Les meilleurs films de 2026 selon takeshi29

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Emmanuel en a Marre du cinéma qui te dit quoi penser... et du management… (cf critique)

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Alain Cavalier, bientôt 95 ans, dit ce qu'il fait et fait ce qu'il dit. Ainsi il n'était pas là pour accompagner son ultime film à La Rochelle, du moins pas physiquement car il était au téléphone avec l'équipe du festival quelques minutes avant la projection afin de savoir dans quelle salle on allait jouer son film, si le public était nombreux, etc. Et je le rassure il n'y avait pas un fauteuil de libre et l'amour des spectateurs était palpable à chacune de ces 84 minutes (d'ailleurs remontées depuis Cannes), comme si tout le monde aimait cet homme autant que ses films et voulait une dernière fois lui dire « Merci d'être venu », de nous avoir offert cette manière de faire du cinéma unique, de simplement filmer la vie, la mort, et d'en faire une immense minuscule pièce comique et déchirante. Tout l'esprit de Cavalier est là, tous ses fantômes avec qui il cohabite paisiblement, toute sa complicité avec Françoise Widhoff aussi, l'expérience "Pater", son rapport aux êtres (La merveilleuse Emmanuèle Bernheim ne pouvait qu'être là), aux animaux (La mort du chat est déchirante et m'a rappelé Sophie Calle et Souris) et aux choses. J'ai beaucoup ri, beaucoup pleuré aussi, parce que voir le "Filmeur" ranger sa caméra, au sens premier du terme, est bouleversant, parce que cet homme me manque déjà...

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À la sortie de la salle j'ai entendu une dame dire : « Qu'est-ce que c'était nul, je n'ai rien compris. ». Je dois le confesser, je crois que c'est ce qui m'énerve le plus, ces gens incapables de se laisser porter, de voir dans l'inconnu et la perte de repères une opportunité et non un ennemi, qui ne sont contentés que quand les choses sont bien lisibles, voire explicatives. Personnellement je n'avais pas vécu un moment de trouble et d'émotion similaire depuis un bon moment, cet "Everytime" m'a rappelé ce qu'ont pu me procurer certains films purement mélancoliques de Mikhaël Hers, en particulier "Ce sentiment de l'été", où le soleil semble briller trop fort et ainsi provoquer quelque chose... d'inexplicable. Ce qui m'a le plus bouleversé chez Sandra Wollner c'est qu'elle n'a pas besoin de basculer clairement du côté du cinéma fantastique pour y être, elle nous fait confiance quand il s'agit d'avoir foi en ses fantômes, elle nous envoie ailleurs en douceur, dans une sorte de couche scénaristique parallèle, uniquement par la grammaire cinématographique : la photographie (qui génère une émotion dingue), un plan récurrent ou allongé qui figure l'étrangeté de l'instant, un personnage qui prend la place d'un autre très tranquillement, très naturellement. "Everytime" est typique du film qui va perdre un paquet de monde mais qui pourrait bien en sidérer d'autres, par sa beauté presque dérangeante, par cette manière inexplicable de mélanger aridité et magie. En écrivant ces lignes des images me reviennent en tête et j'ai les larmes aux yeux...

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J'ai mis plus d'un mois à noter ces "Échos du passé", j'ai voulu vérifier si mon ressenti n'était pas dû à quelque chose qui ressemblerait à de l'esbroufe esthétique, au côté objectivement impressionnant, voire monumental de l'objet. Il n'est pas si rare que quelques jours à peine après avoir s'être confronté à ce genre de proposition les frissons se soient totalement dissipés, et qu'on ne comprenne plus vraiment ce qui les a provoqués. Mais là ce n'est pas du tout le cas, je me souviens parfaitement de ces 2h34, du visage de ces femmes, de ces photographies, de ces fantômes, de ces corps abimés, de cette rivière, de cette caméra qui poursuit une enfant, de ces plans qui vous arrêtent comme quelques rares tableaux, de cette souffrance palpable, de cette chronologie qui vous chahute... J'ai pas mal entendu comparer Mascha Schilinski à Michael Haneke, et s'il est indéniable qu'il y a un cousinage, une immense différence est à noter : la cinéaste allemande regarde ses personnages, ces femmes, avec beaucoup d'amour.

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Jaime aime Morlaix et j'aime Morlaix... (cf critique)

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Comme dans ses précédents films, "Été 93" et "Nos soleils", Carla Simón travaille la matière autobiographique avec autant de pudeur que de clairvoyance, son alter ego adolescent se confronte à la douleur sans jamais baisser la tête ni pleurer sur elle-même, la drogue, le sida, la façon dont on a caché les mourants, tout ça est évoqué dans une lumière presque aveuglante. "Romería" c'est donc ça, un film d'une beauté renversante qui charrie des hectolitre de larmes, qui met la bourgeoisie face à un miroir autant qu'un pays tout entier obligé de regarder la défaite après la fête, la mort qui a succédé à la movida tant glorifiée. Le film est multiple, il se permet même de ressusciter des fantômes, il est déchirant autant que stimulant, et l'émotion est venue chez moi certes du fond mais aussi de la forme, avec cette photo qui convoque une nostalgie instantanée, ces archives fictionnelles qui sonnent comme des souvenirs heureux et douloureux.

En résumé "Romería" est un un immense film et une nouvelle preuve de la cécité des jurys cannois.

NB : La nouvelle venue Llúcia Garcia est incroyable, elle est de quasiment tous les plans, joue deux rôles, autre élément très émouvant, qui nécessite une gymnastique de jeu dingue.

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Le meilleur film de Baz Luhrmann pourrait bien être celui qui sera de loin le moins vu, en partie parce que sa propension à en rajouter en terme de show est ici comme annihilé par Elvis lui-même, qui a en la matière quelque chose d'inégalable. On pourra d'ailleurs remarquer que les seuls terrains de jeu qui appartiennent en quelque sorte ici au cinéaste australien, générique d'ouverture et de fin, sont là où se niche le mauvais goût, en particulier dans une version "soupe" d'un morceau du King. Le vrai Elvis est tellement plus charismatique, même bouffi, qu'Austin Butler, tellement plus souriant, drôle que le personnage que préfère nous servir la fiction, et ce que fait Luhrmann de cette période Las Vegas est remarquable, son montage a beau être frénétique il laisse vivre la musique, la bête de scène, celui qui s'offre entièrement à un public qui le lui rend bien. "EPiC" fait donc revivre la star (Le terme n'était à l'époque pas galvaudé), l'immense artiste mais aussi l'homme à travers des archives étonnantes, et la restauration effectuée, image et son, donne à l'ensemble quelque chose de quasiment unique dans le documentaire, l'impression de toucher du doigt ce qui aurait été capté hier, et donc de vivre 96 minutes durant dans un monde contemporain à Elvis. Troublant, vraiment très troublant, et délicieux comme le serait l'assouvissement (temporaire) d'un fantasme.

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Je ne pensais plus dire ça un jour mais j'ai à nouveau été totalement emporté par un film de Pedro Almodóvar. Un film sur le cinéma (Passionnant à voir en miroir de "L’Être aimé" du compatriote mais bien plus jeune Sorogoyen) mais surtout un film sur Almodóvar. Un Almodóvar tellement malin, qui fait son mea culpa en mode « Ben ouais nous les artistes on est des raclures, on vole vos vies et vos âmes », qui dit qu'il est fini, qu'on ne peut être et avoir été, tout en montrant quel génie il est, qui dit qu'il n'est pas dupe du mélo qu'il nous sert mais qui nous le sert quand même au premier degré en le faisant ressembler trait pour trait à ce qu'il a fait selon moi de meilleur, ces films où l'on pleure en regardant des femmes qui pleurent en écoutant "La Llorona". Bref si j'en crois sa moyenne ici-même c'est du cinéma de vieux cinéastes pour vieux spectateurs, les mêmes qui avaient adoré un exercice pas si éloigné, celui de Nanni Moretti dans "Vers un avenir radieux", et donc plus aucun doute j'en fais partie, je suis has been, largué. La preuve : moi aussi là je fais le malin car j'ai croisé deux-trois personnes moins proches de la tombe que moi qui ont adoré cet "Autofiction", son intelligence, sa lucidité, sa beauté esthétique qui se niche jusque dans les motifs des robes, et qui te donne envie de partir à Lanzarote à peine le générique de fin achevé.

En attendant de prendre l'avion direction les Canaries je vais aller voir l'âge moyen du jury cannois, on ne sait jamais la septième tentative sera peut-être la bonne. (En vrai je le vois bien repartir avec un truc du genre prix du scénario, il va faire une de ces tronches le Pedro...)

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Je suis sorti de là chamboulé, bouleversé par le courage de cette cinéaste, de cette femme, de cet être humain, par son honnêteté morale et intellectuelle, par sa façon d'avouer ce qui ne fait plus recette aujourd'hui, le doute, l'impossibilité d'avoir un avis tranché sur ce qui pourtant l'a touché et la touche encore au premier chef. En dévoilant ses pensées, ses réflexions mais aussi ses échanges avec son ami Ariel Cypel, elle s'expose et ce faisant accouche d'un geste artistique majeur. Assurément l'un des grands documentaires de ces dernières années...

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Sur le papier on pouvait s'attendre au pire : instinctivement des mots comme humanitude provoquent chez moi des poussées urticantes, Virginie Efira en directrice d'EHPAD était pour moi à peu près aussi crédible que Virginie Efira en gilet jaune, et puis les dernières expériences de cinéastes japonais en France ne poussaient pas à un optimisme démesuré. Ah oui et puis j'oubliais : 3h16 quoi !

Résultat : Ryusuke Hamaguchi est décidément un immense cinéaste et un humain pas dégueulasse non plus. Car il fallait être sacrément courageux pour faire tout un film sur la bonté, qui n'est plus réellement une valeur cardinale, pour ne rien expliquer du miracle d'une rencontre, spirituelle, intellectuelle et presque charnelle dans les échanges. Car oui, et c'est l'une de ses particularités tout au long de sa filmographie, Hamaguchi semble voir la parole comme un geste érotique (Il l'avait même formalisé concrètement dans "Contes du hasard et autres fantaisies"), chez lui il peut y avoir de la sensualité dans un paperboard et une longue tirade sur libéralisme = chute de la démographie. Pas sûr que ce que je viens d'écrire incite quiconque à aller voir "Soudain", car non le capitalisme ce n'est pas sexy, pas plus qu'une partouse de vieux pieds ou l'organisation DRH d'un établissement de santé. Et pourtant je vous assure que c'est d'une fluidité absolue, qu'on peut adhérer à cette utopie qu'on pourrait croire d'un autre temps, à la valeur de l'altérité, du toucher, de l'échange, à l'alchimie inexplicable des âmes. P... c'est horrible j'ai l'impression d'apporter de l'eau au moulin de ce que j'exècre le plus actuellement, le juteux marché du développement personnel. Alors que dans les faits le film n'est pas ça. Et c'est logique car les grands chefs ne font pas ce qu'on pourrait attendre avec des ingrédients basiques, il faut goûter leur recette pour comprendre, ou plutôt ne pas comprendre comment ils ont fait pour obtenir ce résultat. Tout comme je n'ai pas compris comment un cinéaste a obtenu ça de son duo d'actrices que le jury cannois ne pouvait que récompenser ensemble.

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Le cinéma peut tout, même ressusciter les gens qu'on aime... (cf critique)

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Parfois on souhaiterait que les lumières de la salle ne se rallument pas trop rapidement... (cf critique)

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Sylvie Pialat a dit en présentant ce documentaire que le réalisateur Tom Fontenille semblait découvrir en même temps que le public ce qui se déroulait devant sa caméra. Et c'est exactement ça et le résultat est vertigineux, peut-être l'expérience de mise à nu la plus singulière que j'ai vue depuis "Noël et sa mère" d'Arthur Dreyfus. C'est au sens premier un film de famille mais rattrapé par une dramaturgie que seul le destin peut imposer. "Cœur secret" est un geste qui peut paraitre étroit dans un premier temps mais qui prend une ampleur folle au fur et à mesure de l'évolution de Lilou, nous faisant passer du rire aux larmes sans qu'on ait rien senti venir.

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Dans cette période de sorties bien morose "Pillion" est le genre de film qui fait du bien, qui donne à voir et ressentir autre chose qu'un robinet d'eau tiède, qui assume son propos sans s'en gargariser, qui montre quelque chose de peu banal en osant plaquer dessus une forme de banalité de l'amour. Un pote m'a dit quelque chose que je trouve extrêmement pertinent, que le récit aurait été encore plus fort si les rôles avaient été inversés, mais ce léger manque d'audace mis à part, "Pillion" nous sort en permanence de la convention, y compris artistique, et rien que pour ça je remercie Harry Lighton, ses deux formidables interprètes, qui prouvent qu'on peut faire du cinéma gay sans que cette inclination sexuelle ne soit jamais le propos.

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Ah ben mince j'avais oublié de le noter celui-ci, et pourtant je l'ai beaucoup beaucoup aimé, probablement parce que Josh y a assumé d'être la part exaltée du duo, parce que contrairement à son frère il n'a pas tenté le truc décalé et finalement aussi plat que prétentieux. "Marty Supreme" est donc un train lancé à très très grande vitesse, une sorte de "Raging Bull" où même le mauvais goût aurait droit au chapitre dans une scène de miel qui m'a secoué. Et puis franchement passer 2h30 avec un sale c.. sans jamais avoir envie de quitter la salle, c'est en soi quelque chose de peu commun. Je n'ai volontairement pas fait référence à Timothée Chalamet car c'est selon moi le talon d’Achille du film, non pas parce qu'il joue mal, au contraire il est excellent, mais seulement parce que j'ai constamment eu la sensation de le voir jubiler d'enfin tenir son grand rôle.

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Un film comme on dit nécessaire car il documente la résistance en Russie, la difficulté d'être journaliste et opposant sous de tels régimes, les jours où tout a basculé et où nombre de personnes ont dû fuir le pays, mais dont la réussite indéniable se trouve certainement dans la proximité que la réalisatrice Julia Loktev est parvenue à créer avec ces Superwomen. En les filmant au long cours, aussi bien au sein des studios de TV Rain que chez elles, elle nous permet de les connaitre, de nous attacher à elles, et donc d'être tristes de devoir les laisser partir au bout de ces 5h24 intenses. (Pour mieux les retrouver puisque leur exil devrait donner lieu à un autre film.)

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Après un passage réussi par le film jeune public Pierre Salvadori revient à la comédie peuplée d'êtres fragiles, et la raison pour laquelle je me sens si bien chez lui m'a cette fois sauté aux yeux et aux oreilles : je m'y sens respecté en tant que spectateur car ce fan absolu de Lubitsch ne se contente pas de quiproquos ou de deux-trois gags faciles, il écrit patiemment des personnages qu'il aime, leur donne de l'épaisseur, de la profondeur, des fêlures, il parle de deuil, d'un « nouvel amour qui n’en efface pas un autre », du sentiment qui modifie le regard, il parle de l'art qui ne se voit pas mais se ressent, des « peintres qui s’appliquent à ne pas s’appliquer. ».

En réalité il nous dit ceci : un cinéaste est un illusionniste, il faut croire aux histoires qu’il nous raconte, du moins s'il prend plaisir à nous les raconter. Charge à lui de nous faire oublier que Gilles Lellouche n'et pas forcément un acteur qu'on aime, qu'on a eu peur au début d'être dans une rencontre entre Jeunet et Klapisch, de nous faire devenir Suzanne, formidable Anaïs Demoustier, incapable de refermer le journal d'Irène. Bref charge à lui de faire de la comédie un genre noble dans un pays où chaque semaine sort un "Cocorico 2", un "Maison de retraite 26" ou un "Chasse gardée 42", oui charge à lui , et des gens comme Amélie Bonnin qui avait fait l'ouverture cannoise l'an dernier avec "Partir un jour", de montrer que le rire n'est pas forcément gras, qu'il ne doit pas être une barrière à la réflexion.

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« Dao est un mouvement perpétuel et circulaire qui coule en toute chose et unit le monde. »

Cette définition pourrait être celle du cinéma d'Alain Gomis, celle d'un cinéma où le rythme semble être l'élément premier. Son dernier film, objet hybride et indéfinissable, ressemble un peu à une impro de jazz *, qu'on entend d'ailleurs parfois dans la BO, ici le temps n'a pas d'importance, il pourrait se réduire ou se dilater puisqu'on est libre de s'y promener, de l'interrompre, le reprendre. Parfois la liberté au cinéma est un concept fumeux, ici elle est LA trame du film, un principe qui ne se dément jamais jusque dans cette durée qui s'avère selon moi la seule réelle limite du projet.

* Il y a quelques années Gomis avait consacré un doc étourdissant à Thelonious Monk, "Rewind & Play", si vous ne l'avez pas encore vu je ne peux que vous y encourager.

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Possédant deux spécimens d'adolescentes à la maison je regrette souvent de les voir si mal représentées au cinéma, croquées comme des caricatures sur pattes et en tout cas bien loin de la complexité qui habite ces êtres étranges au-delà du téléphone qui semble greffé à leur main et de leur langage plus proche de celui de Jul que de Baudelaire. Ce qu'est parvenue à saisir Marine Atlan est assez saisissant au point qu'on se sent parfois aussi gênés qu'heureux de se glisser dans les conversations, de partager des moments qu'on pourrait croire volés. En tout cas "La Gradiva" possède dès ses premières images la grâce, on comprend immédiatement qu'on a affaire à une cinéaste qui va imposer un point de vue, qui ne va pas faire dans le faux documentaire mais dans le récit qui va oser glorifier la vie sans nous épargner de rencontrer la mort, qui va marier le réalisme au romanesque, nous faire passer par tous les sentiments, bref qui va faire de ces 2h25 quelque chose de très intense, à l'image du jeu d'acteurs à 99% non professionnels. On est souvent déçu par les films qui font le buzz dans les festivals mais celui-ci a mérité tout le bien qu'on en a dit à Cannes et son Grand Prix à la Semaine de la critique.

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J'attendais ce "Silent Friend" avec grande impatience tant les trois films d'Ildikó Enyedi que j'avais vus ("Mon XXe siècle", "Corps et Âme" et "L'Histoire de ma femme") m'avaient paru stimulants, exigeants sans être élitistes. Et la réalisatrice hongroise nous refait le coup avec ce récit qui réclame au spectateur de lui faire confiance *, de franchir avec lui les portes de la science, de la philosophie, mais aussi du temps car l'ami silencieux, du haut de son âge respectable, a pu observer l'émancipation de Grete en 1908, l'éveil aux passions du jeune Hannes dans les années 70, et est toujours là aujourd'hui pour "converser" avec Tony. Comme toujours chez la cinéaste hongroise le fond très riche va avec une forme qui l'est tout autant, alors elle ne se contente pas d'alterner noir et blanc et couleur, non elle travaille chaque récit dans un format d'image différent, argentique 16 et 35mm, numérique. L'objet est donc d'une beauté saisissante, ce récit parfois onirique sur le sentir et le ressentir, sur la communion du vivant, est accompagné par tout ce que le septième art permet, sans oublier le bonheur d'y retrouver Tony Leung, et le tout donne 2h27 de vrai cinéma.

* Visiblement ce fut le cas des spectateurs du festival où je me trouvais car "Silent Friend" est reparti avec le Prix du public.

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La cinéaste canado-hongroise Sophy Romvari a pris son temps pour réaliser son premier long, faisant ses classes avec plusieurs courts, et il semblerait qu'elle ait eu raison à voir la maitrise dont elle fait preuve avec ce "Blue Heron". Film de famille, réflexion presque terre à terre sur la santé mentale, ce film est tout à la fois concret et très décalé, à l'image de ce travail sur la temporalité et la mémoire qui permet sans qu'il s'en rende vraiment compte au spectateur de rejoindre les protagonistes dans leur perte de repères, dans ce monde qu'ils tentent d'attraper alors que celui-ci s'échappe inévitablement. "Blue Heron" n'est certainement pas un objet facile à apprivoiser, pas plus qu'un morceau de Daniel Johnston qui vient vous sécher à la fin, mais rares sont les instants où on a ainsi l'impression de rencontrer une vraie proposition de cinéma, un geste très profond qui donne envie de suivre de très près celle qui l'a effectué.

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Le cinéma turc actuel est logiquement très influencé par celui de Nuri Bilge Ceylan, et l'un des nombreux mérites de ce film de de Zeki Demirkubuz est de s'en dissocier, volontairement ou non. "Hayat" est surprenant à tous les endroits, il s'empare d'un sujet très très commun aujourd'hui mais évite toute facilité, part sur des chemins, au propre comme au figuré, aptes à perdre le spectateur. Cette sensation de perte de repères, y compris dans l'amplitude de la durée, fait un bien fou, je dirais même qu'elle flatte le spectateur dont la réflexion est ici sollicitée.

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Au cas où vous ne l'auriez pas compris cet OFNI absolu est mon gros gros gros coup de cœur du moment, non pas qu'il s'agisse d'un chef-d’œuvre, mais chose rare d'un truc qui quelque part donne l'impression d'être le patient zéro d'une nouvelle forme de cinéma post-IA, qui redéfinit les normes en les faisant exploser, que ce soit en terme de récit ou de réalisation (J'emploie le mot à dessein car il est compliqué ici de parler réellement de mise en scène). "Memory of Princess Mumbi" n'est pas racontable, j'en veux pour preuve un synopsis qui assume le foutraque, c'est peut-être un film de SF, une histoire d'amour, mais en réalité tout ça on s'en fout car l'objet n'est pas d'expliquer ce qu'a fait là le Suisso-kényan Damien Hauser mais de vivre l'expérience.

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(Si mes bêtises ont attiré l’œil d'une seule personne qui grâce à ça finira par aller voir ce film je serai aux anges...)

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Pour un premier film cette "Disparition" s'avère très mature dans sa retenue scénaristique et très impressionnante dans sa mise en scène, dans son sens du cadrage qui est parfois allé jusqu'à me rappeler Serguei Paradjanov. La séquence de danse est l'une des choses les plus marquantes que j'aie pu découvrir depuis très longtemps, et je n'ai qu'une hâte : pouvoir la revoir encore et encore.

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On m'avait vendu un petit Zviaguintsev. Et c'est probablement vrai. Sauf qu'il faut s'entendre sur ce qu'est un petit Zviaguintsev, l'un des cinéastes contemporains les plus impressionnants et influents. En résumé un petit film d'un artiste de cette envergure serait un film majeur pour beaucoup d'autres. Je reste convaincu que vouloir à tout prix faire un remake du formidable film de Chabrol "La Femme infidèle" était une drôle d'idée, d'autant qu'en tant que cinéaste russe il n'avait d'autre choix que de lier le premier film à un second, forcément actuel. Et là il faut reconnaitre qu'il se heurte à un mur dans le sens où on voit bien qu'il galère à plaquer l'état de la Russie actuelle sur cette histoire d'adultère et de mari assassin somme toute assez basique. Oui mais voilà le gars est un metteur en scène de génie, il pourrait filmer une table basse pendant 2h20 qu'il en tirerait quelque chose. Et donc là une fois de plus on ne peut qu'admirer la maitrise, ces cadrages, ces plans certes moins recherchés qu'à l'habitude mais d'une efficacité et d'une beauté diaboliques. On oublie souvent ce détail mais quand il y a du CINÉMA dans un film c'est tout de suite plus sympa.

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Alors là quelle belle surprise ! J'y suis allé un peu à reculons craignant un truc attendu et bien tire-larmes, et j'en suis ressorti le sourire aux lèvres... et le cœur un peu serré. "Plus fort que moi" c'est vraiment la recette que seuls les rosbifs réussissent ainsi, un mélange quasiment parfait entre humour et émotion, avec certes des passages obligés mais qu'on ne voudrait voir pour rien au monde exclus du cocktail. Trois choses sont pour beaucoup dans cette alchimie : la présence de Robert Aramayo qui réussit l'exploit d'être à fond sans être performatif, les dialogues d'une drôlerie absolue et enfin l'utilisation de l'environnement, les rues, les maisons, par Kirk Jones qui semble dire : « Ok cette histoire aurait pu se passer n'importe où mais non, elle s'est passée ici, dans ces lieux où toute bonne comédie sociale se déroule. ».

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Je parlais tout à l'heure à propos de "Nino dans la nuit" d'adaptation ratée à force de rester l’œil à ras de la page, en voici le contre-exemple avec un film qui ose s'éloigner de son matériau d'origine, qui va chercher le romanesque là où Giuliano da Empoli avait selon moi commis un ouvrage très journalistique. Assayas a ça, il passe du geste très intello à du trépidant plus grand public avec une même réussite, et ici tout comme dans "Cuban Network" il cherche l'efficacité, une forme de plaisir assez basique dans le mouvement, le jeu sur la chronologie. Bien entendu il y a le propos politico-historique, passionnant car d'une brûlante actualité, l'explication d'une "méthode" qui a fait des petits tout aussi monstrueux, mais il y a selon moi avant tout un film d'action qui n'a pas besoin de l'agitation pour exister.

NB : J'ai entendu ça et là que le jeu de Paul Dano était plat, monocorde, lisez le roman et vous comprendrez qu'il est juste parfait dans l'incarnation d'un être aussi glaçant que doux dans son éloquence.

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Le Belge Claude Schmitz est décidément insaisissable et crée cette fois un duo d'inspecteurs aussi farfelu que celui du "P'tit Quinquin" de Bruno Dumont. Fidèle à Francis Soetens qu'il associe à Rodolphe Burger, moins connu comme acteur que musicien mais absolument formidable, il crée un film irrésistible de drôlerie mais aussi poétique, avec à la clé un message pas désagréable à entendre : un amour de vacances n'a pas d'âge et aller conter fleurette à sa bien-aimée est tellement plus important qu'enquêter sur la disparition d'une bague. En espérant retrouver ces si touchants bras cassés dans de prochaines aventures...

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Je dois dire que ce film m'a rassuré car dans une époque où la mesure et le doute semblent des délits il existe encore des Alauda Ruíz de Azúa qui ne ricanent pas avec leurs sujets, qui n'imposent rien aux autres et ne jugent pas leurs personnages, qui montrent qu'à force de vouloir le bien des autres on leur fait du mal. Bref c'est un film qui réfléchit quasiment en direct, ne force jamais le passage mais préfère proposer une réflexion complexe qui ne pourra que se poursuivre après le générique de fin.

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Ce film a selon moi une qualité essentielle : sa sincérité, ou du moins celle qui s'en dégage. Il ne fait jamais semblant d'être autre chose qu'une œuvre s'inscrivant dans l'héritage de Ken Loach ou Mike Leigh. Jamais frimeur Brendan Canty raconte une histoire simple, touchante tout en refusant le misérabilisme et préférant même la lumière au bout du tunnel, une rédemption certes chaotique mais pas forcément vouée à l'échec. Et puis il y a cette impression de vivre réellement dans ce quartier de Cork, avec ses (formidables) acteurs qui n'en sont pas et renforcent ainsi le sentiment d'authenticité, d'être immergé dans un lieu où le collectif a un sens, où la galère semble inexorable mais pas synonyme de malheur. Tiens encore un film où ceux qui aiment quitter la salle à la première ligne du générique de fin rateront quelque chose d'essentiel...