Les meilleurs films français de 2025 selon takeshi29

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« C’est pas en suivant les règles que j’arriverai où je veux aller » (JLG pas encore JLG)... (cf critique)

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Si la mer est loin les larmes sont proches... (cf critique)

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Possiblement victime de l’époque mais aussi de ses propres excès Abdellatif Kechiche, et de nombreux monteurs pour l'aider, aura donc péniblement fini par livrer ce qui pourrait être son chant du cygne. Comme dans une œuvre empêchée, accouchée aux forceps, on perçoit ici un film inachevé, ou plutôt deux films en un : un très Kechichien, dans l’absolue continuité de "Canto uno", baigné de soleil et de désir, et un autre plus malicieux mais aussi plus sombre car montrant que jouer avec le feu a un prix, que l'innocence finit par se fracasser contre la "vraie vie", que les illusions se perdent même quand on s'amuse à vivre dans un vaudeville plein de couscous. Et que même des personnages qui n'ont pas vieilli au cinéma ont finalement dû se résoudre à encaisser les leçons de morale qu'impose la dizaine d'années séparant un "Uno" et un "Due".

Amin, alter ego de Kechiche, reste, presque malgré lui, un voyeur, un voyeur qui rêve d'Hollywood mais dont le père qui lui a donné vie à l'écran restera à tout jamais un cinéaste purement européen, qui réfléchit le cinéma comme acte de création, qui étire les scènes jusqu'à l'épuisement, qui filme les corps comme les mots, sans se soucier de la manière dont l'époque les reçoit.

Il y a une forme de logique à ce que Kechiche disparaisse du paysage, on pourrait dire de lui qu'il n'est plus adapté, que son cinéma ne correspond plus aux canons actuels, ceux dictés par N.... et donc le produit qui ne doit déranger personne, qui doit être oublié à peine vu afin de rentabiliser au maximum le « temps de cerveau humain disponible » cher au précurseur Patrick Le Lay. Désolé Monsieur Kechiche mais liberté et consommation ne sont pas compatibles, alors merci de laisser la place !

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Wáng Bīng continue à documenter son pays, et c'est toujours aussi fascinant à voir. Là où le premier volet, "Le Printemps", avait quelque chose d'étonnamment lumineux, celui-ci, comme son titre l'indique, révèle une face plus sombre de ces ateliers textiles, laissant moins de place à cette vision d'une jeunesse assez innocente. A l'heure de la fast fashion chaque lycée devrait passer une petite heure de ces "Tourments" à tous nos ados, pour qu'ils voient de manière concrète le revers de la médaille...

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Wáng Bīng conclut remarquablement sa trilogie, par son art du montage il parvient à amalgamer tout ce qui faisait les deux premiers volets sans pour autant se répéter. Cette fois, comme le titre l'indique on va plus au pays, mais les allers-retours avec les ateliers (moins vivants cette fois) sont fréquents. Et comme s'il savait qu'on a besoin d'un brin d'espoir à travers leur énergie, ce sont les jeunes qu'il convoque pour clore ces presque 10 heures de film.

En parlant de durée, si ce "Retour au pays", qui sortira le 9 juillet, est le plus bref de la trilogie il est aussi le plus dense. C'est un constat, pas un jugement, car j'aime aussi particulièrement quand l'un des plus grands documentaristes de notre époque prend tout son temps.

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Dans la catégorie réalisateurs qui bégaient certains considéreront que Quentin Dupieux en est l'archétype. Mais chez lui il s'agit non seulement d'un fonds de commerce mais aussi d'une forme de principe créatif. Et je dois dire que je suis soulagé car après un film, "Le Deuxième Acte", que j'avais trouvé poussif et paresseux, en tout cas dans sa seconde partie, le voici revenu à ses amours assez lointaines, et ce que je préfère dans son parcours : le plus noir et inquiétant. On retrouve d'ailleurs ici beaucoup des éléments du "Daim", selon moi l'un des sommets de sa filmographie. Et puis il y a ce que j'adore découvrir film après film : l'arrivée de nouveaux visages dans son univers, et il faut reconnaitre que Jérôme Commandeur, Sandrine Kiberlain et Karim Leklou semblent s'y sentir comme des poissons dans l'eau.

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C'est encore plus passionnant et stimulant que "Lumière ! L'aventure commence", ou du moins on mesure encore mieux à quel point tout le cinéma était déjà là dans ces plans séquences de 50 secondes. A chaque fois un genre, une technique de plan qui voient le jour, et forcément pour tout amoureux du septième art une émotion 120 fois renouvelée.

En parlant d'émotion elle fut pour moi à son maximum quand Bertrand Tavernier apparait et regarde la caméra dans le remake de "Sortie d'usine" tourné à Lyon en 2019 par Francis Ford Coppola. Coppola, Tavernier, dont les noms nous seraient restés étrangers sans Louis Lumière, Alexandre Promio, Gabriel Veyre, Constant Girel, Félix Mesguich, Charles Moisson….............

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Merci Fabrice Aragno et Jean-Paul Battaggia d'avoir suivi Godard jusqu'au bout, de l'avoir filmé au travail, merci Arte de nous offrir à la fois "Scénarios" et les instants qui l'ont précédé, ces moments où l'on comprend le labeur du créateur-chercheur, de celui qui avait évolué du métier de cinéaste à celui d'artiste total, dont on ne savait plus où était la place, dans une salle ou un musée. Merci pour ce document rare donc précieux, vraiment !

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Tout le très beau documentaire de Dominique Cabrera pourrait être contenu dans ces mots de Chris Marker : « Le hasard a des intentions qu’il ne faut pas prendre pour des coïncidences ». Tout et pas tout car sa grande force est de dépasser ce sentiment de vertige pour montrer la force de l'image, à quel point celle qui appartient finalement à tout le monde peut devenir profondément intime et contenir la vie de celui qui décide de se l'approprier.

Je ne sais pas s'il faut avoir un rapport particulier à "La Jetée", être amoureux d'Hélène Châtelain, avoir les larmes qui montent dès qu'on entend la voix de Florence Delay, pour être touché par ce film qui prétend ne s'intéresser qu'au "Cinquième plan" mais qui en filigrane enquête sur la femme de l'ouverture du "Joli Mai", sur le génie de Marker, sur les déracinés. Mais je sais une chose : ce film s'adresse à plus de monde qu'on ne pourrait le croire.

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Je reproche régulièrement au festival de Cannes de ne pas faire assez de place au documentaire mais je dois reconnaitre que ces dernières années les sections parallèles semblent tout doucement s'y intéresser. Et sans surprise en 2025 c'est de la Semaine de la critique d'Ava Cahen qu'est sorti l'Œil d’or. Récompense méritée tant ce film qui parle remarquablement du déracinement, du poids des traditions, de la religion, prend son temps pour laisser la VRAIE parole advenir. Le tout dans une mise en scène d'où jaillissent de magnifiques images jamais artificielles.

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Cela fait un bon moment qu'un film ne m'avait pas autant bouleversé. Alors d'accord j'étais peut-être la cible idéale étant donné les hectolitres de larmes versés à la lecture du récit de Clémentine Autain, mais ce qu'en a fait (ou pas fait d'ailleurs, ce qui est en soi un des questionnements initiaux du film) Romane Bohringer est assez miraculeux. Elle colle, si j'ose dire, au matériau d'origine et à sa créatrice, pour mieux s'en éloigner, elle crée par l'alliance entre le vrai et le faux, le sourire et l'émotion, la reconstitution et l'élément documentaire, un objet inclassable, une enquête, une réconciliation, une immense déclaration d'amour, à sa mère, à toutes les mères.

On peut difficilement faire plus infidèle comme adaptation que ce "Dites-lui que je l'aime" et pourtant l'effet miroir entre deux enfances, deux histoires et donc au final deux œuvres est stupéfiant, vertigineux, d'une sincérité qui met le spectateur à terre.

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"Je n'avais que le néant" est le parfait complément à "Shoah", une manière d'y replonger, mais aussi de comprendre le processus, la folie, la difficulté de l'entreprise. Guillaume Ribot y est allé sur la pointe des pieds, il savait à quoi il s'attaquait, et toute la dignité de son travail se ressent.

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Le scénario est d'une précision et d'une finesse redoutables, les personnages existent tous, les dialogues font très souvent mouche que ce soit dans le registre de l'humour ou de l'émotion, et forcément il y a le casting tout simplement irréprochable, car si après "Le Théorème de Marguerite" Ella Rumpf confirme qu'elle est un véritable aimant à caméra et je mets au défi quiconque de ne pas tomber amoureux d'elle après ces 97 minutes, il faut aussi saluer Monia Chokri et chaque second rôle, en particulier Noémie Lvovsky que je n'avais pas vue aussi juste depuis bien longtemps.

C'est peut-être l'ambiance générale actuelle qui veut ça mais j'ai reçu avec un bonheur fou ces 'Preuves d'amour" et cette façon de regarder l'humanité avec énormément d'espoir. Ce n'est probablement pas réaliste mais ça fait tout simplement du bien. Alice Douard signe là un film en grande partie autobiographique et elle a fait de ce parcours de vie un premier long solaire à découvrir à partir du 19 novembre prochain.

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Fidèle à elle-même Marie Losier dresse le portrait d'une personnalité à la marge, et chez elle la forme rejoignant le fond elle continue à explorer un style à la limite de l'expérimental, rappelant ses liens avec l'underground new-yorkais. "Peaches Goes Bananas" est donc un objet tout aussi punk que cette artiste canadienne fascinante de radicalité, qui aborde la scène comme un lieu de liberté, de provocation, de performance mais aussi comme un lieu politique. La femme est clivante, le film l'est forcément autant, mais pour moi ces 73 minutes furent un bonheur.

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Ça c'est à coup sûr le bonbon de la semaine, le petit vent de fraîcheur qu'on n'avait pas senti venir et qui vous charme, vous donne le sourire, vous émeut. On se croirait chez Guillaume Brac, en particulier "Hanne et la fête nationale" extrait des "Contes de juillet". Qui dit Brac, conte et été dit forcément un peu Rohmer, sans que cette tutelle soit pesante ni castratrice. Et étonnamment malgré sa simplicité, cette virée d'apparence légère au cœur d'un Paris ensoleillé et vibrant au rythme des JO a pour héroïne celle qui ne l'est jamais : quelqu'un de bien, une bonne personne, avec qui il est agréable de se promener durant 77 minutes. Avant de la laisser retourner à l'anonymat qui lui va si bien...

NB : Que c'est bon de voir une nouvelle tête au cinéma, une actrice qui pourrait très bien être votre voisine mais qui se révèle exceptionnelle sous le regard d'une caméra. Blandine Madec Blandine Madec Blandine Madec........

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Bien entendu les films traitant de l’architecture sont rares, donc la tentation peut exister au moment d’évoquer cet "Inconnu de la Grande Arche" de tisser un lien avec "The Brutalist". Pourtant on peut difficilement faire plus différent que ces deux propositions donc je laisse de côté l’œuvre monumentale à tous les niveaux de Brady Corbet pour vous encourager à donner une chance à ce film bien plus modeste, qui semble profondément aimer ses personnages et en tout cas ne les regarde jamais avec un œil rieur ou démagogique, qui est soucieux de reproduire une époque sans pour autant tomber dans la reconstitution appliquée.

En réalité c’était un pari d’évoquer cette histoire oubliée, cet « inconnu ». Qui le reste d’ailleurs tout autant en tant qu’homme après 106 minutes car, et c’est là toute l’intelligence de Stéphane Demoustier, on n’est pas ici dans le biopic, plutôt dans le portrait plus général de l’artiste dépassé par son œuvre, du créateur idéaliste qui se heurte à la réalité de la politique et ses petits compromis.

Après le prometteur "La Fille au bracelet" et l’impressionnant "Borgo" Demoustier confirme qu’il est un vrai cinéaste, de ceux qui ne font pas les malins face à leur sujet, quitte à ne pas accéder à un public plus large. Ah oui, autre qualité du garçon : il a l’art du casting, qui doit visiblement rentrer dans son cadre, c'est-à-dire ne pas faire son petit numéro alors même que le rôle pourrait s’y prêter.

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Ce premier long, dédié à un ami de la réalisatrice, aurait pu s'appeler "Nino de vendredi à lundi", et comme le "Cléo de 5 à 7" de Varda il ne repose pas sur la maladie mais sur l'attente, sur ce temps suspendu qui laisse place au hasard contrairement à celui qui clôturera la parenthèse. Pauline Loquès ne contourne pas son sujet, non elle le déplace, elle lui donne de l’oxygène, avec pudeur, délicatesse, sans jamais une once de sensiblerie ni de mièvrerie mais avec l'énergie des Foals ou de Fontaines D.C.

On n'aura finalement que peu de réponses, même si par fragments un portrait se dessine, à la question suivante : quel jeune homme était Nino avant l’annonce de la maladie ? Et c'est tant mieux car le récit s'inscrit dans le présent, il aurait pu parler de la mort mais il ne s'intéresse finalement qu'à la vie. A celle qui advient si on est d'accord pour l'accueillir.

Pauline Loquès voulait à l'origine faire de cette histoire un roman, elle a su que ça ne pouvait être qu'un film en rencontrant Théodore Pellerin. Et comment lui donner tort, son jeu tout en retenue fait passer tellement de choses...

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C'est peu de dire que j'ai été surpris, je peux même dire sidéré, car je l'avoue sans difficulté, quand j'ai appris que Thomas Ngijol allait faire dans le polar et se retrouvait directement propulsé à Cannes, j'étais pour le moins perplexe. Le fameux syndrome du comique qui pense qu'on ne le considère pas à sa juste valeur et qui s'offre le VRAI film qui va le propulser à la place qu'il mérite...

Je lui présente donc toutes mes excuses car son film va à l'inverse de ce que j'aurais imaginé : il ne fait jamais le malin, il est sec, très personnel sans oublier de rendre en quelque sorte hommage à la tradition du flic solitaire (bien que souvent accompagné) au cinéma, jusque dans ses balades en voiture la nuit dans Yaoundé, il ne regarde jamais, y compris dans sa forme, le Cameroun comme quelque chose de folklorique ou de romantique. Et puis il y a cet équilibre remarquable entre les deux parties volontairement délimitées, la façon de montrer un homme qui se veut intègre mais ne connait que la manière forte, avec ses suspects comme avec ses enfants, dont on ne sait jamais si les paroles sont à prendre au premier degré ou recèlent un brin d'humour ou de tendresse.

Il me faudrait plus de temps pour énumérer tout ce qui m'a épaté dans ce film, de la photographie à l'acteur Ngijol en passant par la musique ou l'aspect politique jamais martelé mais redoutablement incarné, mais là je vais partir à la recherche de ce fameux documentaire qui a servi de point de départ au scénario, "Un crime à Abidjan". A ce titre c'est très étonnant de constater que c'est la deuxième fois qu'un doc de Mosco Lévi Boucault donne lieu à une fiction après "Roubaix, une lumière" de Desplechin.

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Lucile Hadzihalilovic sera de retour sur nos écrans le 17 septembre et c'est une formidable nouvelle. Car si j'ai pu être très sévère envers elle c'est indéniablement l'une de nos cinéastes les plus singulières et qui n'aura jamais cédé aux sirènes du mainstream. Donc cette fois encore, et ce même si vous entendez parler de "La Reine des Neiges" et de Marion Cotillard, l'objet est certes un conte mais radical, sans compromis. Comme tout cinéma entièrement basé sur l'atmosphère - Oubliez le scénario qui n'est pas très épais - on peut être soit exclu soit happé. Ceux qui auront la chance de se trouver comme moi dans la seconde catégorie passeront deux heures de tension, envoûtés par ces plans renversants de beauté, par ce travail phénoménal sur le son, s'attendant en permanence à ce que le pire advienne, que ce soit dans le rêve ou dans la plus sombre des réalités, dont on peut d'ailleurs se demander si elle en est une.

On devrait reparler de la jeune Clara Pacini, véritable révélation, et qui dit Lucile Hadzihalilovic dit Gaspar Noé, et c'est aussi un bonheur de le voir en tant qu'acteur.

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Là où l'onirisme est parfois le rempart facile pour un cinéaste désireux de ne pas s'attaquer frontalement à un sujet, il prend ici tout son sens, révélateur d'un état de semi-conscience, d'une barrière protectrice construite par Achraf. Rarement le thème du trauma aura été traité ainsi, avec un mélange de lucidité et de respect. A la fois pour les protagonistes réels de ce drame et pour les spectateurs.

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Après le clin d’œil à Rossellini c'est Antonioni que nous évoque cet "Aventura" ensoleillée. A moins que vous ne soyez plutôt de l'école Stone & Charden. Et c'est ça la force de Sophie Letourneur, mêler les deux, faire du populaire qui n'oublie jamais sa singularité, une certaine exigence quand on parle de structure narrative, de photographie, de mise en scène. Ceci donne comme toujours avec cette cinéaste qui laisse rarement indifférent un film certes drôle mais bien plus mélancolique que les précédentes (més)aventures de Sophie et Jean-Phi, 107 minutes extrêmement contrastées, où les regards fatigués ou absents comptent au moins autant que les rires. En seulement deux films Letourneur, par sa faculté à rendre tout naturel, est parvenue à faire croire en une famille qui ne serait pas que de cinéma, qui ressemblerait finalement à celle de pas mal de spectateurs. C'est probablement pour ça que les gens s'y rendent, à ma grande surprise, en famille, et que si j'en crois les réactions entendues dans la salle, l'effet miroir fonctionne à plein.

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A 84 ans Jean-François Laguionie signe son film de loin le plus personnel et son œil est certes nostalgique mais jamais rance. Il rend comme souvent hommage à l'imaginaire, aux aventuriers, y compris ceux qui font le tour du monde dans leur jardin, et à cette mémoire d'enfant qui a choisi de ne se rappeler que du beau, du doux, du regard d'une mère ou de la main d'un père. Poétique et émouvant, le genre de film familial qu'on aimerait voir plus souvent.

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Malgré les retours cannois encourageants je n'étais pas totalement serein au moment d'aborder ce "Love Me Tender". Car je n'étais pas persuadé que le style Constance Debré soit véritablement transposable à l'écran, et je m'interrogeais sur cette durée dont je ne percevais a priori pas le sens. Et force est de reconnaitre qu'Anna Cazenave Cambet s'en est remarquablement sortie, qu'elle a eu raison de se concentrer sur les mots de la romancière sans forcément tenter de retranscrire à l'image son style rock'n'roll. En résulte un convaincant portrait de femme et de mère en (re)construction et surtout une histoire d'amour que le scénario sait traiter sans mièvrerie, avec la lucidité qui caractérise l'écriture de Debré. Et forcément il faut souligner la performance d'une Vicky Krieps pleinement investie, lumineuse et grave, douce et rugueuse, qui fait battre le cœur de ces 133 minutes. 133 minutes et finalement pas une de trop. "De l'or pour les chiens" avait fait naitre des espoirs, ce nouveau métrage à sortir le 10 décembre confirme qu'Anna Cazenave Cambet a quelque chose de vibrant à apporter au cinéma français.

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Quelqu'un aurait dit à la sortie de la projection : « Mais quel est l'intérêt de filmer des ratés pareils ? ». Et c'est justement pour ça que "Laurent dans le vent" est un bonheur, parce qu'il met en avant, parce qu'il regarde avec une infinie tendresses ces losers magnifiques que le cinéma ignore, ceux qui se foutent de la réussite sociale à l'heure où il faut posséder pour exister. Sous l'aspect farfelu se cache quelque chose de profond, ces personnages sont typés et décalés, ils semblent vivre ailleurs, dans des stratosphères qui rappellent les univers d'Alain Guiraudie ou Luc Moullet.

Une très jolie surprise, d'autant que le "Mourir à Ibiza" du trio de réalisateurs ne laissait en rien présager un film si libre et réussi. Ah oui une dernière chose : Béatrice Dalle est tout simplement formidable dans ce rôle de mère aimante qui n'oublie pas d'être une femme.

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Grosse grosse surprise, parce qu'un très bon film de Carine Tardieu je n'étais pas prêt, d'autant que le synopsis et l'affiche me vendaient le bon vieux truc facile et larmoyant. Mais si des larmes sont bien venues on ne me les a pas arrachées avec des effets éculés, des violons, elles sont d'ailleurs arrivées à des moments inattendus.

"L'Attachement" est un drôle de film, à la fois mélodrame, vaudeville et comédie romantique. Ou plutôt c'est ce qu'il fait semblant d'être car il n'est réellement rien de tout ça tant il prend des virages à 180° dès qu'un genre serait susceptible de s'installer. Avec énormément de tact et de finesse psychologique on parle ici de la fragilité de l'être endeuillé, d'enfance, des sentiments qui peuvent prendre des formes diverses, parfois incontrôlables parfois trop contrôlés, et même de ceux qui trahissent jusqu'à celui ou celle qui croit les ressentir. C'est certainement ça l'attachement, avec ses nuances, ses degrés. Le film parle aussi remarquablement de la place de chacun, de sa fonction au sein d'une famille, d'un groupe. Qu'est-ce qu'une amie, qu'est-ce qu'un père ? A ces questions pas de réponses simplistes mais plutôt des propositions que sert le scénario mais dont on se dit souvent qu'elles auraient pu être autres sans que la vérité de la situation en pâtisse. L'époque est à la fausse bienveillance et ici on nous propose de la vraie tendresse, des gens qui se parlent, parfois durement mais sans que jamais la moindre hystérie n'affleure.

Un petit mot sur les quatre actrices et acteurs principaux car ceci m'a plus qu'interpellé : on dirait qu'ils ont été choisis pour leur jeu habituellement volcanique, avec cette fois le désir de les faire aller ailleurs, de les obliger à ralentir. Et le résultat est juste épatant.

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J'ai une grande affection pour le cinéma de Sébastien Betbeder, qui sous l'aspect farfelu de ses personnages cache toujours une immense tendresse, comme si le rire était là par politesse, pour couvrir les fêlures et les larmes. Et c'est encore ce qui fait la force de ce qui est peut-être son meilleur film, celui qui assume en tout cas le plus la comédie et le mélo purs. On rit donc beaucoup beaucoup, dans des scènes burlesques mémorables, avant d'être saisi par une émotion sincère quand il s'agit de suivre les traces de cette "Little Big Woman" sur la banquise.

Rien n'est jamais asséné chez Betbeder, tout semble simple et pourtant il y a des tonnes de choses à piocher dans cette manière poétique et un peu perchée d'approcher le monde. Et un grand merci à lui d'avoir donné à Blanche Gardin un rôle à la mesure de sa complexité, d'avoir permis à Philippe Katerine et Bastien Bouillon d'aller explorer des registres pas si habituels pour eux.

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Raphaël Pillosio a produit quelques très bons documentaires et cette fois c'est en tant que réalisateur qu'il signe un des objets les plus stimulants du moment. Ce qui n'aurait pu être qu'un certes captivant mais classique récit historique et sociétal se fait par la force des choses bien plus que cela, tout à la fois document passionnant mais aussi et surtout essai plus théorique sur l"archive, l'image, la mémoire.

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J'ai toujours pensé que la manière dont on filme raconte qui on est, et si j'en crois cette théorie Emmanuel Finkiel me semble un homme intègre. Ici il parle à nouveau de la Shoah et à nouveau il fait preuve d'exigence artistique mais aussi morale, il ne tombe dans aucune facilité, laisse l'horreur hors champ et le spectateur pratiquer en quelque sorte son propre devoir de mémoire. "La Chambre de Mariana" n'a peut-être pas la puissance évocatrice de "La Douleur" mais c'est malgré tout une réussite, un film qui évoque avec dextérité l'apprentissage, l'imagination et la perception, c'est un récit où les fantômes sont partout présents, y compris par une mise en scène qui interroge régulièrement nos sens, en particulier par le son qui joue ici un rôle essentiel, Ces fantômes qu'Hugo appelle, dans les bras de qui il va se jeter.

Il faut absolument saluer la performance de Mélanie Thierry qui est toujours exceptionnelle chez Finkiel. Apprendre l'Ukrainien est une chose, l'utiliser sans que ça entrave un seul instant son jeu en est une autre. Réellement prodigieux...

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Le sens du timing des journalistes de Mediapart n'est plus à démontrer, et c'est donc très logiquement le 8 janvier que sortira ce "Personne n'y comprend rien".

Soit précisément deux jours après l'ouverture du "procès Sarkozy" dans l'affaire dite des financements libyens. Et l'exercice est salutaire car Fabrice Arfi, Karl Laske et d'autres intervenants passionnants se proposent de décortiquer les tenants et aboutissants de ce bordel aux très nombreuses ramifications. Documents et témoignages à l'appui on remonte le temps, on se rafraichit la mémoire et on est enfin prêt à profiter du spectacle que devrait être ce concours de Pinocchios devant le tribunal correctionnel de Paris.

L'enquête journalistique aura duré douze ans et par miracle le film la rend limpide, malgré les dates, les sommes, les noms qui se croisent et s'entrecroisent. Et comme toujours avec Yannick Kergoat, réalisateur des "Nouveaux Chiens de garde" et de "La (Très) Grande Évasion", non seulement on comprend tout mais en plus on sourit beaucoup.

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Cinq ans après le prometteur "Tout ce qu'il me reste de la révolution" l'actrice Judith Davis repasse derrière la caméra, et semble à nouveau répondre à cette question : « Qu’est-ce qui s’est déréglé p..... ? ». Elle continue à en rire pour ne pas en pleurer, croque des personnages hauts en couleurs, archétypes de notre vie sociale (et familiale) régie par l'argent mais aussi les grandes croyances pas forcément faciles à concrétiser, à assumer. Ainsi "Bonjour l’asile !" parle de charge mentale, de lutte des classes, de la position des hommes pris entre envie de "déconstruction" et difficulté à trouver leur place. Et c'est probablement là la force de ce film : paraitre caricatural pour progressivement nuancer le propos, sauver ses personnages même les moins sauvables en montrant l'inconscient derrière les actes.

En résumé c'est drôle 95% du temps mais les 5% restants, bien plus profonds, font passer le métrage de sympathique fantaisie à satire cruelle mais lucide sur l'époque. A noter que le casting accompagne merveilleusement ce vent de fraîcheur, comma si l'absence de tête d'affiche était lui aussi un geste politique.