Les meilleurs films de 2025 selon takeshi29

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Un Laxe actif ce n'est pas chiant du tout... (cf critique)

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"Pepe" est le truc le plus fou que j'ai vu depuis bien longtemps, pour situer à côté "Eureka" de Lisandro Alonso est totalement limpide, c'est forcément un objet plus que clivant mais qui peut vous absorber littéralement si vous vous laissez aller. Récompensé par l'Ours d'argent de la meilleure réalisation, le Dominicain Nelson Carlo de Los Santos Arias fait absolument tout sur son film, jusqu'à la musique, fascinante comme le reste.

Le premier (faux) biopic sur un hippopotame est pour le moment le film qui trône tout en haut de mon Top 2025, oserez-vous tenter l'expérience ?

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Joachim Trier m'épate, son cinéma est en train de prendre une sacrée ampleur, avec une filmographie qui commence à vraiment raconter quelque chose sans rester les deux pieds dans le même sabot. Et en plus le gars ne doute de rien, genre « Et si je m'attaquais à Bergman ?». Le plus fou étant qu'il y parvient, avec une fresque qui aurait pu s'appeler "Scènes de la vie familiale". J'ai tout admiré ici, de la construction du récit à la mise en scène en passant par ces dialogues aussi cruels que déchirants, où un « Je t'aime » sonne comme un « Je te hais », et inversement. Ce Grand Prix cannois m'a donc bousculé, ou plutôt m'a fait passer par tous les états car si j'avoue avoir pleuré j'ai pas mal souri aussi. Et une dernière chose très très importante dans la réussite de ce "Valeur sentimentale" : Trier a acquis ce que seuls le talent mais surtout l'expérience permettent, il est devenu un très grand directeur d'acteurs, et ici ça saute aux yeux. Pourtant ça ne doit pas être chose facile de maitriser une bombe à retardement telle que Stellan Skarsgård.

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« C’est pas en suivant les règles que j’arriverai où je veux aller » (JLG pas encore JLG)... (cf critique)

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Aujourd'hui on est le 25 août et cette fois je crois pouvoir le dire : "Le Rire et le Couteau" aura été mon expérience cinématographique la plus stimulante de l'été. Le plus grand dépaysement, le plus grand coup de ❤️ et de soleil, la critique la plus lucide du néo-colonialisme et de la nouvelle condescendance, la réflexion la plus riche sur le sentiment de culpabilité, sur les problèmes de conscience du "colon" malgré lui. C'est un film où une femme de Guinée-Bissau veut savoir s’il est vrai qu’à Lisbonne (en gros chez les blancs) on verse de l’eau potable dans les toilettes, où ce même blanc a les moyens de refuser la corruption, de se faire acheter, c'est un film sensuel, libre, une sorte de road movie à tous les niveaux, le déplacement étant perpétuel, sur les routes, les fleuves, mais aussi dans les cerveaux, les corps, les désirs. C'est un film sur le dominant et le dominé, sur le renversement des rôles, sur les droits et choix de chacun. Bref c'est un film monde, qui se déploie sans heurt, sans violence, et je n'ai qu'une hâte : en reprendre pour deux heures supplémentaires avec cette version intégrale de 5h20 que Pedro Pinho nous promet avant la fin de l'année.

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Voici donc un film somalien que je n'avais pas vu venir et qui m'a subjugué au point de le placer sur mon podium (forcément provisoire) 2025.

Le fond tout d'abord : si on quitte les personnages ce n’est jamais vraiment car on les sent curieusement exister, évoluer hors champ. Le rythme des dialogues, les pauses permettent de profiter de chaque cadre, chaque rayon de soleil, chaque nuance de couleur. Oui en parlant du fond j'ai très vite glissé vers la forme, et c'est tout à fait logique, car ici les deux sont indissociables, d'une cohérence absolue. Car sous l'apparente économie il y a une richesse folle, dans le mot et dans l'image.

On est loin du conte africain un peu naïf, face à un tel objet le spectateur occidental ne pourra pas aimer par condescendance ou pour un certain exotisme, il devra s'incliner devant une pièce majeure, tout simplement un grand film. Est-ce pour cela, parce qu'il ne pouvait porter sur ce "Village aux portes du paradis" aucun regard surplombant, que le jury d'Un Certain Regard n'a pas cru bon de l'inscrire à son palmarès ? Je ne leur ferai pas de procès d'intention mais parfois notre inconscient parle.

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Si la mer est loin les larmes sont proches... (cf critique)

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Certains films ont la grâce, sans qu'on sache réellement expliquer pourquoi, et c'est le cas du "Temps des moissons", chronique rurale où l'on voit défiler les saisons, les mariages, les décès comme dans une scène introductive hallucinante. En gros c'est un film qui embrasse le cycle de la vie, mais sans que cela ressemble à un fardeau trop lourd à porter, car il fait ça en regardant en permanence des choses plus "petites", par exemple cette femme qui voudrait être ailleurs. Et le cinéma étant une affaire de regard, de distance, de point de vue, c'est l'enfant que fut Huo Meng qui nous raconte toutes ces vies mais surtout la fin d'un monde. Le cinéaste chinois l'a vue à l'époque avec ses yeux, ceux-ci sont aujourd'hui devenus caméra.

La grâce c'est aussi parfois un plan, qui vous renverse, fait d'un très beau film un grand film qui trouvera in extremis sa place dans votre Top 10 de l'année, et ici le tout dernier est de ceux qui vous marquent, qui font monter en vous une émotion qui ne s'était pas forcément annoncée. C'est probablement ce plan, et d'autres car les 135 minutes sont truffées de "grands petits" détails de mise en scène, qui ont valu à celle-ci d'être récompensée par l'Ours d'argent de la meilleure réalisation à la dernière Berlinale.

J'espère vraiment que ce film va trouver son public, qu'on laissera le temps au bouche-à-oreille de faire son effet. Ce fut le cas d'un autre très beau film chinois qui lui aussi contait une certaine misère rurale avec dignité, "Le Retour des hirondelles".

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Là où la majorité du cinéma allemand actuel explore son histoire et n'a de cesse de se repentir Christian Petzold continue à creuser une veine intimiste. On pourrait même dire de plus en plus intimiste, ou du moins faussement intimiste. Car après avoir convoqué dans un même geste Rohmer et les amants de Pompéi sous un sublime "Ciel rouge" il travaille cette fois une sorte de western à petite échelle, un vaudeville où Maurice Ravel et le soleil plombant feraient tourner les têtes et les cœurs, mais tout ça à bas bruit. Dans cette maison ou ce garage/grange vont se jouer des histoires douloureuses mais pas que, le peu de protagonistes étant amenés à révéler ses douleurs et à se reconstruire dans la foulée, en acceptant ses fantômes pour mieux les laisser partir.

Le film pourra faire l'effet d'une pièce mineure, où le spectateur a un temps d'avance sur les personnages, et pourtant il s'y joue beaucoup de choses. En réalité je me suis aperçu à l'issue de la projection que ce "Miroirs No. 3" pouvait laisser de marbre ou chambouler. Inutile de préciser que je fais partie de la seconde catégorie, peut-être parce que je suis dorénavant Petzoldolâtre, parce que j'aime sa façon d'envisager les relations entre les vivants, mais aussi les morts, parce que la manière dont sa caméra désire Paula Beer me touche. Je crois que je me sens tout simplement bien chez lui, que la photographie de Hans Fromm m'est désormais familière, tout comme cette façon de faire parler les lieux autant que les êtres. Bref son cinéma me fait l'effet d'un cocon, et j'aime m'y réfugier régulièrement.

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En terme de cinéma stimulant celui de Kleber Mendonça Filho se pose là. Quelle que soit la forme que prennent ses films ils transpirent en permanence l'amour du septième art et l'importance que celui-ci peut occuper dans une vie. Ainsi cette fois le très grand réalisateur brésilien, qui avait synthétisé sa passion dans un sublime geste nommé "Portraits fantômes", remercie Spielberg, celui qui a fait qu'il est compliqué depuis 1975 de se baigner sans suspecter la présence d'un grand blanc dans 30 centimètres d'eau. Mais aussi les films d'espionnage qui ont dû bercer sa jeunesse, jusque dans ce générique de fin à rendre nostalgique plus d'un cinéphile. J'ai pu constater à la sortie de la projection les réticences de certains spectateurs, reprochant tout à la fois au scénario d'être trop touffu et de ne pas assez expliciter le contexte historique et politique. Et c'est justement ce qui m'a personnellement rendu heureux, sa gourmandise, la confiance que fait Mendonça Filho en celui qui regarde, lui donnant des clés mais laissant surtout de la place pour une imagination apte à prolonger le film, à remplir les cases vides du récit. Car oui "L'Agent secret" est avant tout un grand film de CINÉMA, une leçon de mise en scène qui n'en fout pas plein la vue, un grand film d'acteurs aussi. Une fois n'est pas coutume le jury cannois ne s'y est pas trompé,..

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Zach Cregger est ce qui est arrivé de mieux au genre horrifique depuis un bon moment. Ce qui était perceptible dans "Barbare" saute désormais pleinement aux yeux, et aux oreilles : le gars a parfaitement digéré ses classiques et les utilise sans les recracher, ce qui nous permet de penser à des tonnes de films sans passer la séance à joueur au blind test, il a tout compris des codes et se sert de toute la gamme, de la mise en scène au travail sur le son, pour obtenir des effets d'une efficacité redoutable. Et puis il y a ce qui pêche souvent dans la production récente du genre : le scénario, qui chez lui n'est en rien accessoire, dont on se demande où il va, y compris avec sa façon de progresser en mode "faux-Rashomon", mais finit par retomber sur ses pattes, cette façon qu'il a de faire croire pendant quasiment une heure qu'on ne va pas être trop secoué avant de nous faire vivre des moments réellement saisissants, pour ne pas dire terrifiants. En résumé cela faisait bien longtemps que je n'avais pas vu un film d'horreur aussi abouti.

Une petite remarque pour finir : "Évanouis" est typique du film qu'on ne peut réellement juger qu'en l'ayant vu en salle, ou au minimum avec une installation sonore digne de ce nom, car à ce niveau c'est diabolique et ça participe totalement à l'intensité de l'expérience.

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Je me suis fait une réflexion toute bête en sortant de la salle, que je n'avais pas vu un film aussi cool depuis bien longtemps au cinoche. Et j'avoue que je n'attendais pas forcément Paul Thomas Anderson sur ce terrain, disons celui anciennement réservé à des cinéastes tels que Tarantino ou les frangins Coen. 2h42, sur le papier le truc peut paraitre pachydermique, et pourtant, en tout cas chez moi, pas un instant d'ennui, uniquement du plaisir presque enfantin, celui de voir un gars largué en robe de chambre, un prof de karaté qu'on pourrait croire sorti de chez Wes Anderson à l'époque où celui-ci était encore inventif ou encore un suprémaciste aussi boursouflé que le jeu de Sean Penn. En gros j'ai eu le sentiment de sortir d'un film comme on n'en fait plus des masses, qui ringardise tous ceux qui se lancent dans des trucs trop gros pour leur talent modéré, genre Chazelle ou Aster. Regardez comment PTA utilise un paysage qui devient instantanément une attraction foraine, une musique qui se fait quasiment protagoniste, comment chez lui des acteurs tels que Di Caprio ou del Toro semblent trouver une nouvelle jeunesse tout en assumant leur âge.

C'est rare le cinéma qui fait du bien tout en n'oubliant pas qu'il s'inscrit dans une époque et un pays où tout est mortifère.

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« Vas-y taureau, rejoins ta putain de mère ! » (Ou le taureau hélé)... (cf critique)

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Possiblement victime de l’époque mais aussi de ses propres excès Abdellatif Kechiche, et de nombreux monteurs pour l'aider, aura donc péniblement fini par livrer ce qui pourrait être son chant du cygne. Comme dans une œuvre empêchée, accouchée aux forceps, on perçoit ici un film inachevé, ou plutôt deux films en un : un très Kechichien, dans l’absolue continuité de "Canto uno", baigné de soleil et de désir, et un autre plus malicieux mais aussi plus sombre car montrant que jouer avec le feu a un prix, que l'innocence finit par se fracasser contre la "vraie vie", que les illusions se perdent même quand on s'amuse à vivre dans un vaudeville plein de couscous. Et que même des personnages qui n'ont pas vieilli au cinéma ont finalement dû se résoudre à encaisser les leçons de morale qu'impose la dizaine d'années séparant un "Uno" et un "Due".

Amin, alter ego de Kechiche, reste, presque malgré lui, un voyeur, un voyeur qui rêve d'Hollywood mais dont le père qui lui a donné vie à l'écran restera à tout jamais un cinéaste purement européen, qui réfléchit le cinéma comme acte de création, qui étire les scènes jusqu'à l'épuisement, qui filme les corps comme les mots, sans se soucier de la manière dont l'époque les reçoit.

Il y a une forme de logique à ce que Kechiche disparaisse du paysage, on pourrait dire de lui qu'il n'est plus adapté, que son cinéma ne correspond plus aux canons actuels, ceux dictés par N.... et donc le produit qui ne doit déranger personne, qui doit être oublié à peine vu afin de rentabiliser au maximum le « temps de cerveau humain disponible » cher au précurseur Patrick Le Lay. Désolé Monsieur Kechiche mais liberté et consommation ne sont pas compatibles, alors merci de laisser la place !

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Comment peut-on passer de "Vox Lux", film pas si mal mais loin d'être inoubliable, à une œuvre monstre sortie de nulle part comme 'The Brutalist" ? Je le dis d'emblée, je comprendrai parfaitement ceux qui verront dans ce film plus un objet malin que génial, mais perso j'ai été happé dès les premières secondes, j'ai écarquillé les yeux (et les oreilles) cinquante fois, j'ai admiré les transitions, les ellipses, la manière de parler du sort des juifs dans l'Histoire sans jamais rien montrer, d'architecture comme bien peu avant lui, je voudrai revoir là tout de suite la scène de la carrière de marbre pour revivre ce frisson qui m'a parcouru en découvrant comment Corbet travaillait la notion d'espace, comment il utilisait la désynchronisation pour donner le vertige. Il y aurait tant à dire sur ce que "The Brutalist" embrasse comme sujets, sur la manière dont il donne l'illusion de raconter une vraie vie, dont il sème les cailloux pour mieux nous émouvoir avec la scène finale. Et comment ne pas évoquer Adrien Brody, acteur qui ne me passionne pas plus que ça mais qui ici est juste incroyable, ou Guy Pearce en patriarche qui pourrait sortir de "Festen".

Un petit conseil cependant : allez voir ce film en salle, sous peine de ne pas être apte à le juger, car il doit se vivre ainsi, comme une expérience partagée, avec cet entracte de 15 minutes, avec le VistaVision qui n'a de sens que sur très grand écran, avec le travail dingue sur le son à laquelle participe une partition musicale qui vous secoue. C'est du cinéma, à voir au... cinéma.

Depuis hier quelques mots résonnent en moi : « Nous vous tolérons »...

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Boudés par le jury cannois ces "Feux sauvages" auraient très bien pu être ma Palme d'or. Parce qu'au-delà d'un art du montage prodigieux il y a dans ce nouveau Jiǎ Zhāng-Kē une ode au souvenir, au cinéma, à l’Histoire d’un pays en mutation. Et bien entendu il y a le regard d'un cinéaste amoureux, qui nous donne à voir une femme, une muse déambulant dans une filmographie qui même fragmentée fait sens et finit par créer un récit à part entière. Et que c'est beau de voir un personnage autant qu'une actrice vieillir sous l’œil d'une caméra et donc sous celui du spectateur.

Durant toute la projection j'étais persuadé que ce film était terriblement excluant pour qui ne possédait pas les clés du cinéma de JZK, sentiment renforcé par le départ d'un membre du public en cours de route. Mais aujourd'hui une personne m'a dit ne rien en connaitre et avoir pourtant été totalement hypnotisée. Comme quoi le plaisir de se perdre peut tout supplanter...

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Des paysages incroyables, qui ne sont pas sans rappeler ceux d'un Jiǎ Zhāng-Kē (d'ailleurs acteur dans le film), une ambiance post-apocalyptique qui donne lieu à des scènes d'une beauté sidérante, avec ces meutes de chiens qui semblent tenir la porte des enfers. Guǎn Hǔ, jusqu'ici spécialiste de produits très commerciaux, signe un drôle de film, où la fureur succède au silence, où un personnage mutique trouvera sa voix/voie, son humanité grâce à l'animal traqué. Ce "Black Dog" m'a beaucoup touché, j'espère qu'il en sera de même pour vous.

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Wáng Bīng continue à documenter son pays, et c'est toujours aussi fascinant à voir. Là où le premier volet, "Le Printemps", avait quelque chose d'étonnamment lumineux, celui-ci, comme son titre l'indique, révèle une face plus sombre de ces ateliers textiles, laissant moins de place à cette vision d'une jeunesse assez innocente. A l'heure de la fast fashion chaque lycée devrait passer une petite heure de ces "Tourments" à tous nos ados, pour qu'ils voient de manière concrète le revers de la médaille...

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Wáng Bīng conclut remarquablement sa trilogie, par son art du montage il parvient à amalgamer tout ce qui faisait les deux premiers volets sans pour autant se répéter. Cette fois, comme le titre l'indique on va plus au pays, mais les allers-retours avec les ateliers (moins vivants cette fois) sont fréquents. Et comme s'il savait qu'on a besoin d'un brin d'espoir à travers leur énergie, ce sont les jeunes qu'il convoque pour clore ces presque 10 heures de film.

En parlant de durée, si ce "Retour au pays", qui sortira le 9 juillet, est le plus bref de la trilogie il est aussi le plus dense. C'est un constat, pas un jugement, car j'aime aussi particulièrement quand l'un des plus grands documentaristes de notre époque prend tout son temps.

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Si ce film d'animation est selon moi une grande réussite c'est pour une raison essentielle : tout comme Wyatt avec son album la cinéaste espagnole María Trénor a réalisé un film où elle cherche en permanence au risque de se perdre. Totalement éloigné du biopic traditionnel, puisque le film colle aux morceaux de l'album en trips successifs, "Rock Bottom" raconte pourtant la vie du musicien, à travers des épisodes susceptibles d'expliquer l'accouchement d'une œuvre majeure, en s'attachant beaucoup à cette très chaotique mais belle histoire d'amour avec Alfreda Benge. Et en guise de conclusion (ou presque car une courte séquence est proposée après le générique) une scène brève mais bouleversante.

NB : Si j'ai un conseil à vous donner c'est de faire comme moi et de prévoir une quarantaine de minutes de trajet entre le salle de cinéma et chez vous. Comme ça au retour c'est l'album à fond dans la voiture, et "Alifib" chanté à tue-tête.

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J'ai été très très impressionné par ce premier long hollandais, où un Bruno Dumont peu bavard rencontrerait Jeannne Dielmann pour le grain de sable qui vient soudain tout dérégler sans qu’on comprenne réellement pourquoi. Sven Bresser assume l'aridité, le trouble, il se permet de ne pas répondre aux questions que le spectateur se posera inévitablement. Cette ambivalence est un risque à l'heure où la simplification est de mise, mais personnellement cette manière d'interroger la culpabilité m'a ébranlé.

NB : Une nouvelle fois Ava Cahen et ses équipes ont fait un quasi-sans-faute dans leur sélection, faisant de la Semaine de la critique la section cannoise la plus stimulante, de loin la plus homogène tout en étant aventureuse.

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Les deux derniers films de Sergei Loznitsa, sortis presque simultanément, "L'Invasion" et ce "Deux procureurs", partagent une même idée : le cinéma mérite du temps, surtout quand on fait confiance au spectateur. Donc on parle beaucoup dans ce récit qui peut se voir comme une parabole d'un monde qui perdure et où le point de départ pourrait bien être celui d'arrivée, ou un conte kafkaïen où il n'est pas interdit de sourire. Le film n'a donc rien d'austère, contrairement à ces décors, à ces visages, à ces environnements, symboles d'un système alimenté par des bureaucrates mortifères.

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Le Belge Johan Grimonprez réalise là un documentaire exceptionnel, équilibre parfait entre expérimentation et didactisme. La quantité et la qualité des archives est phénoménale, démontrant là un travail de recherche titanesque, et que dire du montage, y compris musical, qui se permet des acrobaties sans jamais vous perdre.

A noter que cette version cinéma qui devrait sortir le 1er octobre est plus longue d'une vingtaine de minutes que la version proposée par Arte.

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Si j'ai pris beaucoup de temps avant de noter ce film c'est pour éviter de le faire sous le coup de l'émotion que l'expérience ne peut que provoquer. Me voici donc quelques semaines après cette séance et je m'aperçois que ce que j'ai ressenti, l'effroi, la peur, la colère, est toujours là bien présent, comme si j'étais encore devant l'écran. J'écoute ceux qui remettent en cause le procédé mais c'est un peu méconnaitre le travail de Kaouther Ben Hania de lui reprocher ce "mélange des genres" qu'elle ne pratique pas ici pour la première fois. De même quand j'entends ici ou là que vivre ça en tant que spectateur est trop rude je me dis qu'on doit bien 89 minutes de soi-disant souffrance à Hind Rajab et toutes les victimes innocentes dans bien des conflits, que c'est peut-être juste de l'humanité que d'écouter quelques instants cette voix avant d'aller reprendre une vie finalement assez confortable . Même si le film pointe du doigt un conflit bien particulier, des agissements bien particuliers qui se trouvent ici documentés grâce justement au dispositif choisi.

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Voici donc cette suite... qui n'en est pas une même si on retrouve l'un des protagonistes de "Rêves". Totalement secondaire dans le premier volet il est essentiel dans ce récit qui croise, mélange à l'infini, qui observe l'amour sous l'angle du hasard, d'une forme de bienveillance et surtout de la parole, Parole qui semble le point cardinal de la trilogie et de la société norvégienne. Mais j'en reparlerai dans l'évocation du troisième volet où le curseur est poussé très très loin à ce niveau. Si je ne devais conseiller qu'un film parmi les trois ce serait cet "Amour", pour ces trajets en ferry, pour cette ville la nuit, pour ces rencontres, ces discussions qui n'en finissent pas,...

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Dans la catégorie réalisateurs qui bégaient certains considéreront que Quentin Dupieux en est l'archétype. Mais chez lui il s'agit non seulement d'un fonds de commerce mais aussi d'une forme de principe créatif. Et je dois dire que je suis soulagé car après un film, "Le Deuxième Acte", que j'avais trouvé poussif et paresseux, en tout cas dans sa seconde partie, le voici revenu à ses amours assez lointaines, et ce que je préfère dans son parcours : le plus noir et inquiétant. On retrouve d'ailleurs ici beaucoup des éléments du "Daim", selon moi l'un des sommets de sa filmographie. Et puis il y a ce que j'adore découvrir film après film : l'arrivée de nouveaux visages dans son univers, et il faut reconnaitre que Jérôme Commandeur, Sandrine Kiberlain et Karim Leklou semblent s'y sentir comme des poissons dans l'eau.

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C'est encore plus passionnant et stimulant que "Lumière ! L'aventure commence", ou du moins on mesure encore mieux à quel point tout le cinéma était déjà là dans ces plans séquences de 50 secondes. A chaque fois un genre, une technique de plan qui voient le jour, et forcément pour tout amoureux du septième art une émotion 120 fois renouvelée.

En parlant d'émotion elle fut pour moi à son maximum quand Bertrand Tavernier apparait et regarde la caméra dans le remake de "Sortie d'usine" tourné à Lyon en 2019 par Francis Ford Coppola. Coppola, Tavernier, dont les noms nous seraient restés étrangers sans Louis Lumière, Alexandre Promio, Gabriel Veyre, Constant Girel, Félix Mesguich, Charles Moisson….............

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Roberto Minervini revient à la fiction avec un geste d'une grande radicalité qui pourra forcément désarçonner, voire ennuyer. En revanche si on se laisse absorber par ces plans d'une beauté folle, par ces discussions (improvisées par des acteurs non professionnels qui ajoutent à la perte de repère) qui servent à combler l'attente du soldat mais racontent certainement aussi pas mal de choses sur l'Amérique d'aujourd'hui, on passe un sacré moment de cinéma qui rappelle bien plus certains grands westerns que le film de guerre annoncé.

Souvent les palmarès des sections parallèles cannoises sont à regarder de plus près que celui de la compétition officielle, et ce Prix de la mise en scène à Un Certain Regard était bien mérité.

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"Vermiglio" est probablement le film le plus élégant sorti ce mercredi, celui qui dresse les plus beaux portraits de femmes sans jamais tomber dans la thèse féministe, celui qui réconcilie les grandes chroniques familiales d'antan à la modernité du propos. Ce Lion d’argent à la dernière Mostra est à la fois intime et vaste, il utilise magnifiquement la beauté de la nature sans jamais en faire un "argument de vente". Après "Maternal" Maura Delpero confirme son grand talent, et à travers elle la vitalité et le renouveau du cinéma italien.

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Merci Fabrice Aragno et Jean-Paul Battaggia d'avoir suivi Godard jusqu'au bout, de l'avoir filmé au travail, merci Arte de nous offrir à la fois "Scénarios" et les instants qui l'ont précédé, ces moments où l'on comprend le labeur du créateur-chercheur, de celui qui avait évolué du métier de cinéaste à celui d'artiste total, dont on ne savait plus où était la place, dans une salle ou un musée. Merci pour ce document rare donc précieux, vraiment !