Le fond pour servir la forme

Bien plus intéressant sur la forme que sur le fond, Dogville s'impose à la fois comme un sommet dans l'exploitation du montage et de l'image chez Von Trier, mais aussi comme un tournant dans son cinéma, apportant une satire sociale dans une filmographie très mélodramatique.

Pour ne pas s'attarder trop longtemps sur le décor, qui est bien évidemment la première chose qui nous saute aux yeux, je dirais que Lars Von Trier est allé au bout de son idée, dans le sens où il a exploité au maximum ce décor de théâtre, tristement plat et gris, dont la petite taille n'abrite que des maisons sans murs et des montagnes en carton. Jusqu'au bout, il joue avec cette ambiguïté quant à la transparence des murs, à la distance entre les maisons, aux limites incertaines de ce village américain. Peut-on nous voir à travers les murs ? Peut-on entendre d'une maison à l'autre les mots prononcés ? C'est justement grâce à cette ambiguïté que la forme sert le fond, car ce questionnement sur les limites du décor amène aussi à réfléchir sur l'hypocrisie générale du village de Dogville : les gens voient, mais ils ferment les yeux. Ainsi, lorsque Grace (Nicole Kidman) est violée à répétition par les hommes du village, il est important de se demander si le reste de la population en est au courant. Ou encore ce personnage de l'aveugle, qui joue peut-être un rôle important dans cette métaphore : ici, à Dogville, on préfère être aveugle plutôt qu’ouvrir les yeux sur les violences commises.

C'est surtout dans l'utilisation de sa caméra que Von Trier atteint le paroxysme de son cinéma. Comme il le fera plus tard dans Melancholia, il filme de manière très originale, presque "flottante". Sa caméra ne se pose jamais, restant constamment à l'épaule, en mouvement ou tremblante. Avec ses coups de zoom réguliers et son montage truffé de faux raccords, il crée non seulement un sentiment de malaise et d'incompréhension chez le spectateur, mais sert aussi le sujet traité, métaphoriquement, dans la même logique qu’avec le décor. Ce n'est pas par hasard que la caméra tremble et que le rythme est saccadé : c’est une manière de symboliser les fluctuations sentimentales de Grace.

Malgré tout, Dogville donne l’impression d’utiliser son statut de satire sociale pour négliger la profondeur des sentiments de Grace et des relations entre les villageois. Avec une voix-off (probablement inspirée de Barry Lyndon) relatant les faits les plus horrifiants mais gardant un timbre doux et sobre, et une énumération très pasolinienne de l’évolution de chacune des situations entre Grace et les villageois, Von Trier oublie que le film traite de relations complexes et humaines, et choisit la figure de la "bonne victime", celle qui se préserve pour son amoureux, pleine de bons sentiments, prude, au bon cœur. En caricaturant la figure féminine, il exclut malgré lui une partie importante des victimes de viol et du système américain, se laissant entraîner par une facilité scénaristique qui simplifie la transmission de sentiments forts au spectateur.

Il y a plusieurs manières d’interpréter la fin, mais le plus évident serait de dire que la miraculeuse survie du chien à l’incendie est une lourde métaphore : seuls les animaux ne sont pas pervertis par la nature humaine, et seuls mériteraient la vie. Ils représentent l’innocence.

Finalement, Dogville marque un tournant dans la capacité de Von Trier à mettre la forme entièrement au service du fond. Malgré quelques lourdeurs et facilités, le film cherche davantage à transmettre un message politique engagé tout en gardant le sujet phare du réalisateur : la femme.