Les meilleurs films français de 2026 selon takeshi29

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Jaime aime Morlaix et j'aime Morlaix... (cf critique)

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Le cinéma peut tout, même ressusciter les gens qu'on aime... (cf critique)

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Je parlais tout à l'heure à propos de "Nino dans la nuit" d'adaptation ratée à force de rester l’œil à ras de la page, en voici le contre-exemple avec un film qui ose s'éloigner de son matériau d'origine, qui va chercher le romanesque là où Giuliano da Empoli avait selon moi commis un ouvrage très journalistique. Assayas a ça, il passe du geste très intello à du trépidant plus grand public avec une même réussite, et ici tout comme dans "Cuban Network" il cherche l'efficacité, une forme de plaisir assez basique dans le mouvement, le jeu sur la chronologie. Bien entendu il y a le propos politico-historique, passionnant car d'une brûlante actualité, l'explication d'une "méthode" qui a fait des petits tout aussi monstrueux, mais il y a selon moi avant tout un film d'action qui n'a pas besoin de l'agitation pour exister.

NB : J'ai entendu ça et là que le jeu de Paul Dano était plat, monocorde, lisez le roman et vous comprendrez qu'il est juste parfait dans l'incarnation d'un être aussi glaçant que doux dans son éloquence.

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"À pied d'œuvre" a beau être d’une grande sobriété, refuser tout apitoiement, il n’en est pas moins déchirant par bribes, ces courts instants où des artifices de cinéma, 70 mm et Super 8, sont utilisés, ou quand la voix de Serge Reggiani déboule sans crier gare. Étonnamment le héros, car oui c’en est un, semble trouver sa dignité dans la précarité, sa noblesse est intime et dénote par rapport au regard d’une société devenue aveugle à tout ce qui n’est pas réussite, qui ne brille pas, et qui met la survie économique de ses citoyens aux enchères. Valérie Donzelli a fait preuve de respect envers le roman et le choix de vie de Franck Courtès, Bastien Bouillon en a fait de même en l’incarnant avec tant de retenue.

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« Dao est un mouvement perpétuel et circulaire qui coule en toute chose et unit le monde. »

Cette définition pourrait être celle du cinéma d'Alain Gomis, celle d'un cinéma où le rythme semble être l'élément premier. Son dernier film, objet hybride et indéfinissable, ressemble un peu à une impro de jazz *, qu'on entend d'ailleurs parfois dans la BO, ici le temps n'a pas d'importance, il pourrait se réduire ou se dilater puisqu'on est libre de s'y promener, de l'interrompre, le reprendre. Parfois la liberté au cinéma est un concept fumeux, ici elle est LA trame du film, un principe qui ne se dément jamais jusque dans cette durée qui s'avère selon moi la seule réelle limite du projet.

* Il y a quelques années Gomis avait consacré un doc étourdissant à Thelonious Monk, "Rewind & Play", si vous ne l'avez pas encore vu je ne peux que vous y encourager.

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J'attendais avec une certaine impatience le nouveau bébé d'Aurélien Vernhes-Lermusiaux, Prix Louis-Delluc du meilleur premier film pour le déjà subjuguant “Vers la bataille” en 2021, et je n'ai pas été déçu. Son cinéma est probablement le moins français qui soit, totalement porté sur l'atmosphère, la mise en scène, la beauté presque virginale du plan. C'est donc fatalement très excluant, mais quand on adhère on vit un moment assez dingue dans ces paysages désertiques qu'on croirait ceux d'une autre planète, dans un ce conte ancestral peu bavard.

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On retrouve une grande partie de la bande de "Grand Paris", le même ton décalé, indolent, pop, la manière tendre de filmer le béton, mais là où l'argument sympathique s'essoufflait dans le premier essai, donnant l'impression d'un court étiré, cette fois le rire est présent à chaque instant, les personnages savoureux existent et ne remplissent pas que des fonctions. Et si le récit peut paraitre plus classique, linéaire, il y gagne en efficacité. Un mot sur les actrices et acteurs, toutes et tous formidables, jusqu'aux seconds rôles, avec un coup de chapeau particulier à Emmanuelle Bercot, qui après son récital dans "L'Esprit Coubertin", confirme son talent comique. De quoi commencer l'année 2026 un immense sourire aux lèvres puisque la sortie du film est annoncée pour le 28 janvier.

NB : Martin Jauvat semblait se demander ce qu'il faisait dans la programmation toujours de très haut niveau du Festival de La Rochelle. On peut le rassurer, son "Baise-en-ville" a été reçu comme un immense vent de fraîcheur par un public conquis.

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Même si j'ai mis un peu de temps avant de voir Jean Luchaire derrière Jean Dujardin (Un tel film est de toute façon infinançable sans un nom bankable sur l'affiche), même si j'ai trouvé parfois le récit un peu didactique, encore une fois Xavier Giannoli démontre qu'il est probablement le seul cinéaste français actuel capable de faire de tels films grand public, amples, efficaces sans être racoleurs, et surtout des films qui refusent le manichéisme, une approche binaire des choses, quitte à déranger. C'est à ce niveau que j'ai trouvé le scénario le plus passionnant, dans cette façon d'interroger le mal, la lâcheté mais aussi l'humanité derrière celui-ci. Et si j'en crois quelques réactions entendues à l'issue de la projection il a réussi son pari, emm.... ceux qui auraient aimé qu'on leur serve ce qu'ils pensaient en rentrant dans la salle, soit qu'un collabo était uniquement un salaud, fait d'un seul bloc. Et Giannoli, sans passer en force ni se servir de l'Histoire pour servir un propos, n'oublie pas de rappeler que le passé se répète souvent, et que les paroles de Charles Dantzig mises dans la bouche de Raymond Lindon pourraient parler d'aujourd'hui : « Les mots des salauds arment les bras des imbéciles ».

J'aurais peut-être dû me lancer dans une véritable critique, pour évoquer la performance magistrale de la fille de Leos Carax, la façon dont en une scène est réglé le compte de l’épuration sauvage, mais je vais m'arrêter là, juste après avoir retranscrit ce que dit Léonide Noguy, donc très certainement Xavier Giannoli, à Corinne Luchaire. Parce que c'est magnifique de conclure ces 3h19 avec ceci : « Il nous reste le cinéma Corinne, le cinéma »...

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Je dois vraiment me faire vieux mais j'ai beaucoup aimé ce "Maigret", je me suis senti merveilleusement bien dans cet objet rond et respectueusement travaillé comme un Saint-Joseph de chez Guigal. Il aurait été facile d’être un brin moqueur pour montrer qu’on n’était pas dupe mais jamais Pascal Bonitzer ne pratique ce second degré, on sent juste chez lui de la gourmandise pour l’œuvre d’origine, un plaisir à user de son désormais reconnu sens du dialogue et de sa précision dans une mise en scène qui ne fait jamais la frimeuse. On sent d'ailleurs la même jubilation et le même respect chez Denis Podalydès qui se glisse dans la peau du commissaire sans jamais faire son numéro. Tout ici est affaire de fluidité, et preuve est faite qu'on peut être dans une représentation fidèle à l'imaginaire collectif sans pour autant sentir la naphtaline.

NB : Tous les seconds rôles sont parfaits.

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Autant je trouve Toledano et Nakache totalement à côté quand ils s'attaquent frontalement à des sujets politiques comme dans "Samba" ou "Une année difficile", autant je les trouve excellents quand ils font dans la comédie qui délivre un message par la bande. Et c'est exactement ce qu'ils font ici, dans un mélange extrêmement bien tenu de rire et d'émotion, avec cette chronique douce-amère qui parlera forcément aux ancêtres de mon époque mais aussi aux jeunes générations car des parents qui s'engueulent restent des parents qui s'engueulent, un premier amour reste un premier amour. Comme quoi la France n'est pas condamnée à avoir "Cocorico 2" comme représentant de sa comédie populaire, comme quoi le cinéma dit grand public peut raconter si l'on creuse un peu de vraies choses sans les expliquer lourdement, dire non pas que c'était mieux avant mais que ce qui pourrait sembler avoir été mieux avant, une forme d'espoir, n'était en réalité que... "Juste une illusion".

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Ce documentaire est le genre de proposition qui fait du bien, qui redonne un brin d'espoir en ces temps agités. Ces 16 témoignages donnent à voir et entendre des gens qui n'ont pas suivi de média training mais qui parlent avec leur cœur et leur immense volonté de voir le peuple penser, agir, résister aux diktats du Dieu profit. Je suis le premier à râler bien souvent contre ces documentaires partisans (ce qui dans ma bouche n'est pas une insulte) qui racontent finalement tous la même chose dans une forme télévisuelle, mais ici on sent tout le soin apporté par Thomas Lacoste à son projet, pensé pour relayer une parole mais aussi pour être un objet agréable à regarder.

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La grande force de ce documentaire se situe dans la durée de son tournage, ces cinq ans à suivre Benoît permettant de mesurer l'évolution d'un être humain mais surtout la force du collectif qui épanouit, rassure. Cette "Pédale rurale" aurait certainement continué à "se cacher" sans le groupe, après 84 minutes il a pris conscience de son droit à exister, tout simplement.

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Claire Denis se sort très dignement de cette adaptation de Bernard-Marie Koltès, c'est un grand bonheur de retrouver Isaach de Bankolé dans son monde, Matt Dillon a toujours un sacré charisme et le choix de Mia McKenna-Bruce dans le seul rôle féminin s'avère excellent. Malgré tout je continue de penser qu'adapter cet immense auteur, ces pièces qui méritent un long temps d'exposition pour infuser, a tout de la fausse bonne idée, tant ce qui fait son génie se trouve bien entendu dans sa puissante pensée politique, mais avant tout dans son style, son rythme, deux choses compliquées, voire impossibles à retranscrire au cinéma.

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Caroline Deruas Peano, scénariste pour Philippe Garrel, réalise là un film bien bien loin de l'univers de celui-ci. En effet ses "Immortelles" se permettent d'être pétillantes, à la limite du kitsch, avant de se retrouver projetées dans un mélodrame qui démontre joliment la puissance de l'imagination, du romanesque, donc du... cinéma.

NB : La BO est signée Calypso Valois.

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Samuel Kircher, révélé dans le magnifique "Été dernier" de Catherine Breillat, continue son très beau parcours avec par exemple ce film belge présenté à la dernière Quinzaine des cinéastes cannoise et qu'on pourrait classer dans la vaste catégorie des récits d'apprentissage. Un récit qui brasse large : fragilité de l'âge adolescent, amitié et trahison, premier émoi amoureux, volonté de se confronter aux autres, question de la santé mentale et injonction de réussite dictée par la société et le regard des autres. Bref ça veut probablement trop raconter comme souvent les premiers films mais ça a l'intelligence de placer l'action dans ce contexte de la compétition sportive, à la fois intéressante intrinsèquement et révélatrice de la pression qui pèse aujourd'hui sur la jeunesse. Au-delà du scénario la mise en scène sait se faire discrète sans tomber dans la banalité, l'interprétation quant à elle est la plus grande force du film, avec une brochette de jeunes remarquable accompagnée par Jean-Baptiste Durand qui s'est fait un nom en tant que réalisateur grâce à "Chien de la casse" mais qui est également formidable devant une caméra.

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J'avais trouvé le précédent documentaire de Laurie Lassalle, sorte d'egotrip ayant pour cadre (ou prétexte) le mouvement des Gilets jaunes, assez gênant, voire même indécent, mais ici elle s'intéresse réellement à ceux qu'elles filment, à leur cause. "Forêt Rouge" pourrait former une sorte de diptyque avec le formidable "Soulèvements" actuellement sur les écrans, comme le contrepoids d'une caricature médiatique tellement usitée.

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Même si la tentation de la belle image a quelque chose d'agaçant elle ne doit pas être un frein car ce genre de documentaire est précieux, pour celui qui s'intéresse à l'autre au sens large, qui aime savoir ce qui est arrivé à celui (et surtout à celles dans le cas précis) que nous avons abandonné à son sort du jour au lendemain. Solène Chalvon-Fioriti, spécialiste des "guides touristiques en terres agitées", sait de quoi elle parle, elle évite de tomber dans les clichés, les lieux communs quand elle parle d'un pays complexe, régi par des traditions à mille lieux des nôtres. D'où l'intérêt de chercher à voir, savoir, comprendre...

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Étonnamment je ne me souviens pas d'avoir entendu parler d'Hélène Hazera, ni de l'avoir lue, entendue ou même vue à la télévision. Et pourtant ce n'est pas le genre de personnage qu'on oublie, alors merci à Judith Abitbol de m'avoir remis les points sur les i, de m'avoir rappelé à quel point le parcours, à la fois professionnel et privé, de cette femme méritait d'être évoqué.

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À l'image de Pauline Clément ce film a beaucoup de charme, il est aussi pétillant que fragile, mais si le réalisateur se réfère à Bruno Podalydès et si l'affiche tente de nous vendre du Solveig Anspach, dont Jean-Luc Gaget était le scénariste, il ne faut pas s'attendre à la même finesse, ne serait-ce que parce que cette "Fille en or" est anecdotique en terme de mise en scène.

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Il y a deux films dans ce "Grand Ciel" : le premier, le drame social, est réussi, avec cette manière très pratique de nous faire comprendre la construction d'un bâtiment, avec ses contraintes techniques mais aussi et surtout humaines. Le second, à la lisière du fantastique, s'il apporte du trouble nous éloigne aussi d'un propos initial qui aurait mérité, sans mauvais jeu de mots, d'être creusé.

On pense inévitablement, en partie en raison de la présence de Damien Bonnard, au "Système Victoria", avec au bout une certitude : Akihiro Hata a un rapport au cinéma bien plus sensoriel et intéressant que Sylvain Desclous.

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Si j'en crois la façon dont un ami m'a parlé un jour du roman de David Vann, le choc que celui-ci avait provoqué en lui, je crois pouvoir dire qu'on est assez loin du compte avec cette adaptation. Car si Vladimir de Fontenay a décidément une manière de filmer très peu française et agréable à l’œil je n'ai pas ressenti grand chose de la tension que j'espérais. Et ce même si Swann Arlaud est comme d'habitude remarquable.

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Je suis sorti de là chamboulé, bouleversé par le courage de cette cinéaste, de cette femme, de cet être humain, par son honnêteté morale et intellectuelle, par sa façon d'avouer ce qui ne fait plus recette aujourd'hui, le doute, l'impossibilité d'avoir un avis tranché sur ce qui pourtant l'a touché et la touche encore au premier chef. En dévoilant ses pensées, ses réflexions mais aussi ses échanges avec son ami Ariel Cypel, elle s'expose et ce faisant accouche d'un geste artistique majeur. Assurément l'un des grands documentaires de ces dernières années...

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Ce qui fait la réussite de ce documentaire, mis à part la compilation d'archives qui permet de se rafraichir la mémoire et mieux comprendre la genèse du KO, ce sont certainement les témoignages actuels des protagonistes. En effet ces derniers n'ont finalement pas bougé d'un pouce, ils offrent un festival d'ego et de bêtise mêlés qui amène à une conclusion : si cette situation qu'on pourrait croire ubuesque devait se reproduire demain le résultat serait exactement le même.

Le doc en tant que tel est sensationnaliste, il en fait des caisses, et très franchement ça participe au plaisir que l'on prend à le regarder puisqu'il ne fait par son emballage qu'accompagner le jeu de ses "comédiens". Comment ne pas sourire face à ces cabots, à ces personnes qui ont en réalité tous fauté à l'époque mais dont pas un ne se remet en cause aujourd'hui ? (J'inclus les journalistes de l'Équipe qui pas un instant ne semblent s'interroger sur leur travail de l'époque.)

En résumé je crois ne pas trop m'avancer en disant que ce "Bus" est d'ores et déjà l'une des meilleures comédie françaises de l'année.