« Once you're a parent, you're the ghost of your children's future. » JOSEPH COOPER

Lynda Obst et le physicien théoricien Kip Thorne ont pour ambition de concevoir un film de science-fiction spatiale reposant sur une base scientifique aussi solide que possible. Contrairement à de nombreuses œuvres du genre, le projet ne doit pas sacrifier la crédibilité au profit du spectaculaire. Les deux producteurs s'appuient donc directement sur les recherches de Thorne en relativité générale, en cosmologie et en astrophysique. Selon certaines hypothèses issues de ses travaux, les trous de ver pourraient théoriquement relier deux régions très éloignées de l'espace-temps et rendre envisageables des voyages à travers le temps, sans pour autant contredire les lois connues de la physique.

Jonathan Nolan est alors chargé d'écrire le scénario de ce projet, développé à l'origine par DreamWorks Pictures. Le studio envisage d'abord Steven Spielberg pour en assurer la réalisation, séduit par le mélange d'émotion humaine et de science rigoureuse proposé par le script. Cependant, le développement du film est ralenti par une grève des scénaristes hollywoodiens, qui bouleverse de nombreuses productions. Au fil des années, Spielberg se retire finalement du projet, ouvrant la voie à une nouvelle direction artistique.

Christopher Nolan reprend alors le projet imaginé par son frère Jonathan et entreprend de remanier le scénario afin qu'il corresponde à sa vision cinématographique. Kip Thorne demeure un collaborateur essentiel tout au long de la production, veillant à ce que les concepts scientifiques demeurent crédibles. Il participe notamment à la conception de phénomènes comme le trou noir Gargantua ou le trou de ver, dont les représentations visuelles sont élaborées à partir de véritables calculs physiques. Le physicien impose deux règles fondamentales : aucune scène ne doit contredire les lois établies de la physique et toutes les spéculations présentées doivent découler d'hypothèses scientifiques sérieuses, jamais d'une simple invention scénaristique. Nolan accepte ces contraintes, convaincu qu'elles renforceront l'immersion du spectateur sans nuire à la puissance dramatique du récit.

Cette collaboration entre Christopher Nolan et Kip Thorne se révèle particulièrement fructueuse. Les calculs scientifiques réalisés pour représenter Gargantua permettent de produire des images inédites, d'un réalisme exceptionnel. La qualité du travail des équipes d'effets visuels est récompensée par l'Oscar des meilleurs effets visuels.

En 2014, Interstellar sort au cinéma et s'inspire effectivement des recherches de Kip Thorne, en particulier de ses travaux sur la relativité générale, la gravitation, les trous noirs et les trous de ver. Le film constitue ainsi un exemple rare d'œuvre de science-fiction où les hypothèses scientifiques les plus ambitieuses servent de fondement au récit plutôt que de simple décor.

En reprenant ce projet initialement développé par Steven Spielberg, Christopher Nolan a hérité, ou plutôt assumé, une forme de sentimentalisme propre à son illustre prédécesseur. Il livre ainsi son film le plus ouvertement émouvant, peut-être aussi parce qu'il semble être l'un de ses films les plus personnels. Nolan paraît parfaitement conscient des caractéristiques de son œuvre et, à bien des égards, le film peut être lu comme une réflexion sur son propre cinéma, sur cette approche du médium souvent qualifiée, à tort, de froide ou de cérébrale. Ici, la science et les concepts complexes ne constituent jamais une fin en soi : ils deviennent les instruments d'une histoire profondément humaine. Si les émotions sont plus évidentes que dans ses précédents travaux, l'intelligence du film demeure profondément ancrée dans la démarche du cinéaste. Nolan ne renonce donc pas à la rigueur de son cinéma, mais cherche au contraire à démontrer que la raison et l'émotion peuvent parfaitement coexister.

D'aucuns reprocheront au film son sentimentalisme, mais celui-ci n'est jamais véritablement surfait, tant il demeure cohérent avec le propos. Derrière tout le verbiage scientifique, lui aussi susceptible d'être réprimandé pour sa tendance à expliciter constamment ses concepts, c'est précisément ce cœur qui bat à travers l'ensemble. Le film développe notamment un discours sur la place de l'amour dans la science et dans notre compréhension du monde. Dit ainsi, le concept pourrait sembler naïf, voire complètement idiot, mais c'est justement la question que Christopher Nolan pose à son propre cinéma : que reste-t-il de l'humain lorsque la raison nous pousse jusqu'aux confins de l'univers ? En s'aventurant dans l'environnement le plus éloigné possible de l'humain, cet espace noir, froid et apparemment vide, Nolan semble volontairement se priver de tout repère affectif pour mieux laisser parler ses personnages. Son cinéma s'est souvent articulé autour de la perte de l'être aimé et Joseph Cooper s'inscrit pleinement dans cette tradition hanté par une absence. Mais, contrairement à d'autres héros du cinéaste, son obsession n'est pas ici de venger sa femme : elle consiste à retrouver sa fille, ou plutôt à la sauver, quitte à sacrifier toute possibilité de vivre auprès d'elle.

Matthew McConaughey incarne Joseph Cooper et les quarante premières minutes consacrées à son personnage constituent une véritable réussite du genre. Dans la plupart des films de science-fiction, l'introduction sert à préparer physiquement le héros à l'aventure qui l'attend : entraînement, découverte de ses capacités ou acquisition d'un équipement particulier. Christopher Nolan casse ici ce schéma en proposant une préparation essentiellement psychologique, qui concerne moins le héros lui-même que la relation fusionnelle qu'il entretient avec sa fille Murphy, interprétée enfant par Mackenzie Foy puis, adulte, par une Jessica Chastain particulièrement forte. Avant même de quitter la Terre, Cooper est donc confronté à son véritable enjeu : accepter de perdre sa fille pour avoir une chance de sauver l'humanité. Sauver l'humanité implique de renoncer aux siens ; l'idée est simple, mais Nolan la pousse jusqu'à son extrême en développant le lien d'amour filial sur l'ensemble de la narration.

Le lien entre Joseph Cooper et sa fille n'est d'ailleurs pas le seul à se défaire avant de devoir être renoué. Christopher Nolan décline cette logique à travers plusieurs personnages, notamment Amelia Brand et son père John Brand, interprétés par Anne Hathaway et Michael Caine, deux habitués de son cinéma. À cela s'ajoute le lien entre Amelia et Edmund, son amour disparu, dont elle reste profondément attachée malgré la distance qui les sépare. Même le rapport du docteur Mann à l'humanité repose sur cette impossibilité de maintenir un lien lorsque l'isolement devient insupportable.

L'aspect dramatique n'épargne aucune effusion et tire ouvertement sur la corde sensible du spectateur. Qu'on soit adepte ou non des larmes, l'émotion finit pourtant par guider notre perception de la tragédie qui se met progressivement en place. Le paradoxe temporel rend cette séparation particulièrement douloureuse : Cooper ne vit que quelques heures ou quelques jours là où, sur Terre, plusieurs décennies s'écoulent, jusqu'à voir sa propre fille le dépasser en âge. Pourtant, le lien qui les unit ne s'effrite jamais complètement avec le passage du temps, même lorsque Murphy finit par détester son père pour l'avoir abandonnée. Elle comprend progressivement que cette absence était aussi une tentative désespérée de la sauver, notamment lorsqu'elle découvre que les phénomènes qu'elle attribuait à un fantôme étaient en réalité provoqués par Cooper lui-même.

Matt Damon, dans le rôle du docteur Mann, concentre quant à lui toute la dramaturgie autour de la solitude. Son personnage est la manifestation la plus radicale de cette peur de l'isolement qui traverse le film : présenté comme l'un des scientifiques les plus brillants et les plus courageux de la mission, il se révèle finalement être l'un de ses hommes les plus lâches. Son nom n'est d'ailleurs pas anodin : « Mann » signifie littéralement « homme » en allemand et évoque évidemment le « Man » anglais. Il devient ainsi une représentation presque abstraite de l'être humain confronté à son instinct de survie. Il est le revers d'une même médaille : grand savant et traître, capable de repousser les limites de la connaissance mais incapable d'affronter seul les conséquences de ses actes. Sa tentative de meurtre sur Cooper est parfois bavarde et ampoulée, mais la séquence possède une véritable force dramatique grâce à l'action désespérée de cet homme qui refuse de mourir seul. Pour ne plus être isolé, Mann est donc prêt à tuer : une proposition profondément paradoxale qui enrichit le discours du film sur les rapports entre survie, humanité et solidarité.

Christopher Nolan privilégie depuis longtemps les narrations éclatées et son film témoigne une nouvelle fois d'une véritable science du montage parallèle. L'écriture comme la mise en scène renforcent la puissance des événements en les faisant dialoguer simultanément, notamment lorsque les temporalités terrestres et spatiales finissent par se répondre. Son obsession majeure semble justement être le dialogue entre le passé et le présent, entre ce qui a été vécu et ce qui continue de déterminer nos actions. C'est pourquoi ses films sont régulièrement construits à partir de flashbacks, d'ellipses et d'allers-retours temporels : le passé informe le présent, tandis que la mémoire devient à la fois traîtresse et moteur de nos décisions. Les obsessions de ses personnages naissent souvent de souvenirs qui refusent de disparaître, qu'il s'agisse de vengeance, de culpabilité ou de perte. Cette obsession prend la forme du fantôme : Cooper devient lui-même le fantôme de Murphy, tandis que le film met en scène, une nouvelle fois mais sous une forme différente, ce dialogue entre passé et présent. Il s'agit alors de corriger ce qui semble irréparable, de rattraper le temps perdu et de retrouver ceux que le temps a éloignés. Le temps, chez Nolan, n'est jamais une simple mesure : il constitue une force dramatique capable de séparer les êtres autant que de les réunir.

Hans Zimmer n'avait finalement pas menti : sa partition marque une rupture assez nette avec ses précédentes collaborations avec Christopher Nolan. Le compositeur délaisse en partie les sonorités orchestrales traditionnelles pour placer l'orgue d'église au centre de la musique, conférant à l'expérience une dimension presque mystique et majestueuse. Le choix est particulièrement intéressant puisque le divin est paradoxalement absent de ce film qui donne pourtant à certains phénomènes une dimension quasi métaphysique. Car le film est avant tout un film célébrant la science, la connaissance et la rationalité, tout en reconnaissant leurs limites. Il ne faut pas attendre un Dieu pour sauver l'humanité : c'est l'Homme qui doit trouver les moyens de se sauver lui-même.

Interstellar apparaît finalement comme l'un des films les plus représentatifs des obsessions de Christopher Nolan, tout en étant celui qui les exprime avec le plus de sincérité émotionnelle. Derrière les trous de ver, les trous noirs et les paradoxes temporels se cache une histoire extrêmement simple : celle d'un père qui cherche à retrouver sa fille après avoir été séparé d'elle par le temps. Nolan transforme ainsi les concepts les plus vertigineux de la physique en outils dramaturgiques, faisant du temps, de l'espace et de la gravité les manifestations concrètes de la séparation. Interstellar cherche moins à raconter un voyage dans l'espace qu'à raconter ce que signifie être humain lorsque tout semble nous séparer. Et dans cet univers où les distances deviennent infinies et où le temps détruit les liens, Nolan place finalement l'amour comme la seule force capable de leur survivre.