Les meilleurs films des années 1920 selon takeshi29

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Si inhumaine qu'elle vient sans vergogne de trucider mon Top 10

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Ce film est LE cinéma, il balaie les genres, il nous fait passer par toutes les émotions et tous les cochons, il est techniquement hallucinant, en gros "L'Aurore" c'est ce qu'il faut regarder quand t'as besoin de retrouver la foi après avoir ingurgité trop de grosses daubes, c'est ce qu'il faut transmettre à tes enfants pour qu'ils arrêtent de te traiter de vieux con.

Ah si j'oubliais il a un énorme défaut : il ne dure pas 10 heures.

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J'ai ressenti un peu la même chose que face à "L'Aurore" de Murnau, cette sensation de voir un chef-d’œuvre, une pièce essentielle de l'histoire du cinéma. Le genre d'objets dont on se demande comment techniquement ils ont pu être réalisés. Et puis autre point commun, en dehors de la présence de George O’Brien, les genres qui se succèdent, se chevauchent. En effet les "Trois sublimes canailles" c'est de la comédie, de la bromance, de la tragédie, de l'aventure, du western, de l'action, de l'histoire...

Ça donne le vertige de se dire qu'à quelques mois de distance Murnau et Ford créèrent deux monuments. A ce sujet Monsieur Ford je m'incline, même si parfois j'ai pu faire la fine bouche vous étiez vraiment un très grand.

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Je ne saurai jamais pourquoi j'ai tant tardé à voir ce film jalon dans l'Histoire du cinéma mais toujours est-il que l'erreur est réparée et que cette folie de tous les instants va trouver sa place à côté de "L'Aurore" et deux-trois autres, ces œuvres qui défient le temps, la technique, la logique, dont on se sert pour se laver les yeux après avoir subi quelques bouses successives (Non non je ne donnerai pas de nom).

Parce que "L'Homme à la caméra" rappelle tout simplement ce qu'est le septième ART, pourquoi on l'aime tant, pourquoi la grande création amène aux plus fortes émotions.

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Je serais incapable de dire si le plus grand film représentant Jeanne d'Arc fut signé Bresson ou Dreyer. D'un côté le jansénisme de l'autre l'expressionnisme, mais un point commun : la sidération provoquée.

Si le premier nommé arrive à ce résultat par la structuration du récit, par la rigueur et la simplicité, ici ce qui frappe c'est la modernité esthétique, ces fulgurances hallucinées qui vous obligent à vérifier régulièrement que ce monument absolu date bien des années 20.

Preuve s'il en fallait une que le cinéma est multiple, qu'on peut parvenir au même effet sur le spectateur à partir d'un procédé, d'une approche apparemment opposés.

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"La Foule" ou les « Mary » muets les plus déchirants de l'histoire du cinéma.

(Le genre de film à provoquer un dégât des eaux chez tes voisins du dessous)

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La liberté, c'est leur Dada... (cf critique)

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C'est confirmé, ce "Kid" est un de mes Chaplin préférés, parce qu'il amalgame à la perfection le rire et le mélo lacrymal, le sens de la rupture de ton et de rythme.

Et parce que les baisers entre Charlot et son petit bonhomme, leurs larmes, sont parmi les images les plus marquantes et émouvantes de l'histoire du cinéma.

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Tout simplement prodigieux ! En 45 minutes il y a dix films en un, de la comédie, de l'action, de la romance, de l'aventure, bref il y a tout le cinéma.

On en parle de cinéma ? De sa magie, de celle d'avant, avant les trucages numériques ? D'un acteur-cascadeur-prestidigitateur ? D'un truc qui nous fait écarquiller les yeux, nous ramène à l'époque où, gamin, on se demandait comment un gars parvenait à faire sortir un lapin de son chapeau ?

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Revu en version restaurée avec la musique de Joe Hisaishi, dans une salle pleine de gamins hilares, preuve que les chefs-d’œuvre, les vrais, traversent les générations...

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Certains plans sont si foudroyants, ingénieux, modernes en terme d'efficacité qu'on peut mettre Pabst au niveau des plus grands tels que Lang, Welles ou Dreyer. Et il y a l'envoûtement que crée la gestuelle de Louise Brooks, ce rythme insensé durant 133 minutes, ce périple morbide haletant. Et quand Jack l'éventreur se pointe c'est la cerise sur le (merveilleux) gâteau...

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J'ai à la maison un petit bonhomme qui saute dorénavant de joie quand je lui réponds que "Oui le film que je vais lui faire voir est en noir et blanc". Et quand je rajoute que c'est muet, le bonheur est pour lui à son comble.

Alors après ceux qui font désormais partie de ses idoles, Chaplin et les Marx Brothers, j'ai décidé de lui faire découvrir Buster Keaton.

Le verdict fut sans appel : j'ai cru que j'allais le perdre, qu'il allait s'étouffer à force de rire.

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Le film met un peu de temps à démarrer, en cela on constate que Keaton contrairement à Chaplin a besoin de mouvement, pour ne pas dire de furie, pour exprimer son immense talent, mais quand ça part c'est phénoménal, c'est un déluge de gags, de cascades. Comme souvent avec Buster, on se pince régulièrement tellement ce qu'on a sous les yeux parait techniquement inexplicable. Le genre de truc qui te rappelle pourquoi tu aimes tant le cinéma (et par la même occasion voir un petit bonhomme commencer à être sacrément piquousé aussi)...

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J'ai trouvé ce "Journal d'une fille perdue" aussi beau, troublant et déchirant que "Loulou" avec lequel il partage d'ailleurs bien des points communs au-delà de Louise Brooks. Mais Louise Brooks parlons-en, car elle conditionne selon moi la manière dont Georg Wilhelm Pabst fabrique son film, ou plutôt ses deux films. Le visage si fascinant qui encourage le gros plan, comme si la caméra se trouvait elle-même hypnotisée, et chose plus déconcertante, le réalisateur semble voir en sa muse un être sacrificiel.

Ce qui provoque deux grands films qui méritent de rentrer directement au sommet du sondage "Les meilleurs films de descente aux enfers".

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Nouveau plaisir Keatonien partagé en famille, et en particulier avec le fan numéro un de Buster âgé d'un peu plus de dix ans et qui une nouvelle fois m'a réclamé le droit de mettre plus de 10/10 à un film. Si la première partie peut paraitre étonnamment calme la suite est un festival, un déluge, y compris au sens premier du terme, de cascades et de rire. Avec comme souvent un paquet de fois où on se demande comment telle ou telle scène a pu être réalisée. Du grand spectacle impérissable, indémodable, à consommer sans modération et à plusieurs...

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C'est chouette une salle de cinéma qui vous offre deux films pour le prix d'un et qui après Beckett vous permet d'aller au "Cirque" de Chaplin en mode ciné-concert.

Et de vérifier, grâce au nombre et à l'intensité des éclats de rire, que la magie est intacte, que ces classiques absolus transcendent les générations.

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Après Chaplin, Keaton et les Marx Brothers, le petit bonhomme de la famille qui conçoit difficilement de regarder autre chose que des films en noir et blanc mais surtout muets, a découvert Harold Lloyd. Et c'est peu de dire qu'il a approuvé cette petite merveille qui recèle une des images les plus mythiques de l'histoire du cinéma.

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"Nanouk l'Esquimau" est certes un documentaire immense, certainement l'un des plus importants de l'histoire, et pas uniquement pour le cinéma, mais c'est avant tout un grand film d'aventure, spectaculaire, émouvant, captivant.

Ce film de 1922 raconte en 53 minutes bien plus sur la vie que tant d'autres en 3 heures...

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On peut voir dans cette "Fin de Saint-Pétersbourg" un film "historique" documentant la révolution soviétique, mais à ce niveau-là il y aurait beaucoup à discuter. Pour moi c'est surtout par instants une leçon de cinéma, de mise en scène, de montage, donnant lieu à des scènes tout bonnement époustouflantes. Il y a donc de l'Histoire à aller chercher ici, mais surtout celle du septième art.

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"Une page folle" n'est pas qu'une curiosité pour fouineur en quête de films considérés comme disparus et réapparaissant un jour comme par miracle. Il s'agit avant tout d'une œuvre expressionniste, avant-gardiste, qui assume son aspect insondable jusqu'au bout. Teinosuke Kinugasa, qui signera ensuite des choses bien plus classiques, ose tout en terme de mise en scène, à tel point qu'on a du mal à croire qu'il ait accouché d'une telle folie il y a presque 100 ans.

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Tout est ici est à la fois drôle et émouvant : le récit et les les situations qui en découlent, les personnages, le jeu de Buster Keaton. Mais aussi ce que ce film représente dans l'histoire du cinéma, la fin d'une époque, d'un type de mise en scène et de rythmique qui parvenaient alors à atteindre une sorte de perfection prenant en compte toutes les contraintes du muet, et d'un type de jeu que Keaton représentait si bien, celui d'un génie dont on se souvient autant pour un faciès que pour l'acrobate qu'il était, celui qui maîtrisait l'espace, les décors comme personne.

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L'aspect avant-gardiste du montage frénétique, les différentes nuances de sépia, la folie qui s'en dégage, voilà pas mal d'éléments qui rapprochent dans sa forme ce "Ménilmontant" du mouvement Dada mais aussi d'un certain cinéma soviétique. Un étonnant mélodrame qui débute comme un film d'horreur...

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Jean Epstein est probablement le réalisateur qui a le mieux filmé les îles et ses habitants, et surtout la rudesse de leurs vies. Ici comme dans "Le Tempestaire" il applique la fiction sur un fond documentaire, avec un réalisme déchirant.

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Jean Epstein encore, et à nouveau oubli coupable de notation car ce court est une leçon de mise en scène, de travail novateur sur le traitement de l'image. Impressionnant.

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Marcel L'Herbier étant tout de même un des réalisateurs qui a un jour réussi à bouleverser mon Top 10 j'aborde chacune de ses œuvres avec un certain frisson. Et là même si c'est bien moins renversant que "L'Inhumaine" il s'empare de Zola avec fougue et certains plans sont comme souvent avec l'un des metteurs en scène majeurs du muet complètement dingues.

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Ce premier "Monde perdu" n'est pas un chef-d’œuvre, juste une curiosité technique et un bonbon fun qui va à 100 à l'heure. Ça a presque 100 ans et pourtant je suis certain que n'importe quel gamin, pourtant dorénavant saturé d'images, ouvrirait de grands yeux devant un tel spectacle.