde au thriller étouffant, puis au fantastique kafkaïen. Leur Palme d’or atmosphérique sculpte les nerfs, satirise, malaxe les genres entre irrespect et nostalgie, métaphorise les affres de la création et de l’imaginaire en nous enveloppant dans une toile fascinante.

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Il existe un lien invisible entre la France et la Pologne, entre la vie et la mort, entre Véronique, qui pleure et rêve d’un clocher renversé, et Weronika, qui chante comme un ange et meurt sur scène en donnant la note la plus haute, la plus belle, celle qui brise le cristal de son cœur. Servi par la grâce d’Irène Jacob, Kieslowski signe un film de regard et de sensations, de mystère et de prédestination, d’appels à entendre et de signes à déchiffrer, reposant manifestement sur la transcendance.

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Avec peu de mots, des musiques de toutes les couleurs et tant d’images que l’on en suffoque, ce poème d’amour fou galope dans la nuit vers la lumière, enveloppe de son romantisme naïf quelques solitaires écorchés qui se réfugient dans l’ilôt déglingué et fragile du Pont-Neuf. Pas de message, de démonstration ou d’esbroufe, mais une foule d’images intemporelles, de mouvements grandioses et de contractures dansantes où fusionnent, dans un feu d’artifices, la cruauté du réel et la démesure du rêve.

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C’est l’histoire d’un jeune gigolo homosexuel et cataleptique, à la recherche de sa mère, et du fils d’un riche sénateur, amputé d’un passé auquel il ne répond que par un avenir incertain. Le film s’équilibre entre deux pôles de la marginalité, celle qui est une fin et celle qui, démangeaison pubertaire prolongée, s’achève par un retour à la norme. Ses images surréalistes, ses ellipses et cadrages déroutants content avec poésie la douleur d’une trahison, la vente tragique d’une amitié amoureuse.