Les meilleurs films français de 2026 selon takeshi29

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Emmanuel en a Marre du cinéma qui te dit quoi penser... et du management… (cf critique)

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Alain Cavalier, bientôt 95 ans, dit ce qu'il fait et fait ce qu'il dit. Ainsi il n'était pas là pour accompagner son ultime film à La Rochelle, du moins pas physiquement car il était au téléphone avec l'équipe du festival quelques minutes avant la projection afin de savoir dans quelle salle on allait jouer son film, si le public était nombreux, etc. Et je le rassure il n'y avait pas un fauteuil de libre et l'amour des spectateurs était palpable à chacune de ces 84 minutes (d'ailleurs remontées depuis Cannes), comme si tout le monde aimait cet homme autant que ses films et voulait une dernière fois lui dire « Merci d'être venu », de nous avoir offert cette manière de faire du cinéma unique, de simplement filmer la vie, la mort, et d'en faire une immense minuscule pièce comique et déchirante. Tout l'esprit de Cavalier est là, tous ses fantômes avec qui il cohabite paisiblement, toute sa complicité avec Françoise Widhoff aussi, l'expérience "Pater", son rapport aux êtres (La merveilleuse Emmanuèle Bernheim ne pouvait qu'être là), aux animaux (La mort du chat est déchirante et m'a rappelé Sophie Calle et Souris) et aux choses. J'ai beaucoup ri, beaucoup pleuré aussi, parce que voir le "Filmeur" ranger sa caméra, au sens premier du terme, est bouleversant, parce que cet homme me manque déjà...

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Jaime aime Morlaix et j'aime Morlaix... (cf critique)

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Je suis sorti de là chamboulé, bouleversé par le courage de cette cinéaste, de cette femme, de cet être humain, par son honnêteté morale et intellectuelle, par sa façon d'avouer ce qui ne fait plus recette aujourd'hui, le doute, l'impossibilité d'avoir un avis tranché sur ce qui pourtant l'a touché et la touche encore au premier chef. En dévoilant ses pensées, ses réflexions mais aussi ses échanges avec son ami Ariel Cypel, elle s'expose et ce faisant accouche d'un geste artistique majeur. Assurément l'un des grands documentaires de ces dernières années...

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Sur le papier on pouvait s'attendre au pire : instinctivement des mots comme humanitude provoquent chez moi des poussées urticantes, Virginie Efira en directrice d'EHPAD était pour moi à peu près aussi crédible que Virginie Efira en gilet jaune, et puis les dernières expériences de cinéastes japonais en France ne poussaient pas à un optimisme démesuré. Ah oui et puis j'oubliais : 3h16 quoi !

Résultat : Ryusuke Hamaguchi est décidément un immense cinéaste et un humain pas dégueulasse non plus. Car il fallait être sacrément courageux pour faire tout un film sur la bonté, qui n'est plus réellement une valeur cardinale, pour ne rien expliquer du miracle d'une rencontre, spirituelle, intellectuelle et presque charnelle dans les échanges. Car oui, et c'est l'une de ses particularités tout au long de sa filmographie, Hamaguchi semble voir la parole comme un geste érotique (Il l'avait même formalisé concrètement dans "Contes du hasard et autres fantaisies"), chez lui il peut y avoir de la sensualité dans un paperboard et une longue tirade sur libéralisme = chute de la démographie. Pas sûr que ce que je viens d'écrire incite quiconque à aller voir "Soudain", car non le capitalisme ce n'est pas sexy, pas plus qu'une partouse de vieux pieds ou l'organisation DRH d'un établissement de santé. Et pourtant je vous assure que c'est d'une fluidité absolue, qu'on peut adhérer à cette utopie qu'on pourrait croire d'un autre temps, à la valeur de l'altérité, du toucher, de l'échange, à l'alchimie inexplicable des âmes. P... c'est horrible j'ai l'impression d'apporter de l'eau au moulin de ce que j'exècre le plus actuellement, le juteux marché du développement personnel. Alors que dans les faits le film n'est pas ça. Et c'est logique car les grands chefs ne font pas ce qu'on pourrait attendre avec des ingrédients basiques, il faut goûter leur recette pour comprendre, ou plutôt ne pas comprendre comment ils ont fait pour obtenir ce résultat. Tout comme je n'ai pas compris comment un cinéaste a obtenu ça de son duo d'actrices que le jury cannois ne pouvait que récompenser ensemble.

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Le cinéma peut tout, même ressusciter les gens qu'on aime... (cf critique)

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Sylvie Pialat a dit en présentant ce documentaire que le réalisateur Tom Fontenille semblait découvrir en même temps que le public ce qui se déroulait devant sa caméra. Et c'est exactement ça et le résultat est vertigineux, peut-être l'expérience de mise à nu la plus singulière que j'ai vue depuis "Noël et sa mère" d'Arthur Dreyfus. C'est au sens premier un film de famille mais rattrapé par une dramaturgie que seul le destin peut imposer. "Cœur secret" est un geste qui peut paraitre étroit dans un premier temps mais qui prend une ampleur folle au fur et à mesure de l'évolution de Lilou, nous faisant passer du rire aux larmes sans qu'on ait rien senti venir.

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Après un passage réussi par le film jeune public Pierre Salvadori revient à la comédie peuplée d'êtres fragiles, et la raison pour laquelle je me sens si bien chez lui m'a cette fois sauté aux yeux et aux oreilles : je m'y sens respecté en tant que spectateur car ce fan absolu de Lubitsch ne se contente pas de quiproquos ou de deux-trois gags faciles, il écrit patiemment des personnages qu'il aime, leur donne de l'épaisseur, de la profondeur, des fêlures, il parle de deuil, d'un « nouvel amour qui n’en efface pas un autre », du sentiment qui modifie le regard, il parle de l'art qui ne se voit pas mais se ressent, des « peintres qui s’appliquent à ne pas s’appliquer. ».

En réalité il nous dit ceci : un cinéaste est un illusionniste, il faut croire aux histoires qu’il nous raconte, du moins s'il prend plaisir à nous les raconter. Charge à lui de nous faire oublier que Gilles Lellouche n'et pas forcément un acteur qu'on aime, qu'on a eu peur au début d'être dans une rencontre entre Jeunet et Klapisch, de nous faire devenir Suzanne, formidable Anaïs Demoustier, incapable de refermer le journal d'Irène. Bref charge à lui de faire de la comédie un genre noble dans un pays où chaque semaine sort un "Cocorico 2", un "Maison de retraite 26" ou un "Chasse gardée 42", oui charge à lui , et des gens comme Amélie Bonnin qui avait fait l'ouverture cannoise l'an dernier avec "Partir un jour", de montrer que le rire n'est pas forcément gras, qu'il ne doit pas être une barrière à la réflexion.

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« Dao est un mouvement perpétuel et circulaire qui coule en toute chose et unit le monde. »

Cette définition pourrait être celle du cinéma d'Alain Gomis, celle d'un cinéma où le rythme semble être l'élément premier. Son dernier film, objet hybride et indéfinissable, ressemble un peu à une impro de jazz *, qu'on entend d'ailleurs parfois dans la BO, ici le temps n'a pas d'importance, il pourrait se réduire ou se dilater puisqu'on est libre de s'y promener, de l'interrompre, le reprendre. Parfois la liberté au cinéma est un concept fumeux, ici elle est LA trame du film, un principe qui ne se dément jamais jusque dans cette durée qui s'avère selon moi la seule réelle limite du projet.

* Il y a quelques années Gomis avait consacré un doc étourdissant à Thelonious Monk, "Rewind & Play", si vous ne l'avez pas encore vu je ne peux que vous y encourager.

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Un immense merci à Félix de Givry, qui signe son premier long après avoir joué chez Olivier Assayas et produit ce dernier, pour m'avoir lavé les yeux et le cœur de l'horrible épreuve "Histoires de la nuit". Chez lui la photo est aussi belle qu'intemporelle, son évocation de l'adolescence est profonde et romanesque, son choix de faire appel à Françoise Lebrun pour raconter en voix off l'histoire d'Otto et Léna démontre une approche quasiment littéraire mais jamais prétentieuse du cinéma qui n'est pas sans rappeler Truffaut. Avec des gens comme ça le septième art français a de beaux jours devant lui, loin des grosses productions sans âme et souvent malheureusement sans talent.

NB : J'ai passé la séance à me demander où j'avais vu ce remarquable jeune acteur, pour m'apercevoir finalement qu'il s'agissait de Milo Machado-Graner, le petit Daniel de "Anatomie d'une chute".

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Possédant deux spécimens d'adolescentes à la maison je regrette souvent de les voir si mal représentées au cinéma, croquées comme des caricatures sur pattes et en tout cas bien loin de la complexité qui habite ces êtres étranges au-delà du téléphone qui semble greffé à leur main et de leur langage plus proche de celui de Jul que de Baudelaire. Ce qu'est parvenue à saisir Marine Atlan est assez saisissant au point qu'on se sent parfois aussi gênés qu'heureux de se glisser dans les conversations, de partager des moments qu'on pourrait croire volés. En tout cas "La Gradiva" possède dès ses premières images la grâce, on comprend immédiatement qu'on a affaire à une cinéaste qui va imposer un point de vue, qui ne va pas faire dans le faux documentaire mais dans le récit qui va oser glorifier la vie sans nous épargner de rencontrer la mort, qui va marier le réalisme au romanesque, nous faire passer par tous les sentiments, bref qui va faire de ces 2h25 quelque chose de très intense, à l'image du jeu d'acteurs à 99% non professionnels. On est souvent déçu par les films qui font le buzz dans les festivals mais celui-ci a mérité tout le bien qu'on en a dit à Cannes et son Grand Prix à la Semaine de la critique.

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On m'avait vendu un petit Zviaguintsev. Et c'est probablement vrai. Sauf qu'il faut s'entendre sur ce qu'est un petit Zviaguintsev, l'un des cinéastes contemporains les plus impressionnants et influents. En résumé un petit film d'un artiste de cette envergure serait un film majeur pour beaucoup d'autres. Je reste convaincu que vouloir à tout prix faire un remake du formidable film de Chabrol "La Femme infidèle" était une drôle d'idée, d'autant qu'en tant que cinéaste russe il n'avait d'autre choix que de lier le premier film à un second, forcément actuel. Et là il faut reconnaitre qu'il se heurte à un mur dans le sens où on voit bien qu'il galère à plaquer l'état de la Russie actuelle sur cette histoire d'adultère et de mari assassin somme toute assez basique. Oui mais voilà le gars est un metteur en scène de génie, il pourrait filmer une table basse pendant 2h20 qu'il en tirerait quelque chose. Et donc là une fois de plus on ne peut qu'admirer la maitrise, ces cadrages, ces plans certes moins recherchés qu'à l'habitude mais d'une efficacité et d'une beauté diaboliques. On oublie souvent ce détail mais quand il y a du CINÉMA dans un film c'est tout de suite plus sympa.

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Je parlais tout à l'heure à propos de "Nino dans la nuit" d'adaptation ratée à force de rester l’œil à ras de la page, en voici le contre-exemple avec un film qui ose s'éloigner de son matériau d'origine, qui va chercher le romanesque là où Giuliano da Empoli avait selon moi commis un ouvrage très journalistique. Assayas a ça, il passe du geste très intello à du trépidant plus grand public avec une même réussite, et ici tout comme dans "Cuban Network" il cherche l'efficacité, une forme de plaisir assez basique dans le mouvement, le jeu sur la chronologie. Bien entendu il y a le propos politico-historique, passionnant car d'une brûlante actualité, l'explication d'une "méthode" qui a fait des petits tout aussi monstrueux, mais il y a selon moi avant tout un film d'action qui n'a pas besoin de l'agitation pour exister.

NB : J'ai entendu ça et là que le jeu de Paul Dano était plat, monocorde, lisez le roman et vous comprendrez qu'il est juste parfait dans l'incarnation d'un être aussi glaçant que doux dans son éloquence.

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Géo trouve l'amour… (cf critique)

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J'attendais avec une certaine impatience le nouveau bébé d'Aurélien Vernhes-Lermusiaux, Prix Louis-Delluc du meilleur premier film pour le déjà subjuguant “Vers la bataille” en 2021, et je n'ai pas été déçu. Son cinéma est probablement le moins français qui soit, totalement porté sur l'atmosphère, la mise en scène, la beauté presque virginale du plan. C'est donc fatalement très excluant, mais quand on adhère on vit un moment assez dingue dans ces paysages désertiques qu'on croirait ceux d'une autre planète, dans un ce conte ancestral peu bavard.

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Erige Sehiri avait fait naitre des promesses avec son précédent film, "Sous les figues", même si celui-ci pâtissait d'une forme de surplace dans son récit. L'inverse de ce très très beau "Promis le ciel" qui est perpétuellement en mouvement, dans les pas de ces femmes magnifiquement interprétées par Aïssa Maïga, Laetitia Ky et Debora Lobe Naney, impressionnante débutante qui joue presque son propre rôle. Le film évite d'être démonstratif, refuse le misérabilisme alors même qu'il s'intéresse au douloureux sort des immigrés subsahariens en Tunisie. Sujet dont je n'avais jamais entendu parler et qui est ici traité avec intelligence.

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Louis Clichy, diplômé de l'école des Gobelins, avait jusqu'ici travaillé sur de grosses productions, en tant qu'animateur chez Pixar et à la tête des "Astérix" avec Alexandre Astier. Mais pour sa première réalisation en solo, et c'était déjà un signe de sa manière de penser, il revient à du plus modeste, de l'intime dessiné avec une infinie douceur. "Le Corset" est donc l'archétype du film que je réclame en permanence, celui qui ne prend jamais les enfants pour des idiots mais pas non plus pour les adultes qu'ils ne sont pas, qui ne réduit pas la vie à un conte de fées tout en n'oubliant pas de leur dire que la "réussite" n'est pas forcément ce que l'époque actuelle désigne. Bref c'est un merveilleux récit d'apprentissage et de résilience (Ce mot dorénavant servi à toutes les sauces a ici réellement sa place), on rit et on pleure avec Christophe, on redevient un gamin de 11 ans incapable de se tenir droit mais capable de provoquer des ouragans, et pas que celui de Stéphanie de Monaco, on découvre (déjà) la perte des illusions mais aussi on s'aperçoit qu'un petit bonhomme enfermé dans un corset peut devenir séduisant en jouant de l'orgue d'église. Et on embrasse pour la première fois...

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"À pied d'œuvre" a beau être d’une grande sobriété, refuser tout apitoiement, il n’en est pas moins déchirant par bribes, ces courts instants où des artifices de cinéma, 70 mm et Super 8, sont utilisés, ou quand la voix de Serge Reggiani déboule sans crier gare. Étonnamment le héros, car oui c’en est un, semble trouver sa dignité dans la précarité, sa noblesse est intime et dénote par rapport au regard d’une société devenue aveugle à tout ce qui n’est pas réussite, qui ne brille pas, et qui met la survie économique de ses citoyens aux enchères. Valérie Donzelli a fait preuve de respect envers le roman et le choix de vie de Franck Courtès, Bastien Bouillon en a fait de même en l’incarnant avec tant de retenue.

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Une vraie vie animée, c'est ce que propose cette adaptation du roman graphique d'AJ Dungo. N'ayant pas lu ce dernier je ne peux juger de la fidélité mais en tant que tel ce film est redoutable, en particulier pour les glandes lacrymales soumises ici à très rude épreuve. Si ce "In Waves" est dans le milieu de la distribution et de l'exploitation cinématographique typiquement ce qu'on appelle un film 15-25, je peux témoigner des effets féroces qu'il provoque sur des (largement) plus grands : en gros deux paquets de Kleenex par personne.

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On retrouve une grande partie de la bande de "Grand Paris", le même ton décalé, indolent, pop, la manière tendre de filmer le béton, mais là où l'argument sympathique s'essoufflait dans le premier essai, donnant l'impression d'un court étiré, cette fois le rire est présent à chaque instant, les personnages savoureux existent et ne remplissent pas que des fonctions. Et si le récit peut paraitre plus classique, linéaire, il y gagne en efficacité. Un mot sur les actrices et acteurs, toutes et tous formidables, jusqu'aux seconds rôles, avec un coup de chapeau particulier à Emmanuelle Bercot, qui après son récital dans "L'Esprit Coubertin", confirme son talent comique. De quoi commencer l'année 2026 un immense sourire aux lèvres puisque la sortie du film est annoncée pour le 28 janvier.

NB : Martin Jauvat semblait se demander ce qu'il faisait dans la programmation toujours de très haut niveau du Festival de La Rochelle. On peut le rassurer, son "Baise-en-ville" a été reçu comme un immense vent de fraîcheur par un public conquis.

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J’aime la plume incisive d’Ovidie, sa façon d’appeler un chat un chat et surtout dans le cas précis une chatte une chatte, d’appeler les hommes à réellement se regarder dans le miroir et les femmes à ne pas accepter de faire perdurer les bonnes vieilles « traditions ». Sa "Chair est triste hélas" n’est pas au niveau de Valerie Solanas mais j’y retrouve malgré tout une rage salvatrice. Et le film lui rend justice car lui non plus ne marche pas dans les clous de la bienséance.

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Pendant longtemps le cinéma français a ignoré la ruralité, ou plutôt ce que voulait dire vivre dans ces endroits pour la jeunesse d'aujourd'hui. Et enfin, comme si le succès surprise de "Vingt Dieux" avait ouvert les vannes, la nouvelle génération se raconte et raconte une France invisible et qui pourtant respire encore. Et les potes Clément Devilliers et Armand Foëx le font non seulement avec une fraîcheur qui fait du bien mais surtout sans se lamenter de quoi que ce soit ni user de la moindre démagogie. Ils sont à l'image de leurs deux "héros", qui se démerdent pour exister dans un milieu où a priori plus rien n'est possible, et ainsi ils créent des aventures simples, des relations simples dans un film qui ne revendique rien mais qui pourtant raconte beaucoup. Et forcément il y a ce casting féminin qui lui aussi donne un grand coup de pied dans la fourmilière, avec Louise Labèque qui s'affirme de plus en plus, Anja Verderosa déjà remarquée dans le très bon "L'Épreuve du feu" et celle qui pourrait bien devenir ce qu'on appelle une star, Sara Montpetit, qui arrive en France précédée d'une sacrée réputation loin d'être usurpée pour qui aurait vu "Falcon Lake" et "Vampire humaniste cherche suicidaire consentant".

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Même si j'ai mis un peu de temps avant de voir Jean Luchaire derrière Jean Dujardin (Un tel film est de toute façon infinançable sans un nom bankable sur l'affiche), même si j'ai trouvé parfois le récit un peu didactique, encore une fois Xavier Giannoli démontre qu'il est probablement le seul cinéaste français actuel capable de faire de tels films grand public, amples, efficaces sans être racoleurs, et surtout des films qui refusent le manichéisme, une approche binaire des choses, quitte à déranger. C'est à ce niveau que j'ai trouvé le scénario le plus passionnant, dans cette façon d'interroger le mal, la lâcheté mais aussi l'humanité derrière celui-ci. Et si j'en crois quelques réactions entendues à l'issue de la projection il a réussi son pari, emm.... ceux qui auraient aimé qu'on leur serve ce qu'ils pensaient en rentrant dans la salle, soit qu'un collabo était uniquement un salaud, fait d'un seul bloc. Et Giannoli, sans passer en force ni se servir de l'Histoire pour servir un propos, n'oublie pas de rappeler que le passé se répète souvent, et que les paroles de Charles Dantzig mises dans la bouche de Raymond Lindon pourraient parler d'aujourd'hui : « Les mots des salauds arment les bras des imbéciles ».

J'aurais peut-être dû me lancer dans une véritable critique, pour évoquer la performance magistrale de la fille de Leos Carax, la façon dont en une scène est réglé le compte de l’épuration sauvage, mais je vais m'arrêter là, juste après avoir retranscrit ce que dit Léonide Noguy, donc très certainement Xavier Giannoli, à Corinne Luchaire. Parce que c'est magnifique de conclure ces 3h19 avec ceci : « Il nous reste le cinéma Corinne, le cinéma »...

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Naomi Kawase a régulièrement le syndrome de la beauté, autrement nommé "syndrome Malick" (D'ailleurs si la présence ici d'un "Tree of Life" n'est pas un hommage elle est très révélatrice) pour ne pas dire de la joliesse, et ça va se nicher jusque dans le physique de ses acteurs, donc du factice, mais étonnamment elle parvient à amalgamer ça à des situations, des dialogues d’une vérité stupéfiante et déchirante. Ce qui lui permet d’aborder des sujets de société qui lui tiennent probablement à cœur, ce qui ne va pas dans son pays, comme ici avec le don d’organes, d'y mettre certes une forme de romanesque mais en les documentant comme dans cette impressionnante scène d'opération à cœur ouvert. Il y a donc presque deux films dans "L'Illusion de Yakushima", qui partagent certes les thèmes de la fuite, de la disparition, de la perte (de souffle) mais dont un, la romance, semble bien dérisoire par rapport à celui, très fort, qui raconte la différence de culture face à la mort, jusque dans la définition de celle-ci, entre les civilisations. Ah oui une dernière chose : Vicky Krieps est désarmante dans les deux films.

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On s'en fout qu'il s'agisse d'un documentaire ou d'un documenteur, que "L'Œuvre invisible" soit le portrait d'un cinéaste maudit ou le fantôme malicieux sorti de l'imagination d'Avril Tembouret et Vladimir Rodionov. On s'en fout parce que la question n'est pas de savoir si c'est vrai mais plutôt si on a envie de les croire. Et de croire une dernière fois... Jean Rochefort. À moins qu'il ne s'agisse de croire EN Jean Rochefort, et là la question ne se pose même pas pour moi, comme pour certains avec Dieu. Car oui vous l'aurez compris il s'agit probablement avant tout d'un formidable film sur la CROYANCE.

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Ce tout "petit" film est pourtant très ample dans sa façon de dresser de multiples portraits : celui d'un lieu, des personnages qui l'habitent et l'ont habité, mais aussi il y a quelque chose d'un portrait inconscient du cinéma italien et de ses grandes sagas familiales. On oublie souvent que "Arcobaleno" est un documentaire tant il est romanesque avec ses danses et ses fantômes.

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Comme l'indique le carton final, peu exposée de son vivant l'œuvre de Madeleine de Sinéty fait l'objet en 2026 d'une première grande rétrospective à Paris, au Jeu de Paume. Et Julie Bertuccelli lui consacre donc ce documentaire qui parvient à évoquer la femme et l'artiste, à travers les témoignages de celles et ceux qui l'ont connue mais aussi de ses photographies qui racontent à elles seules un milieu, une époque, une façon de vivre et de penser. Le travail de Madeleine de Sinéty semblait parfaitement refléter son intégrité, son authenticité, celui de Julie Bertuccelli suit ici le même chemin.

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Je dois vraiment me faire vieux mais j'ai beaucoup aimé ce "Maigret", je me suis senti merveilleusement bien dans cet objet rond et respectueusement travaillé comme un Saint-Joseph de chez Guigal. Il aurait été facile d’être un brin moqueur pour montrer qu’on n’était pas dupe mais jamais Pascal Bonitzer ne pratique ce second degré, on sent juste chez lui de la gourmandise pour l’œuvre d’origine, un plaisir à user de son désormais reconnu sens du dialogue et de sa précision dans une mise en scène qui ne fait jamais la frimeuse. On sent d'ailleurs la même jubilation et le même respect chez Denis Podalydès qui se glisse dans la peau du commissaire sans jamais faire son numéro. Tout ici est affaire de fluidité, et preuve est faite qu'on peut être dans une représentation fidèle à l'imaginaire collectif sans pour autant sentir la naphtaline.

NB : Tous les seconds rôles sont parfaits.

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On pourra juger le geste de Sharunas Bartas terriblement impudique, pourquoi pas même obscène, mais personnellement je n'y ai vu que l'unique moyen à la disposition de l'artiste pour crier sa douleur. Il fallait oser pleurer face caméra sur l'enfant perdu, Ina Marija Bartaite, en partageant sa peine avec l'enfant restant, Una Marija Bartaite, ou comment passer du deuil à la transmission.

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Ce film m'a tout simplement fait du bien, je l'ai trouvé accueillant, généreux, riant avec et non de ses protagonistes, imaginatif visuellement comme fut en son temps le cinéma de Bill Plympton. Des clins d’œil (« Je vois des gens qui sont gays. »), un humour assez universel (J'avoue avoir adoré l'idée que le premier symptôme de l’Hétérose soit la compréhension des règles du foot), un rythme d'enfer, bref un chouette cocktail qui semble trouver son public, chose plus que rare avec l'animation adulte.