Les meilleurs films sur la peinture selon abscondita

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D'après la vie et la mort du peintre et graveur Utamaro Kitagawa.

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Le film Pollock a été tourné à New York et dans la propriété Pollock/Krasner à Long Island. Pour mettre en scène l'univers de Pollock, le chef-décorateur Mark Friedberg a restauré la maison du couple Pollock/Krasner, la grange adjacente où peignait l'artiste, le magasin où il achetait ses fournitures, exactement comme ils étaient à l'époque. Par ailleurs, il a également recrée le style des appartements de Greenwich Village, galeries d'art, et des différents endroits qui sont le contexte de l'histoire de l'artiste.

Afin de peindre le portrait de Jackson Pollock, Ed Harris a tenté de montrer avec précision un processus artistique de création qui à l'époque était à la fois spectaculaire et déconcertant. De manière à ce qu'il y parvienne, le réalisateur a commencé à explorer la peinture et ses techniques au début des années 90 puis à peindre et à dessiner. L'influence fut telle que Ed Harris s'est même fait installer un petit atelier pour avoir l'espace au sol nécessaire et travailler sur des toiles de plus grandes dimensions.

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Un film fantastique autour d'un tableau très particulier...

Pour la réalisation des deux portraits de Dorian Gray, Albert Lewin a confié la version non corrompue à Malvin Marr Albright et celle du portrait maléfique à son frère, Ivan Albright. Ils étaient tous les deux des peintres au 20ème siècle. Malheureusement, la peinture de Malvin Marr ne fut pas retenue et fut remplacée par un dessin de Henrique Medina.

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Un homme mort se retrouve à l'intérieur des tableaux peints par sa femme. Très belle esthétique du film.

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Douze tableaux furent peints par John Decker pour le film, oeuvres censées être réalisées par le personnage principal joué par Edward G. Robinson. Elles seront par la suite envoyées au MoMA de New York pour une exposition spéciale en mars 1946.

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Le personnage de Damien devait être, à l'origine, un photographe. Mais, lorsque Damien Bonnard est arrivé sur le projet, Joachim Lafosse a modifié ceci en se servant de l'expérience personnelle du comédien, qui a fait les Beaux-Arts (il a été l’assistant de la peintre bruxelloise Marthe Wéry). Le cinéaste note : "Tout au long de l’écriture je rendais souvent visite à Piet, et j’ai souhaité que son atelier se transporte en quelque sorte sur le film : de même que l’atelier de Bernard Dufour était celui de Michel Piccoli dans La Belle Noiseuse, l’atelier de Piet Raemdonck, transporté sur le décor, est devenu celui de Damien Bonnard."

"Damien a passé trois semaines avec Piet, ils ont préparé ensemble les toiles pour le film, Damien en commençait certaines, que Piet terminait. Plusieurs ont été peintes entièrement à deux, comme celle que, dans le film, Damien peint en pleine crise. Quand j’ai vu les toiles dans le décor, le film a commencé à vivre."

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Tous les tableaux du film ont été peints par Jeanne Goupil, diplômée des "Arts Décoratifs" et épouse de Joël Séria.

Pont-Aven est devenue une halte obligatoire pour de nombreux peintres à la fin du XIXème siècle. Gauguin, Robert Wylie et Charles Way y sont passés pour s'inspirer des magnifiques paysages du littoral.

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Biopic romancé de Toulouse-Lautrec

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Le professeur d'art plastique

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Achille et la tortue est le troisième volet d'une trilogie sur la création. "Dans Takeshis', je racontais le conflit entre Beat Takeshi, la star de cinéma et Takeshi Kitano, la personne qui je suis dans l’intimité, avec en toile de fond, des considérations sur ma vie amoureuse passée", raconte le réalisateur. "C’est l’histoire d’un comique qui perd pied, à force de jouer différents rôles. C’est devenu un film très étrange (...) Glory to the Filmmaker racontait l’histoire d’un metteur en scène qui s’interroge sur le genre de films qu’il veut réaliser (...) J’avais l’ambition de faire un film fellinien mais le résultat s’est avéré totalement différent. Néanmoins, mon film traite du dilemme entre ambition artistique et succès populaire. Achille et la tortue est la somme de mes investigations. Mon personnage de peintre croit qu’il est talentueux alors que le monde entier pense l’inverse. L’implication totale dans un processus créatif est la solution du problème. La question de savoir si l’oeuvre sera un triomphe n’est pas pertinente (...) S’investir totalement dans l’acte créatif devient de l’art en soi et ce processus se suffit à lui-même. C’est la conclusion à laquelle parvient mon personnage. La mienne, c’est qu’il est fondamental de continuer à travailler et à jouer la comédie, contre vents et marées."

« Avec du recul, je constate à quel point les deux premiers épisodes, Takeshis’ et Glory to the Filmmaker! sont bizarres. Je traversais une période de remise en question... En ce qui concerne Achille et la tortue, j’avais accepté la réalité de mon âge, j’étais à l’aise et apaisé. »

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Salma Hayek elle-même a réalisé certaines des peintures visibles dans Frida. Elle n'avait jamais pratiqué la peinture auparavant mais ses oeuvres ont époustouflé par leur maîtrise l'équipe du film.

Frida Kahlo est aujourd'hui l'une des artistes peintres les plus prisés par les collectionneurs du monde entier. Un timbre commémoratif à son effigie vient d'être imprimé aux Etats-Unis, ce qui représente dans ce pays une première pour une femme d'Amérique Latine.

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Au cœur du récit se trouve une maison abandonnée où quatre cousins découvrent des archives du XIXe siècle : photos, peintures, carnets… Cette découverte leur fait remonter le temps et les pousse à interroger leur passé familial. Klapisch explique que, comme souvent dans ses films récents, le thème de la transmission est central. Mais ici, il s’élargit à l’héritage artistique : que nous laissent la peinture et la photographie en termes de mémoire, de regard, et de sens ?

Cédric Klapisch a travaillé avec son chef opérateur Alexis Kavyrchine pour donner une texture particulière à l’image. Pour 1895, ils ont cherché à imiter les autochromes, premières photos couleur, avec du grain, des contrastes doux et une lumière naturelle. Ils ont aussi repris des cadrages directement inspirés de tableaux de Monet ou Degas. Le film débute même par un plan conçu comme une reconstitution d’un tableau de Monet peint à la gare Saint-Lazare.

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La Mère de Whistler est un tableau du peintre américain James Abbott McNeill Whistler, peint en 1871 à Londres et représentant la mère de l'artiste, Anna McNeill Whistler. Acheté par l'État français en 1891, il est conservé au musée d'Orsay à Paris. Et il est au cœur de l'intrigue de ce film avec une analyse magistrale de Mr Bean de cette œuvre.