Top (20) et 50 des films de la décennie 2010

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Un film profondément humain, des images qui impriment l'oeil , un cinéma sensoriel où il faut se laisser porter car Lars von Trier lorgne plus vers Tarkosvki et la peinture classique que vers le cinéma traditionnel.
Par ses procédés visuels il nous offre certainement les plus beaux plans de cinéma de la décennie qui illustrent une fable métaphysique et métaphorique, d'ou se dégage un vrai Spleen existentiel.
Certains diront Cinéma de poseurs, moi je pense lyrique et poétique et il se dégage des images de cet objet filmique un parfum du reflet de nos peurs ancrées totalement dans l' époque.

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Bah quelle claque ! Alors certes quelques-uns diront : c'est froid, c'est technique ! Oui et je dirais même c'est chirurgical et chez Fincher cette technicité chirurgicale n'est pas une faiblesse mais plutôt la force de son cinéma au present.
Car oui, depuis quelques films le cinéma de Fincher a changé dans sa forme et cette Froideur chirurgicale et obsessionnel l'emmène vers la viscéralitė
Cette nouvelle forme dans son cinéma lui permet de mieux coller a son histoire, car le Cinéma de Fincher a changé également dans son fond , à présent il veut raconter l'Histoire, une histoire de l'Amérique, comme un Historien ou un documentariste alors cette technicité presque journalistique lui permet de se placer comme témoin, le témoin extérieur de son époque.
Cette Froideur obsessionnelle emmène la prėsision et le Rythme, car chez Fincher désormais tout est une histoire de rythme et de musique.
Sa mise en scène est une musique , une symphonie rythmique appliquée,
Ici tout est rythmes : les images, les plans, les Champ-contrechamp, les cuts, les sons , les musiques. Les dialogues fusent et s'emballent devant nos yeux écarquillés ...Putain !!! on doit suivre, on décroche, on raccroche, on est perdu puis retrouvé car la grande force de Fincher c'est qu'il peut nous raconter n'importe quoi, même des choses qui pourrait sembler inintéressantes ou insignifiantes deviennent ici fascinantes et par sa mise en scène et son rythme effrénée il se rapproche finalement plus de la mécanique des films d'action que du thriller chiant et verbeux .
Fincher arrive donc a créer par la dynamiques de ses plans et de ses dialogues : un Actionner du verbe et cela, tout en musique, et quelle musique : celle du Grand Trent Reznor : une partition ėlectro et experimentale, celle de son époque, de notre époque car Fincher est å l'heure et et son film est à l'heure et pas seulement à celle des réseaux sociaux mais aussi à :celle de la décennie 2010.

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Certainement le film le plus dingue de la décennie, une oeuvre que Miller a longuement mûri pour aboutir à un film qu'il realise avec la fougue d'un jeune homme .
Le film démarre sur les chapeaux de roues pour ne plus nous lacher, du début à la fin Miller déroule sa mise en scène, toute au service de l'action, aucun temps morts, ici tout transpire le vrai, la vitesse, la violence âpre, rien n'est factice .
Tel un grand Maître cinéphile, le réalisateur nous prouve par A+B que le cinéma n'est pas simplement une histoire de scénario mais a l'origine une forme d'art qui joue sur la narration visuelle, c'est alors qu'on en vient à repenser au mécano de la général , dont il est un remake a peine déguisé : cette oeuvre folle qui usait de prouesses techniques et phisiques afin de dérouler l'action d'un point A vers un point B ( le fameux voyage du heros )
Sous cet angle Mad Max Fury Road s'offre å nous comme le film le plus fou fou fou de cette décennie, ( au moment même ou le cinéma d'action ne sait plus prendre aucun risque ) et Georges Miller se permet même le luxe et l'occasion (par son discourt en sous texte) de nous livrer un grand film féministe honnête et nécessaire, chose qui n'est pas négligeable dans une ėpoque où le cinéma hollywoodien se sert å tout va et de manière cynique de certaines causes et de certains combats à des fins simplement commerciales .

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La complexité du Cinéma pour raconter les choses simples de la Vie.

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ĢEn décidant de créer une liste sur les plus grands films de la décennie 2010 je me suis fixé une règle : celle de faire une critique de chaque film de cette même liste .
Gravity étant à la cinquième place ,me voilà bien emmerdė au moment d'ecrire cette critique ne me rappelant plus vraiment , en tous cas précisément du film .il me suffirait donc simplement de revoir le film , mais non et c'est là le paradoxe, car la chose qui m'as fait mettre ce film a cette place c'est l'expérience incroyable et unique que la vision 3D m'as procuré en salle , au point d'aller 2 fois pour renouveler cette sensation.
N'ayant pas de matériel 3D il n'est donc pas question de revoir le film au risque d'atténuer ce souvenir totalement immersif.
Alors il faut se souvenir, et j'ai le souvenir d'un film en apesanteur, une expérience de cinéma tendu ou chaque plan et chaque geste cinématographique fut au service de l'immersion incroyable, le souvenir d 'avoir flotté dans l'espace un instant , le souvenir de ces images ou j'accompagnait les personnages dans la douleur et l'epreuve qu'ils traversaient, le souvenir d'images comme une métaphore de mort et de retour a la vie : une renaissance, le souvenir d'avoir vu un instant la terre de l'espace et c'est ce souvenir dont je veux me souvenir .

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...Lors du festival de Canne et pendant une conférence de presse ce bon vieux Lars qui navigue entre sensibilité , humour noir et névroses pathologiques a déclaré par pure provocation punk et nihiliste que par certains aspects il comprenais Hitler. Après ce geste destructeur et suicidaire le bon vieux Lars fūt tricard du festival et cela pour plusieurs années ...
En 2017, il est à nouveau invité, mais hors compétition avec un dernier film , revanchard, le bon vieux Lars revient et il est pas ,mais alors pas du tout content !!!...
Lars, il veut en découdre, alors il présente sur la croisette "The house that Jack Built" comme un ultime pied de nez et gros Fuck à une assemblée de festivaliers, médusés et toujours pas rodé ou habitué à la provocation du bon vieux bougre.
Mais c'est bien mal connaître Lars von Trier et ce n'est pas si simple car The house that Jack Built n'est pas qu'un geste de provoc c'est par la même, un film sur la Création ou la difficulté a créer pour l'Artiste et un questionnement sur ce qu'est une Oeuvre d'art à notre époque ? Peut-on avoir encore la liberté de créer, de choquer, de boulverser, de provoquer ? De sa propre expérience autocentrė et égocentrique et de ces questions qu'il se posent certainement tous les jours, il nous livre à travers son film , un autoportrait ou il nous parle de ses doutes, de propre rapport à l'histoire mais aussi l'histoire de l'art. Ces questions deviennent dès lors, des questions philosophiques et universelles .
Le Film se présente en deux parties : une première où il ose , il provoque et boulverse avec beaucoup de dérision, d'humour et de violences : le personnage de Jack , tueur psychotique joué par Matt Dylon qui est un reflet de ses propres angoisses et certainement de ses pulsions les plus inavouables.
Dans la seconde partie il orchestre et illustre donc en catharsis et à travers ses personnages sorte de Dante et Virgile sa propre descente aux enfers ( qu'il vient de vivre comme une traversée du désert) en forme de voyage artistique et sensoriel. Il met en scène ses personnages dans des tableaux en mouvements,.des tableaux d'inspirations Romantique, il revisite Gericault et sa Meduse ou Delacroix à l'échelle des oeuvres originales pour peu que l'on ai vu une projection en salle sur un écran géant , n'est-ce pas un geste artistque ultime et salutaire et une vraie et grande proposition de cinéma.???...en espérant qu'elle ne soit pas une épiphanie testamentaire.
A suivre ...

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Le film a pas mal divisé les avis lors de sa sortie : d'un côté ceux qui ont admiré la prouesse technique et l'interprétation de Di Caprio , de l'autre ceux qui n'y virent qu'un déballage technique et prétentieux du genre : regardez ce que je sais faire , où je place ma caméra, comme j'utilise le grand angle , comme mes images sont belles et comme mes acteurs se livrent dans la difficulté et la souffrance . Mais ne voir q'une fois The Revenant c'est passer a côté de beaucoup d'autres choses , ou faire preuve d'une grande faculté d'analyse immédiate, tant le film aborde de sujets de thèmes, de concepts et de références comme toutes oeuvres symbolistes et contemplative qui se respecte ...
The Revenant est un Western , un film d'aventure qui englobe bien d'autres genres : le Survival, le Revenge Movie, La fable ésotérique le film Naturaliste

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Il y a des cinéastes que certains appelleront poseurs mais j'emploierai plutôt le mot stylistes, qui penchent plus vers l'esthétique : des cineastes esthètes, Ils font du cinéma qui s'adresse à nos sens, à notre ressenti, à notre sensibilité émotionnelle, visuelle ou artistique ... alors quoi de plus normal que cela fonctionne ou nous nous touche, plus ou moins.
Je dois avouer qu'avec Nicolas Winding Refn, sur moi, cela marche toujours plutôt bien. Il faut voir ou comprendre que je suis assez sensible à ses images orchestré par son compositeurs attitré Cliff Martinez .
Dans cette famille de cineastes visuels ou d'autres diront d'une manière péjorative: cineastes clippeurs, il est souvent reproché de faire de l'esthetisme gratuit et de la mise en scène en musique pour ne rien raconter, resumons de privilégier la forme sur le fond .
En son temps se fût le cas de Ridley Scott, de Argento, de Mann, de Fincher et même de Lynch.. Mais il ne faut pas tout confondre car même chez tout ceux là, il y a plusieurs catégories : il y a ceux qui se servent de leurs images pour raconter une histoire simplement et de manière relativement narrative et ceux dont les images serviront des symboles, des métaphores, des expérimentations ou des concepts. N W R fait plutôt parti de cette seconde catégorie: car c'est un cinéaste symboliste, conceptuel, experimental et presque psychédélique, c'est également un cinéaste référentiel.
Donc dans The Neon Demon des symboles et des références il y en a : en veux tu en voilà, des références à Argento, Kenneth Anger, au Giallo , à De Palma, au cinéma d' horreur, au film de sorcières, au film de Vampires et c'est peut-être la limite du film, à force de citations, de symboles et d'idées pèle-mêle, le film finit par se perdre et ne va pas au bout de toutes ses bonnes idées ou plutôt ne fait que les aborder en surface là où Valhalla Rising poussé sa recherche visuelle et référentielle dans un jusqu'au boutisme qui servait son propos . Il reste néanmoins un film d'une beauté platique à la limite de l'art contemporain, un objet visuellement fascinant mais qui commence à se fissurer pour monter que N W R est peut-être arrivé a sa propre limite artistique ? : chose qui se confirmera, par la suite avec sa serie "Too Old to Die Young " car une oeuvre, aussi belle quelle soit, simplement faite de symboles, d'idées et d'expérimentation ne peut plus faire mine dans la longueur et le processus narratif d'une serie : comme au cinéma.