Liste ordonnée de films de 2015 (date de sortie en salle en France)

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Dès le début, on est prévenu. On voit le réalisateur expliquer avoir envie de faire un film d'intervention sociale et filmer des histoires merveilleuses, proposer des fables intemporelles et être engagé dans le présent. Puis quelques instants plus tard, il s'enfuit... Pourtant les films sont bien là, et ce premier volet, très touffu, est une immense réussite ! Cela commence par deux mini-documentaires en montage alterné, l'un sur un exterminateur de guêpes qui menacent l'apiculture locale, l'autre sur des travailleurs de chantiers navals en lutte, sauf que les voix off sont interverties... On continue avec les agissements de la Troïka et du gouvernement portugais consentant évoqués sous forme d'un conte farcesque grivois sur l'impuissance. Les séquences suivantes du film et de ses deux suites sont inspirées par des faits divers recueillis par une équipe de journalistes. Dans ce premier volume, on aura notamment le procès d'un coq qui chante trop fort, et le bain des Magnifiques pour la nouvelle année, auxquels participent des chômeurs et chômeuses. La qualité et la dignité des témoignages recueillis montre la sincérité politique et sociale de Miguel Gomes et de son projet fou.

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La Seconde Guerre mondiale vient de se terminer. Nelly, survivante d'Auschwitz, seule rescapée de sa famille juive, est de retour dans un Berlin encore en ruines. Grièvement défigurée, elle choisit, contre l'avis du chirurgien, une reconstruction au plus près de son ancien visage. Elle tente de retrouver son mari, qui la croit morte. Il ne la reconnaît pas, mais lui propose un étrange marché... Le film a le grand mérite d'évoquer une période tabou pour les allemands et peu traitée au cinéma. Peut-on revivre et aimer après l'horreur des camps ? Retrouver une vie sociale y compris au milieu de traîtres ? Pour leur nouvelle collaboration, le cinéaste Christian Petzold et l'actrice Nina Hoss, magistrale, livrent un film spectral impressionnant, sans jamais se laisser dépasser par les grandes questions qu'il pose. L'évolution de la relation entre les deux anciens époux (Ronad Zehrfeld est lui aussi excellent dans un rôle difficile) est un véritable crescendo. Christian Petzold sait terminer son film : la dernière scène est implacable, et inoubliable.

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Enfin de l'audace ! Le film saisit avec clarté les enjeux des deux affaires Clearstream : 1) l'enquête initiale du journaliste Denis Robert sur la chambre de compensation luxembourgeoise, ses comptes non publiés, ses mystérieuses pannes informatiques, ses capacités de dissimulation nécessaires au "back office" de la finance internationale, et 2) l'affaire d'Etat quelques années plus tard à partir de listings falsifiés, sur fond de rivalités Villepin/Sarkozy et Thomson/EADS... Juridiquement inattaquable, le film expose les faits, ose utiliser les vrais noms et dresser un tableau édifiant des 25 dernières années (à commencer par l'affaire de la vente des frégates à Taïwan). Formellement, c'est un thriller exceptionnel, cent coudées au-dessus de "La French" ou "L'Affaire SK1" par son ampleur, qui lorgne plutôt vers "Révélations" de Michael Mann (Révélations est également le titre du premier bouquin de Denis Robert sur Clearstream), avec un excellent Gilles Lellouche, pour une fois dans la peau d'un type avec une conscience, mais également Charles Berling et Laurent Capelluto, formidables respectivement en Renaud Van Ruymbeke et Imad Lahoud...

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En 1941, des dizaines de milliers d'Estoniens sont déportés en Sibérie, sur ordre de Staline. Hommes d'un côté, femmes et enfants de l'autre. C'est ce que choisit d'évoquer Martti Helde pour son premier film, à travers les lettres (fil rouge du récit) qu'Erna, conduite avec sa fillette dans un camp en pleine forêt, écrit pendant des années à son mari transporté ailleurs. Le parti pris esthétique est radical : passées les dix premières minutes (vie commune antérieure), les personnages sont figés (à peine un battement de cil ou du vent dans les vêtements), seule la caméra hyperstable (steadycam) se fraye un chemin à l'intérieur de ces tableaux hyper-expressifs, une trentaine en tout, qui rendent palpables les situations et la souffrance humaine engendrée, le tout dans un noir et blanc d'une rare profondeur. Il n'y a aucune gratuité esthétisante, pas de détail en trop, pas de morale assénée à la Haneke, mais de véritables effets de sidération et une puissance d'évocation sans aucune mesure. Une forme inouïe (qui restera sans doute un prototype), admirable techniquement comme émotionnellement.

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C'est la fin de l'année scolaire. Cinq soeurs reviennent de l'école. Lale, la plus jeune (une douzaine d'années), pleure le déménagement de sa maîtresse à Istanbul, à un millier de km de là. Toutes chahutent avec les garçons : ils se baignent tout habillés et elles montent sur leurs épaules. Arrivées chez elle, elles sont punies par leur grand-mère qui les élève seule. Mais leur oncle, le méchant de la fable, interprété par Ayberk Pekcan (qui jouait un des employés de l'hôtel de Winter sleep), ne veut pas en rester là, et les confine dans la maison familiale en attendant que se nouent des mariages arrangés. Par les caractéristiques de cette famille, le film fait inévitablement penser à "Virgin suicides" de Sofia Coppola. Pourtant, le traitement est tout autre. En effet, le film est un tourbillon d'énergie bigger than life. Car elles résistent, grâce notamment aux initiatives de Lale (qui est aussi la narratrice de l'histoire) et vont chercher à s'évader, d'une manière ou d'une autre. Mémorable séquence du match de foot. Un premier film déjà très maîtrisé.

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Une curieuse maladie du sommeil atteint des soldats thaïlandais. Ils sont installés dans une école abandonnée transformée en hôpital improvisé. Jenjira, une femme mûre à la jambe endolorie, se porte volontaire pour veiller sur un jeune soldat qui ne reçoit aucune visite. Peut-être à cause de son sujet, le nouvel opus d'Apichatpong Weerasethakul (Palme d'or surprise en 2010 pour "Oncle Boonmee") est arrivé sur nos écrans précédé d'une réputation de film soporifique. Il n'en est rien ! Il se passe toujours quelque chose sur l'écran. Le film est parfois hypnotique ou envoûtant, mais c'est le plus ouvert, accessible et scénarisé des films du cinéaste. Il a envie de faire entrer le spectateur dans son univers toujours aussi singulier. Sa puissance de suggestion est telle qu'une promenade en forêt se transforme en visite d'un palais royal, et on marche ! Le résultat est aussi évident à l'écran qu'il peut apparaître poussif sur le papier.

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Un taxi sillonne les rues de Téhéran. Mais ce n'est pas un vrai taxi : au volant, on retrouve Jafar Panahi, et celui-ci, qui n'a plus le droit de tourner ni de quitter son pays depuis 2010, discute avec ses passagers et les filme avec une petite caméra posée sur son tableau de bord... Un dispositif formidable qui mime le documentaire, avec parfois une mise en abyme réjouissante. Dans cet escape confiné, le cinéaste recrée une société. Mais on y croise sa vraie nièce, ainsi que la militante des droits de l'homme Nasrin Sotoudeh. Le générique réduit à sa plus simple expression rappelle que le film n'a pas reçu de visa d'exploitation, mais c'est également une manière pour Panahi de protéger l'équipe qui l'a aidé à tourner ce film clandestinement. Aux cinéphiles (et critiques) du monde entier, il fait une fleur et rappelle que "tout film mérite d'être vu". Savoureusement insolent.

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Berlin, dans la haute société du 19è siècle. Le jeune poète tragique Heinrich souhaite dépasser le côté inéluctable de la mort grâce à l'amour : il tente de convaincre, en vain, sa cousine Marie de décider ensemble leur suicide. Henriette, une jeune mariée qu'Heinrich avait également approchée, semble soudainement tentée par la proposition lorsqu'elle apprend qu'elle est atteinte d'une maladie incurable... En s'inspirant librement du suicide du poète Heinrich von Kleist, la cinéaste Jessica Hausner livre une oeuvre à la mise en scène très stylisée (plans fixes, images d'une beauté étrange et inhabituelle) qui renforce le sentiment d'une noblesse éloignée de la vraie vie. Excellente interprétation ad hoc. Un film paradoxalement lumineux.

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J'avais déjà vu et apprécié des films de Philippe Faucon, mais avec "Fatima" le cinéaste change de catégorie. En première approche, c'est le portrait d'une femme de ménage maghrébine (Soria Zeroual, superbe) qui ne maîtrise pas bien le français mais élève seule (elle est séparée) ses deux filles adolescentes : l'une est au collège, l'autre en première année de médecine. Le film est assez court, mais très dense et épuré. Sans jamais appuyer le trait, tous les détails ont leur importance. Loin des grands discours, il montre au passage le racisme ordinaire tel qu'il est : pas seulement une mauvaise idée mais aussi un rapport social de domination (accès au logement, comportement d'une "patronne" etc...) qui s'ajoute à celui de la subordination à l'employeur. La dernière séquence est l'une des plus belles fins vues sur un écran cette année.

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Michel (Bruno Podalydès) est infographiste dans une petite entreprise improbable (le chef est un ami ou un membre de la famille, et il n'y a pas de pression des propriétaires du capital, c'est trop cool) mais rêve néanmoins d'évasion. Il est passionné d'aéronautique mais achète... un kayak. Avec l'assentiment de sa femme (Sandrine Kiberlain), et avec les conseils techniques du Manuel des castors juniors, c'est le grand départ, en solitaire. Il fait escale dans une guinguette où il fait connaissance de la patronne (Agnès Jaoui) et de la serveuse (Vimala Pons)... C'est une échappée belle, comme on en avait pas vu depuis "Mademoiselle" de Philippe Lioret ou "Mercredi, folle journée" de Pascal Thomas (les deux en 2001). Mais ce côté buissonnier n'empêche pas le film d'être très maîtrisé formellement : comme dans son opus précédent, l'utilisation de la musique est très savoureuse, et Agnès Jaoui n'a jamais été aussi bien filmée. Un film qui fait du bien.

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On peut diviser le film en deux parties. La première peut être vue comme un pendant du documentaire "Les Règles du jeu" de Claudine Bories et Patrice Chagnard : au-delà de la ressemblance des titres, une même vision du marché du travail vu par ceux qui en sont plus ou moins longtemps privés. La seconde partie voit Vincent Lindon accéder à un poste d'employé de sécurité dans un centre commercial, un peu comme Olivier Gourmet dans "Jamais de la vie". Mais ce dernier était plombé par des dialogues scolaires explicatifs, alors que Brizé ose faire du cinéma. Les scènes sont souvent filmées en plan-séquence, mais un gros travail est fait sur le hors-champ, que ce soit des choses importantes qu'on entend sans voir, ou des ellipses importantes et émouvantes. Le film fait le constat que la répression, l'humiliation frappent toujours du côté de ceux qui n'ont que leurs revenus du travail pour vivre. Au côté de comédiens amateurs, Vincent Lindon est formidable (interprétation primée à Cannes).

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Suite à son déménagement dans une nouvelle ville, une fille de 11 ans tente de se faire aux bouleversements de son existence. Dans son cerveau, les cinq émotions primaires (Joie, Peur, Tristesse, Dégoût et Colère) tentent de faire face à la situation. Elles sont chacune représentées par un personnage, qui ont chacun leur couleur : il est plaisant que la Colère, celle qui est reliée au refus de l'injustice, soit rouge... Mais il y a des nuances : la Joie n'est pas toujours joyeuse, et peut même comprendre l'utilité de la Tristesse. Cette inventivité formelle permet d'accompagner la grande audace de ce nouveau Pixar : parler aux petits et aux grands d'une fille qui déprime. Mais aussi qui grandit (et c'est tout aussi émouvant...).

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Depuis une petite décennie Woody Allen est d'autant plus présent derrière la caméra qu'il ne joue presque plus devant. Sa maîtrise est un régal. Mais ce n'est pas le réalisme qui le travaille : cela semble être l'été toute l'année dans le campus de province que rejoint Abe, prof de philo aussi brillant que ventripotent et alcoolique. Et les contingences matérielles semblent être très éloignées des étudiants, des filles et fils à papa qui font du piano, du cheval, ou lisent tout Dostoïevski (pour Jill, la plus douée, qui tente de séduire Abe). Après "Match point", c'est un nouveau basculement vers le crime dans la haute société. Mais cette fois-ci pas de critique sociale, mais une variation sardonique sur le vide de certaines existences et l'ironie du hasard. Joaquin Phoenix, Emma Stone et Parker Posey apportent de la chair aux propositions un rien théoriques de Woody...

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A l'occasion du centenaire du génocide arménien, Robert Guédiguian réalise une grande fresque, qui commence en Allemagne en 1921 par l'assassinat de Talaat Pacha, ancien Premier ministre et ministre de l'intérieur Turc et l'un des principaux responsables du génocide. Puis par le procès de son meurtrier, Soghomon Tehlirian, qui deviendra une sorte de mythe pour plusieurs générations d'arméniens. Après ce prologue en noir et blanc, l'essentiel du film se déroule au début des années 80, autour d'Aram, un jeune lycéen marseillais d'origine arménienne, qui se radicalise et va participer à un attentat à Paris dans lequel un autre jeune, Gilles, au mauvais endroit au mauvais moment, va être grièvement blessé. Au bout d'un moment, celui-ci va tenter de comprendre... La mise en scène de Guédiguian, qui n'a aucune complaisance pour la lutte armée mais tente lui aussi de comprendre les différents protagonistes, est très précise. Le film est très incarné (belles interprétations de Syrus Shahidi, Simon Abkarian, Ariane Ascaride, Grégoire Leprince-Ringuet, Razane Jammal), et le cinéaste fait confiance à ses spectateurs : ça fait du bien...

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Il s'agit d'une uchronie (un passé imaginaire) : nous sommes en 1941, sous le règne de Napoléon V, les deux guerres mondiales n'ont pas eu lieu, et les plus grands savants de la planète disparaissent mystérieusement depuis les années 1870, si bien que l'électricité et le moteur à explosion n'ont pas été inventés. La jeune Avril tente d'élucider la disparition de ses deux parents, et de trouver la formule du "sérum ultime" sur laquelle ils travaillaient. Un imaginaire débridé est donc au programme de ce réjouissant film d'animation, mais ce n'est pas tout : personnages et décors (engins rétro-futuristes compris) doivent tout à l'univers de Tardi, à l'origine de la "conception graphique" du projet. Les ressemblances avec les ambiances d'Adèle Blanc-Sec ou de Nestor Burma ne sont donc pas fortuites, mais l'animation a ses propres règles et atouts, comme la bande son : mention spéciale à Philippe Katerine qui prête sa voix au chat (parlant !) d'Avril.

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En 1958, face au déni dont s'accommode la société allemande, un jeune procureur décide de traduire pour la première fois par la justice allemande d'anciens SS ayant servi à Auschwitz (dont il n'a pas beaucoup entendu parler). Le film se termine en décembre 1963 lorsque s'ouvre le procès de Francfort. Mais avant d'en arriver là, bien des épreuves attendent le jeune magistrat... C'est un film-dossier, d'un classicisme sans failles, mais aussi une sorte de thriller avec une mise en scène tendue (un poil trop appliquée peut-être), bien qu'on connaisse déjà la fin. Le film mêle personnages réels (le procureur général Fritz Bauer, qu'on ne croit tout d'abord pas favorable à la mise en lumière de la vérité, le journaliste intrépide Thomas Gnielka) et le personnage principal seul contre tous, formidablement interprété par Alexander Fehling, condensé de trois procureurs. Et pose des questions passionnantes.

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La première et savoureuse apparition de Shaun le mouton était dans le troisième épisode de Wallace et Gromit, "Rasé de près". Aujourd'hui, avec toute sa troupe, il a droit à son premier long métrage (après avoir eu droit à une série que je n'ai pas vue). Le premier plaisir est que ces moutons sont toujours aussi expressifs : merci aux studios Aardman d'avoir conservé pour l'essentiel l'animation en pâte d'argile (ce qui fait un tournage d'environ 2 secondes utiles par jour pour les mouvements compliqués). L'autre choix essentiel, c'est qu'il n'y a pas de dialogues, remplacés par des borborygmes... ou des bêlements bien sûr. L'histoire est difficile à résumer : disons que les animaux expulsent le fermier qui se retrouve malgré lui amnésique dans la grande ville, mais que les moutons vont essayer de retrouver. Toute nouvelle situation ou tout nouveau décor est source de gags d'un burlesque très travaillé. L'important n'est pas la vraisemblance mais la drôlerie. Ces moutons ont un remarquable sens du collectif (normal), mais aussi une capacité d'initiative et d'invention irrésistible.

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Domestique dans une riche famille de Sao Paulo, Val a du abandonner sa fille Jessica pour loger chez son employeur et se consacrer au fils de ses derniers auxquels elle est entièrement dévouée. L'irruption de Jessica, qu'elle n'a pas vu depuis plus de dix ans et qui va s'inscrire à l'université, va bouleverser l'ordre établi... Une comédie politique, qui entrelace avec beaucoup de finesse et d'ironie la cruauté des rapports de classe d'une part et la confrontation de deux générations de femmes d'autre part, à travers les retrouvailles entre la mère (jouée par Régina Casé, véritable star au Brésil) et la fille (excellente Camila Mardila). Une belle réussite qui ne parlera pas qu'aux spectateurs brésiliens...

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Encore un documentaire écolo, sorti opportunément à quelques jours de la Cop 21 ? Oui, mais celui-ci est beaucoup plus intéressant que les exercices convenus (et dépolitisés) à la YAB. Ici, le constat est assez vite expédié, et l'essentiel est consacré à de nombreuses pistes. Bien sûr chacune d'entre elles mériterait d'être davantage problématisée ou contextualisée (de quoi faire l'objet d'un film pour chacune), mais c'est la démarche globale du film qui convainc. Il est décliné en 5 chapitres : agriculture, énergie, économie, démocratie, et éducation, et il montre bien que tout est lié, et que l'écologie conséquente est donc politique. Et en effet les pistes exposées dans ce documentaire qui brasse large (permaculture, scénario Négawatt, villes en transition, monnaies locales, pratiques de démocratie active, pédagogies qui favorisent l'anti-conformisme et l'inclusion sociale etc) sont opposées au capitalisme (même "vert"), au desiderata des multinationales comme à l'avachissement des démocraties.

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Dans le Paris des années 20, une aristocrate passionnée d'opéra se rêve en diva, encouragée par son mari et ses amis... alors qu'elle chante horriblement faux (apparemment sans s'en apercevoir). Il est vrai qu'elle est la mécène de tout un tas de gens... A partir de ce canevas, Xavier Giannoli construit une drôle de comédie, grinçante et dramatique. En faisant exister tous ses personnages : ce n'est pas uniquement un véhicule pour Catherine Frot, impayable (assurément une des favorites pour les prochains César). On y croise aussi André Marcon dans le rôle ambigu du mari, le grand Michel Fau dans le rôle du professeur de chant, Christa Théret en jeune chanteuse d'avant-garde, Denis Mpunga en majordome (celui qui la respecte le plus), et Sylvain Dieuaide en journaliste anarchisant (on est dans l'après-guerre). Le film le plus réussi de Giannoli depuis "Quand j'étais chanteur".

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Sur la forme, ce documentaire canadien est une succession d'interviews croisées d'acteurs ou observateurs, judicieusement choisis, du système. Quel système ? Le monde "offshore", celui des paradis fiscaux, et des multinationales et établissements financiers qui en profitent en "évitant" l'impôt. La conséquence, c'est le démantèlement de l'Etat-providence, l'explosion des inégalités et l'affaiblissement (ou le contournement) de la démocratie. Face à cela, il faut apprendre à conjuguer souveraineté nationale et coopération internationale (la concurrence fiscale attaque l'une et l'autre) : une Europe vraiment politique ferait coopérer étroitement les administrations fiscales des Etats membres, voire établirait un impôt sur les sociétés commun avec les mêmes règles de calcul. Quant à la taxe "Robin des Bois", elle dissuaderait les détentions de titres très courtes et spéculatives, à l'heure du trading haute fréquence...

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Laura Poitras est une documentariste américaine qui a déjà été la cible du gouvernement de son pays. Elle est exilée à Berlin lorsqu'elle est contactée par un mystérieux Citizenfour. Celui-ci est en fait un cadre d'une entreprise sous-traitante de la NSA, la puissante agence de renseignement américaine. Intriguée par les infinies précautions prises par son contact, elle part le rencontrer à Hongkong en compagnie de Glenn Greenwald, journaliste au Gardian. L'homme au Rubik's cube (signe distinctif choisi) est un jeune homme aux allures d'étudiant. Plus tard il déclinera son identité : Edward Snowden. Ses révélations sont brûlantes sur l'ampleur de la surveillance illégale opérée par la NSA de toutes les communications privées, une menace pour la liberté et la démocratie partout dans le monde. La grande qualité de ce documentaire réside moins dans son caractère informatif (ses révélations ont déjà fait grand bruit en 2013) que dans l'émotion qui résulte du fait que tout cela est filmé de l'intérieur, et auraît pu être un film d'espionnage si cela avait été une fiction...

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De la fin du générique initial jusqu'aux scènes de conclusion, il n'y a pas de plan de coupe. Il y a donc apparence de plan unique, mais il n'y a pas unité de temps (l'action se déroule sur plusieurs jours). L'impression donnée est donc moins celle d'un film tourné en une seule prise que celle d'une caméra omnisciente (qui fait penser à celle d'Altman pour "The Last Show"). On suit les coulisses des dernières répétitions d'une pièce de théâtre qui marque le retour de Riggan Thomson, autrefois acteur principal de films de super-héros (Birdman 1, 2 et 3), ce qui perturbe encore son esprit (excellente voix off tortueuse). Cette tentative ne sera pas une sinécure... Le film brasse des dualités réelles ou supposées : Broadway / Hollywood, art / argent, popularité / reconnaissance des pairs ou de la critique... Il est cynique mais jamais misanthrope, grâce à l'interprétation géniale de Michael Keaton, mais aussi à Edward Norton, Naomi Watts et surtout Emma Stone (très différente de chez Woody Allen). Belle BO percussive (dans tous les sens du terme).

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Un homme d'affaires installé en Chine (Mathieu Amalric) revient en France dans la ville (imaginaire) d'Ambray, afin de régler un litige complexe à propos de la vente de sa luxueuse maison d'enfance, après le décès de son père. Il va rencontrer une forte tête (Marine Vacht), la fille de la deuxième compagne (Karin Viard) de celui-ci... Le sujet de départ peut ne pas passionner, mais les films de Rappeneau ne sont pas des "pitchs" à illustrer. Le scénario est magnifique, mais non linéaire et non résumable : les logiques des différents personnages (et leurs évolutions) s'entrechoquent, ce qui finit par donner un joli tourbillon. Ce mouvement permanent, à l'opposé d'une agitation gratuite, est aussi le fruit d'un montage alerte, de savoureux faux raccords en malicieuses ellipses. Un film de divertissement mais d'un classicisme très élégant, par un cinéaste octogénaire très juvénile.

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Le premier souvenir de Paul Dédalus est celui où à l'âge de 10 ans il déteste sa mère malade, qui décèdera assez vite. Bref épisode qui n'a pas vraiment le temps de prendre. Le deuxième est presque un récit de roman d'espionnage, entraîné par un camarade de classe lors d'un voyage scolaire. Comme pour "La Sentinelle", ce n'est pas l'épisode le plus convaincant, malgré la présence altière de Dussolier. Le troisième souvenir, qui constitue au moins les 2/3 du film, c'est la relation amoureuse et tumultueuse entre Paul et Esther (les deux personnages centraux de "Comment je me suis disputé" quand ils auront la trentaine). Il y a à la fois de la rapidité et de la profondeur, du singulier (Quentin Dolmaire et Lou Roy-Lecollinet ne jouent pas de façon cliché) et de l'universel, et on retrouve la signature du Desplechin qu'on aime dans les décors (Roubaix...) comme dans les effets de mise en scène. Un beau retour en France après le mitigé "Jimmy P".

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La gageure du tryptique de Miguel Gomes est de parler de la crise actuelle au Portugal et plus généralement en Europe en faisant contaminer sa narration par des éléments de conte et de merveilleux. Le projet ne cesse de se réinventer à chaque instant. Le sketch central est un procès, mais réalisé en plein air dans une agora. Mais petit à petit les choses se compliquent. Et peu à peu, derrière l'éventail des responsabilités de chacun c'est une responsabilité systémique (on pourrait dire celle du capitalisme) qui est mise en évidence. Le sketch suivant se niche dans une HLM avec des habitant-e-s plus ou moins laissé-e-s à leur sort. Mais le lien social est en quelque sorte assuré par un chien... et par son fantôme. Bref, c'est insolite, audacieux, et la formule fonctionne encore.

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Nouvelle adaptation du roman d'Octave Mirbeau, cinquante ans après celle de Luis Bunuel et Jean-Claude Carrière. L'intrigue est conservée : Célestine est une femme de chambre dans une maison bourgeoise de province où monsieur est obsédé et où madame est tyrannique... Mais l'esprit est différent du film de Bunuel, qui était ironique vis-à-vis de tous les personnages (mais pas de la même façon, certes). Ici le parti pris par Benoit Jacquot est clairement celui de Célestine : Léa Seydoux est presque de tous les plans, et quand elle n'y est pas, on voit la situation plutôt à travers ses yeux. Bunuel avait transposé l'action dans les années 30, Jacquot la resitue au début du XXè siècle. Et pourtant, son film, à la tonalité clairement sociale, donne l'impression d'être contemporain : Mme Lanlaire pourrait être l'un des petits ou grands chefs dans les bureaux d'aujourd'hui où il faut cracher de la productivité pour les actionnaires ou les bénéficiaires de crédits d'impôt...

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François, trentenaire qui sait qu'il a été adopté, souhaite rencontrer sa mère biologique. Après s'être débrouillé pour connaître son adresse, il s'incruste chez elle à l'occasion d'une fête, en se faisant passer pour un serveur embauché en extra pour l'occasion... Pour leur premier long métrage, les soeurs Philippon tentent le genre de comédie le plus difficile (et indémodable, même s'il n'attire pas les foules) à réaliser : le burlesque. Un coup d'essai qui n'a rien à envier aux maîtres sur l'art du décalage et de l'inadaptation. Si le sujet peut faire penser à Blake Edwards ("La Party"), on peut tout aussi bien évoquer la french touch (Tati, Pierre Etaix). Un film rafraîchissant, qui bénéficie également de personnages attachants (l'émotion n'est jamais loin du gag) interprétés par Jérémie Elkaïm, Sara Gireaudeau ou Anne Alvaro...

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Ce n'est pas le premier film de Rithy Panh consacré aux crimes contre l'humanité perpétrés par le régime de Pol Pot, mais c'est le premier où il ose l'autobiographie, lui qui était encore enfant quand il a été envoyé en camp de travail agraire et qu'il a perdu toute sa famille. Les images de cette période ayant disparues (à part quelques scènes de propagande, où l'on sent que quelque chose cloche, elles ne font pas du tout envie), il recourt à des figurines en terre cuite pour remplacer les images manquantes. Même si les images en soi ne sont pas insoutenables, elles font froid dans le dos. Le hiatus est saisissant entre les slogans révolutionnaires scandés au mégaphone et les multiples horreurs jusque dans des détails très concrets. Le contexte d'arrivée au pouvoir des Khmères rouges est brièvement évoqué (inégalités, milliers de tonnes de bombes larguées par les Etats-Unis etc), mais les motivations réelles des dignitaires du régime (la quête du cinéaste dans tous ses films) restent insondables.

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Un documentaire de très bonne facture sur Thomas Sankara, président du Burkina Faso de 1983 à son assassinat en 1987, dans des circonstances non totalement élucidées (le film l'aborde à la toute fin mais ne s'y attarde pas) qui ont amené son ancien bras droit Blaise Compaoré pour un long règne jusqu'en 2014. Auparavant, le film tisse un portrait passionnant d'un dirigeant anticonformiste, révolutionnaire et visionnaire d'une gauche sociale, anticolonialiste (c'est peu de dire qu'il n'était pas soutenu par la France de Mitterrand ni par les dirigeants françafricains), féministe et écologiste (toutes choses dont on aurait besoin ici en France, à ceci près que les questions ne se posent pas de la même façon dans un pays riche et impérialiste comme la France et dans un pays pauvre et dominé comme le Burkina Faso ["pays des hommes intègres"], nouveau nom attribué à son pays par Sankara, abandonnant le nom colonial de Haute-Volta).