Les films les plus attendus de 2025 selon takeshi29

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Boudés par le jury cannois ces "Feux sauvages" auraient très bien pu être ma Palme d'or. Parce qu'au-delà d'un art du montage prodigieux il y a dans ce nouveau Jiǎ Zhāng-Kē une ode au souvenir, au cinéma, à l’Histoire d’un pays en mutation. Et bien entendu il y a le regard d'un cinéaste amoureux, qui nous donne à voir une femme, une muse déambulant dans une filmographie qui même fragmentée fait sens et finit par créer un récit à part entière. Et que c'est beau de voir un personnage autant qu'une actrice vieillir sous l’œil d'une caméra et donc sous celui du spectateur.

Durant toute la projection j'étais persuadé que ce film était terriblement excluant pour qui ne possédait pas les clés du cinéma de JZK, sentiment renforcé par le départ d'un membre du public en cours de route. Mais aujourd'hui une personne m'a dit ne rien en connaitre et avoir pourtant été totalement hypnotisée. Comme quoi le plaisir de se perdre peut tout supplanter...

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Fidèle à elle-même Marie Losier dresse le portrait d'une personnalité à la marge, et chez elle la forme rejoignant le fond elle continue à explorer un style à la limite de l'expérimental, rappelant ses liens avec l'underground new-yorkais. "Peaches Goes Bananas" est donc un objet tout aussi punk que cette artiste canadienne fascinante de radicalité, qui aborde la scène comme un lieu de liberté, de provocation, de performance mais aussi comme un lieu politique. La femme est clivante, le film l'est forcément autant, mais pour moi ces 73 minutes furent un bonheur.

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Je tiens avant tout à rassurer deux catégories de spectateurs : ceux qui en auraient marre d'Isabelle Huppert qui il faut l'avouer est partout tout le temps, et ceux qui auraient peur de voir un film flou. La première doit se dire que la dame n'est jamais aussi bien que chez le cinéaste coréen, et donc ici elle pétille, elle amuse, elle semble réapprendre son métier ou plutôt en revenir aux sources. Quant à la seconde cette fois il a réglé l'objectif de la caméra 😉. Pour le reste c'est du Hong Sang-soo pur jus, avec bibimbap et makgeolli comme s'il en pleuvait. Un HSS qui continue à épurer, à simplifier ses variations, et selon moi plus il le fait plus il est mélancolique et introspectif, donc touchant. Après il n'y a pas de secret : ceux qui font partie de la secte continueront à aimer, les allergiques resteront allergiques.

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C'est peu de dire que le nouveau film d'Adam Elliot était attendu, Une quinzaine d'années depuis le fameux "Mary et Max." qui avait fait verser des hectolitres et des hectolitres de larmes. Avec "Mémoires d’un escargot" le réalisateur australien, et c'est selon moi sa limite, a choisi de continuer à creuser le sillon du malheur, du lacrymal, et il a chargé la barque au risque de la faire couler. Mais il faut lui reconnaitre un réel savoir-faire pour le genre mélo avec soupapes comiques afin d'éviter des suicides collectifs dans les salles.

Donc cette fois encore ça fonctionne, y compris parce que techniquement ça reste bluffant, mais attention Adam, si tu nous ressers le même genre de récit la prochaine fois on pourrait te soupçonner d'avoir trouvé une recette magique et de te contenter de réchauffer le plat. (Des escargots réchauffés ça doit vraiment pas être terrible...)

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Je faisais partie de ceux qui attendaient avec impatience l'après-"Fils de plouc" et je reconnais que j'avais quelques craintes de voir les frangins Guit dans l'obligation de lisser, au moins un peu, leur univers d'une bêtise sans limite. Et si on peut considérer cet "Aimer perdre" comme moins trash, moins extrême, il détonne malgré tout sacrément. Car les bases sont là avec ces personnages sans morale, anars sans objectif dans la vie à part glander et emmerder le monde. Le casting est toujours aussi dément, les guests comme Melvil Poupaud, Catherine Ringer ou encore Michael Zindel (La révélation du "Dernier des Juifs") semblant prendre un plaisir absolu à accompagner la bourrasque Maria Cavalier-Bazan. Bref ceux qui aiment le cinéma rock'n'roll, qui ont par exemple regretté il y a peu qu'un truc comme "Fotogenico" soit si rare sur les écrans, devraient trouver leur compte à partir du 26 mars prochain.

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A vrai dire, après les échos loin d'être positifs que j'avais reçus je m'attendais à pire. Car si clairement on sent le phénomène assez fréquent quand un réal part travailler aux USA, c'est-à-dire le film dont la production a trainé en longueur et a donné lieu à pas mal de péripéties, si le propos politique parait déjà dépassé tant la réalité dépasse désormais la fiction, si le film aurait dû être bien plus ramassé afin d'éviter l'énorme temps mort entre l'entame très maligne et la dernière heure efficace, on y retrouve malgré tout Bong Joon-ho, entre autres "The Host", "Okja" et "Snowpiercer". Et si l'amalgame ne se fait pas toujours bien le film de SF avec bébêtes est bien foutu et accouche même de très belles scènes sur la fin. En revanche il faut absolument que le cinéaste coréen abandonne l'idée de faire dans le burlesque, parfois dans la salle je me serais cru à un repas de famille où le tonton gênant balance sans arrêt des blagues affligeantes.

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Wáng Bīng continue à documenter son pays, et c'est toujours aussi fascinant à voir. Là où le premier volet, "Le Printemps", avait quelque chose d'étonnamment lumineux, celui-ci, comme son titre l'indique, révèle une face plus sombre de ces ateliers textiles, laissant moins de place à cette vision d'une jeunesse assez innocente. A l'heure de la fast fashion chaque lycée devrait passer une petite heure de ces "Tourments" à tous nos ados, pour qu'ils voient de manière concrète le revers de la médaille...

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Six ans après ses vertigineuses "Étendues imaginaires" le Singapourien Yeo Siew Hua est de retour avec ce thriller paranoïaque qui interroge en profondeur la question de surveillance généralisée, et en particulier notre passivité, pour ne pas dire notre consentement face au phénomène. La mise en scène est d'une maîtrise absolue, quant au scénario qui lorgne fort sur "Fenêtre sur cour", au bout d'un moment ça se répète tout en restant assez fascinant. À moins que ce ne soit justement parce que ça se répète que c'est aussi fascinant.

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Au même titre que celui d'un autre duo, Jonathan Vinel et Caroline Poggi, je classerais volontiers le cinéma de Bruno Forzani et Hélène Cattet parmi les plus stimulants du moment. Jamais parfait mais tellement excitant, le genre de chose dont on se dit qu'on n'en voit pas tous les jours. Ici les premières minutes sont tout simplement renversantes, la photo, la mise en scène rappellent les claques administrées par un Gaspar Noé. Si parfois leur travail a les limites du théorique, de l'hommage cinéphile, cette fois le scénario n'est certes pas à la hauteur de l'emballage mais n'est pas dénué de tout propos politique, comme si la machine à remonter le temps d'un genre révolu permettait de parler de l'époque, sans en faire un traité.

Ces gens ont assurément du goût, j'en ai eu une preuve supplémentaire : après m'avoir dragué précédemment en me parlant de giallo ou de Jean-Patrick Manchette, ils m'ont définitivement conquis en reconnaissant à Christophe le statut de génie. Celui qui composa le thème mythique de "La Route de Salina".

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Wáng Bīng conclut remarquablement sa trilogie, par son art du montage il parvient à amalgamer tout ce qui faisait les deux premiers volets sans pour autant se répéter. Cette fois, comme le titre l'indique on va plus au pays, mais les allers-retours avec les ateliers (moins vivants cette fois) sont fréquents. Et comme s'il savait qu'on a besoin d'un brin d'espoir à travers leur énergie, ce sont les jeunes qu'il convoque pour clore ces presque 10 heures de film.

En parlant de durée, si ce "Retour au pays", qui sortira le 9 juillet, est le plus bref de la trilogie il est aussi le plus dense. C'est un constat, pas un jugement, car j'aime aussi particulièrement quand l'un des plus grands documentaristes de notre époque prend tout son temps.

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Je me suis fait une réflexion toute bête en sortant de la salle, que je n'avais pas vu un film aussi cool depuis bien longtemps au cinoche. Et j'avoue que je n'attendais pas forcément Paul Thomas Anderson sur ce terrain, disons celui anciennement réservé à des cinéastes tels que Tarantino ou les frangins Coen. 2h42, sur le papier le truc peut paraitre pachydermique, et pourtant, en tout cas chez moi, pas un instant d'ennui, uniquement du plaisir presque enfantin, celui de voir un gars largué en robe de chambre, un prof de karaté qu'on pourrait croire sorti de chez Wes Anderson à l'époque où celui-ci était encore inventif ou encore un suprémaciste aussi boursouflé que le jeu de Sean Penn. En gros j'ai eu le sentiment de sortir d'un film comme on n'en fait plus des masses, qui ringardise tous ceux qui se lancent dans des trucs trop gros pour leur talent modéré, genre Chazelle ou Aster. Regardez comment PTA utilise un paysage qui devient instantanément une attraction foraine, une musique qui se fait quasiment protagoniste, comment chez lui des acteurs tels que Di Caprio ou del Toro semblent trouver une nouvelle jeunesse tout en assumant leur âge.

C'est rare le cinéma qui fait du bien tout en n'oubliant pas qu'il s'inscrit dans une époque et un pays où tout est mortifère.

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L'Islande tient en la personne de Hlynur Pálmason un très grand réalisateur, et je suis persuadé qu'un jour il accouchera d'un film immense. Et après "Godland" il l'a à nouveau frôlé avec "L'Amour qu'il nous reste", œuvre qui m'a à la fois hypnotisé, secoué, impressionné durant largement plus d'une heure. Jusqu'à ce qu'interviennent dans le scénario des éléments un brin abscons. Je n'en nie pas la légitimité mais personnellement ils m'ont un peu sorti de cet enchantement que je vivais à suivre cette famille désunie sans l'être totalement, se raccrochant désespérément aux restes d'amour du si beau titre.

On parie que le gars décroche une Palme d'or dans les dix ans qui viennent ?

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Je crois que je ne comprends plus Serebrennikov ou plutôt ce qui le pousse à faire ses films. En effet après son anodin et un peu pénible "Limonov" il met cette fois sa rage et ses excès, qui ont autrefois donné de sacrés objets certes inconfortables mais puissants, au service d'un truc au goût douteux, pour ne pas dire une faute de goût ou une faute morale. En tout cas il se frotte, je suis sûr avec une certaine fierté, à ce que j'appellerais la limite du travelling de "Kapò", mettant sur l'innommable du plan-séquence, un noir et blanc somptueux, bref tout l'attirail du grand cinéaste en action. Je me dois d'être sincère et dire que jeune apprenti amoureux du septième art j'aurais probablement crié au génie, au minimum j'aurais été impressionné, mais là j'ai juste eu le sentiment d'être poussé dans mes retranchements, et même de me faire un peu gifler. Ce que je peux aimer en art, si je n'ai pas la sensation d'être défié par quelqu'un persuadé d'avance de me mettre KO.

Je suis ressorti de cette séance d'autant plus en colère que les bonnes idées de cinéma ne manquent pas au cours de ces 136 minutes, comme celle de la couleur dans ce qui ressemble presque à un film de vacances. Cet artifice-là est signifiant, raconte quelque chose de ces cerveaux malades, contrairement à beaucoup d'autres bien trop malins pour être honnêtes.

NB : Je crois me souvenir, à l'époque de Cannes, avoir entendu Olivier Guez dire le plus grand bien de ce qu'avait fait Serebrennikov de son texte. Ça me trouble suffisamment pour entamer immédiatement la lecture du roman.

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Rebecca Zlotowski investigue ici un registre sur lequel je ne l'attendais pas : celui de la comédie policière, pas si éloignée des aventures du couple Beresford de Pascal Thomas. Sauf que chez elle les choses se veulent plus sombres, ne serait-ce que par une photographie pas forcément heureuse, et psychanalytiques. L'ensemble est sympathique, Jodie Foster est absolument formidable à l'image d'un casting où quelques seconds rôles (Frederick Wiseman et Aurore Clément par exemple) ont fait mon bonheur, mais c'est le type de film qu'on oublie rapidement. Peut-être et tout simplement parce que la cinéaste est plus à l'aise avec le drame.

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Les fidèles de Hong Sang-soo ne seront pas perdus, tous ses fondamentaux sont là. Le grand cinéaste coréen connu pour ses variations en propose quasiment une du "Get Out" de Peele, seulement forcément chez lui ça picole sévère et étant donné que l'état psychique du bonhomme va beaucoup mieux, cette fois en plus de se voir en poète raté il se considère comme un réalisateur de vidéos de mariages...

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Radu Jude est ce que j'appellerais un cinéaste stimulant. S'il est bavard ce n'est pas pour rien dire, chez lui il y a de l'intelligence et de la matière à réflexion. S'il défonce l'époque, la lâcheté, l'hypocrisie ambiantes, c'est sans misanthropie car ses personnages se débattent avec leur conscience, donc en ont une. Et ce qui est probablement le plus redoutable, c'est qu'il nous tend un miroir, nous met face à nos contradictions, avec toujours un sourire malin.

Ici j'ai autant décrit "Kontinental 25" que plusieurs de ses films précédents, car si l'emballage varie beaucoup, on est en effet ici très loin de la folie formelle de "N'attendez pas trop de la fin du monde" et "Bad Luck Banging or Loony Porn" par exemple, on y digresse toujours autant et la rage est la même. Avec ce nouveau film où l'absence d'"image cinéma" peut déstabiliser le réalisateur roumain va d'avantage droit au but, il enlève tout le gras comme pour dire qu'il n'y a aucune raison de rendre agréable à l’œil un monde dégueulasse.

L'automne 2025 sera très Jude puisque ce "Kontinental '25" devrait sortir fin septembre puis moins d'un mois plus tard nous est promis un énigmatique "Dracula".

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« C’est pas en suivant les règles que j’arriverai où je veux aller » (JLG pas encore JLG)... (cf critique)

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Comme trop souvent j'ai le sentiment que le festival de Cannes a couronné un cinéaste plus qu'un film, et pour dire clairement ce que je pense, cette fois le moins bon film d'un grand réalisateur. En effet j'ai trouvé ce "Simple accident" en permanence explicatif, didactique, comme si pour atteindre une plus large audience, objectif louable et visiblement atteint, il fallait en passer par un "Iran pour les nuls". Après je reconnais que certaines scènes sont savoureuses, et je continuerai à admirer Jafar Panahi pour son immense courage, avec l'espoir de retrouver dès son prochain film sa subtilité habituelle, sa manière tellement "taquine" de dénoncer un régime oppresseur.

Je me doutais que le jury cannois, et Juliette Binoche en tête, avait fait un choix politique en palmant ce film, maintenant que je l'ai vu ça ne fait plus aucun doute. Et même si ça n'a rien de nouveau, en tant qu'amoureux de cinéma, et de Panahi je le répète, je le regrette amèrement.

NB : Étonnamment j'ai beaucoup pensé au cours de la projection à un film qui pourrait sembler bien éloigné ce celui de Panahi, le très réussi "Les Fantômes" de Jonathan Millet, mais aussi au diptyque documentaire de Mehran Tamadon que je ne peux que conseiller, "Mon pire ennemi" et "Là où Dieu n'est pas".

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Les deux derniers films de Sergei Loznitsa, sortis presque simultanément, "L'Invasion" et ce "Deux procureurs", partagent une même idée : le cinéma mérite du temps, surtout quand on fait confiance au spectateur. Donc on parle beaucoup dans ce récit qui peut se voir comme une parabole d'un monde qui perdure et où le point de départ pourrait bien être celui d'arrivée, ou un conte kafkaïen où il n'est pas interdit de sourire. Le film n'a donc rien d'austère, contrairement à ces décors, à ces visages, à ces environnements, symboles d'un système alimenté par des bureaucrates mortifères.

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Une fois n'est pas coutume une transposition de roman à l'écran m'a paru plus réussi que le roman lui-même. Certainement parce que Hafsia Herzi a su se départir du ton assez agressif de Fatima Daas pour s'approprier le texte et en sortir quelque chose qui lui ressemble.

Et dorénavant c'est certain l'actrice de talent est une véritable cinéaste qui a su digérer ses influences majeures, Kechiche et Pialat, sans rien en renier. Dans "La Petite Dernière" les relations sont complexes, l'évolution passe par le langage mais aussi le concret, l'expérimentation. Ce qui en résulte est très beau, le personnage de Fatima n'enterrant jamais son esprit frondeur mais s'abandonnant au vertige des corps. Le film est donc ancré dans le réel, dans quelque chose de sec, en cela le jeu accroché au sol de la débutante Nadia Melliti impressionne, jusque dans une sensualité qui ne regarde pas à côté. Et puis il y a cette scène finale avec la mère, cette discussion où les non-dits transpirent l'amour, où les maîtres de la réalisatrice ressurgissent très fort. Hafsia Herzi a appris d'eux que la vérité passe souvent par la durée, par une caméra qui ne lâche pas sa proie, en n'oubliant jamais qu'un silence vaut un mot, comme pour faire jaillir du personnage/acteur une intensité émotionnelle rare. Et à voir les yeux rougis quand les lumières se sont rallumées dans la salle cette émotion est contagieuse.

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Un Laxe actif ce n'est pas chiant du tout... (cf critique)

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Joachim Trier m'épate, son cinéma est en train de prendre une sacrée ampleur, avec une filmographie qui commence à vraiment raconter quelque chose sans rester les deux pieds dans le même sabot. Et en plus le gars ne doute de rien, genre « Et si je m'attaquais à Bergman ?». Le plus fou étant qu'il y parvient, avec une fresque qui aurait pu s'appeler "Scènes de la vie familiale". J'ai tout admiré ici, de la construction du récit à la mise en scène en passant par ces dialogues aussi cruels que déchirants, où un « Je t'aime » sonne comme un « Je te hais », et inversement. Ce Grand Prix cannois m'a donc bousculé, ou plutôt m'a fait passer par tous les états car si j'avoue avoir pleuré j'ai pas mal souri aussi. Et une dernière chose très très importante dans la réussite de ce "Valeur sentimentale" : Trier a acquis ce que seuls le talent mais surtout l'expérience permettent, il est devenu un très grand directeur d'acteurs, et ici ça saute aux yeux. Pourtant ça ne doit pas être chose facile de maitriser une bombe à retardement telle que Stellan Skarsgård.

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Pourquoi un accueil cannois frileux ? Pourquoi une moyenne ici-même qui est également bien tiède ? Je ne vois qu'une explication : les spectateurs attendaient du Guy Maddin, d'où leur étonnement, et pour certains déception, face à cette comédie au casting international XXL, parfois burlesque, frôlant il faut l'avouer avec le populisme, mais franchement désopilante.

Les temps étant ce qu'ils sont les gens ont besoin de défouloirs et en cela ce "Rumours" remplit parfaitement son rôle. Mais attention Maddin reste Maddin et le résultat est donc un OFNI, brûlot politique amusant certes mais aussi film de série B, voire Z, horrifique qui témoigne de l'amour éternel du cinéaste canadien (et de ses comparses Johnson) pour l'alternatif et l'expérimental. Et force est de constater que ce Maddin plus mainstream, avec de grosses guillemets malgré tout, a reçu de la part d'une salle remplie d'exploitants, de programmateurs, un accueil triomphal. Une chose est donc sûre : le film va bénéficier d'une distribution digne de ce nom, et ça c'est une formidable nouvelle.

« L’Allemagne emportée par l’émotion, on a déjà vu ça… »

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Après le clin d’œil à Rossellini c'est Antonioni que nous évoque cet "Aventura" ensoleillée. A moins que vous ne soyez plutôt de l'école Stone & Charden. Et c'est ça la force de Sophie Letourneur, mêler les deux, faire du populaire qui n'oublie jamais sa singularité, une certaine exigence quand on parle de structure narrative, de photographie, de mise en scène. Ceci donne comme toujours avec cette cinéaste qui laisse rarement indifférent un film certes drôle mais bien plus mélancolique que les précédentes (més)aventures de Sophie et Jean-Phi, 107 minutes extrêmement contrastées, où les regards fatigués ou absents comptent au moins autant que les rires. En seulement deux films Letourneur, par sa faculté à rendre tout naturel, est parvenue à faire croire en une famille qui ne serait pas que de cinéma, qui ressemblerait finalement à celle de pas mal de spectateurs. C'est probablement pour ça que les gens s'y rendent, à ma grande surprise, en famille, et que si j'en crois les réactions entendues dans la salle, l'effet miroir fonctionne à plein.

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J'ai d'abord craint la caricature du film indé avec ce 16 mm, ce côté crade un brin poseur, puis progressivement j'ai trouvé le geste plus sincère qu'on ne pourrait le croire et en vérité raccord avec la personnalité et le parcours de Kristen Stewart. L'univers de Lidia Yuknavitch semble lui correspondre, Imogen Poots est prodigieuse, et le résultat est une sorte de "The Outrun" de Nora Fingscheidt avec Saoirse Ronan, en plus sale, inconfortable, rappelant presque les premières tentatives énervées d'Asia Argento.

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Bien moins singulier que "Plan 75", "Renoir" emprunte cette fois le chemin plus traditionnel d'un certain cinéma japonais, celui qui mène aux enfants. Mais c'est comme si le film de Chie Hayakawa manquait de chair, comme si la cinéaste craignait qu'adviennent un quelconque émoi, une représentation trop vive du sentiment. On n'a pas vraiment la sensation d'être à hauteur d'enfant mais plutôt de la regarder avec un certain ennui évoluer. De beaux moments, quelques plans très soignés mais un ensemble qui peine à faire film. J'ai beaucoup pensé à "Déménagement", avec à la clé un constat simple : Chie Hayakawa a encore bien du chemin à faire pour rattraper Shinji Sômai, et donc son admirateur numéro un, Kore-eda.

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Pour faire simple ce "Resurrection" était sur le papier ma plus grosse attente de 2025, car l'équation Bì Gàn + Shu Qi pouvait potentiellement être source d'immmmmmmmense plaisir. Et la déception (Même si les échos cannois m'y avaient un peu préparé) fut à la hauteur de cette attente tant j'ai eu l'impression de voir un geste plein d'esbroufe, qui ne produit finalement pas grand chose. Geste d'un cinéaste qui à force d'entendre qu'il est un génie a fini par le croire, au point de s'autociter dans ses nombreux hommages. Forcément l'objet a de quoi faire illusion, le garçon a le sens de l'image, du plan, mais malgré quelques moments assez vertigineux je n'ai cessé durant ces 2h39 de me dire que la virtuosité pouvait parfois être sacrément vaine.

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Là où la majorité du cinéma allemand actuel explore son histoire et n'a de cesse de se repentir Christian Petzold continue à creuser une veine intimiste. On pourrait même dire de plus en plus intimiste, ou du moins faussement intimiste. Car après avoir convoqué dans un même geste Rohmer et les amants de Pompéi sous un sublime "Ciel rouge" il travaille cette fois une sorte de western à petite échelle, un vaudeville où Maurice Ravel et le soleil plombant feraient tourner les têtes et les cœurs, mais tout ça à bas bruit. Dans cette maison ou ce garage/grange vont se jouer des histoires douloureuses mais pas que, le peu de protagonistes étant amenés à révéler ses douleurs et à se reconstruire dans la foulée, en acceptant ses fantômes pour mieux les laisser partir.

Le film pourra faire l'effet d'une pièce mineure, où le spectateur a un temps d'avance sur les personnages, et pourtant il s'y joue beaucoup de choses. En réalité je me suis aperçu à l'issue de la projection que ce "Miroirs No. 3" pouvait laisser de marbre ou chambouler. Inutile de préciser que je fais partie de la seconde catégorie, peut-être parce que je suis dorénavant Petzoldolâtre, parce que j'aime sa façon d'envisager les relations entre les vivants, mais aussi les morts, parce que la manière dont sa caméra désire Paula Beer me touche. Je crois que je me sens tout simplement bien chez lui, que la photographie de Hans Fromm m'est désormais familière, tout comme cette façon de faire parler les lieux autant que les êtres. Bref son cinéma me fait l'effet d'un cocon, et j'aime m'y réfugier régulièrement.

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Radu Jude est très certainement le cinéaste le plus fou et le plus énervé du moment, il enchaine les courts et les longs, et c'est ainsi qu'à peine un mois après "Kontinental '25" débarque ce bien moins abordable "Dracula", à ne pas mettre sous tous les yeux, et ce pour plusieurs raisons. Disons qu'il vaut mieux être familier du cinéaste roumain avant de s'embarquer pour ces presque trois heures que n'auraient pas renié les affreux de Hara-Kiri, qui ressemblent à la chambre en bordel d'un sale gosse énervé. Si on connait le rapport aux images qu'entretient depuis fort longtemps le réalisateur, son attrait pour la provocation (loin d'être toujours gratuite) on pourra s'amuser de ce déluge de mauvais goût, miroir de l'époque, généré par IA, de ces "Dracula" plus que revisités et malmenés.

(Nous étions quatre dans la salle, deux sont sortis après environ 1h15. Illustration à mon avis de ce que je disais juste avant.)

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Malgré les retours cannois encourageants je n'étais pas totalement serein au moment d'aborder ce "Love Me Tender". Car je n'étais pas persuadé que le style Constance Debré soit véritablement transposable à l'écran, et je m'interrogeais sur cette durée dont je ne percevais a priori pas le sens. Et force est de reconnaitre qu'Anna Cazenave Cambet s'en est remarquablement sortie, qu'elle a eu raison de se concentrer sur les mots de la romancière sans forcément tenter de retranscrire à l'image son style rock'n'roll. En résulte un convaincant portrait de femme et de mère en (re)construction et surtout une histoire d'amour que le scénario sait traiter sans mièvrerie, avec la lucidité qui caractérise l'écriture de Debré. Et forcément il faut souligner la performance d'une Vicky Krieps pleinement investie, lumineuse et grave, douce et rugueuse, qui fait battre le cœur de ces 133 minutes. 133 minutes et finalement pas une de trop. "De l'or pour les chiens" avait fait naitre des espoirs, ce nouveau métrage à sortir le 10 décembre confirme qu'Anna Cazenave Cambet a quelque chose de vibrant à apporter au cinéma français.