« Get off my roof ! » CARL FREDRICKSEN

En 2004, Pete Docter et Bob Peterson découvrent un dessin qui représente un vieil homme bougon vendant des ballons colorés. Cette image, bien que simple et épurée, a éveillé une grande inspiration chez les deux créateurs, stimulant leur imagination à l’idée de développer un univers autour de ce personnage. L’image de cet homme âgé, seul et un peu morose, a permis de poser les bases de ce qui allait devenir un film emblématique.

L'idée initiale de l’homme vendant des ballons a rapidement évolué pour devenir une scène majeure du film : une maison en plein vol, portée par des milliers de ballons colorés. Cependant, malgré la force symbolique de cette image, Pete Docter et Bob Peterson ont vite compris qu’elle ne pourrait être que l’un des éléments de l’intrigue. Ce dessin allait se transformer en un point de départ qui allait inspirer un développement narratif plus complexe, et les créateurs ont dû trouver un sens plus profond à cette idée visuelle.

L’un des choix narratifs majeurs fut de faire du vieil homme, Carl, le personnage principal. Docter et Peterson, inspirés par le croquis, ont décidé de choisir un protagoniste d’un âge avancé, pensant que cela apporterait une richesse émotionnelle et une source d’humour particulière. Leur vision était que la perspective d’un homme âgé, avec ses expériences de vie, apporterait une dimension plus profonde et humoristique à l’histoire. Docter, en particulier, était confiant que les enfants pourraient s’attacher à Carl, de manière similaire à l’affection qu’ils peuvent éprouver pour leurs propres grands-parents. Il est également noté que la dimension émotionnelle était primordiale pour l’histoire. L’élément clé ici est la perte de la femme de Carl, un événement douloureux et humain qui servirait de socle émotionnel pour le film, avant que l’aventure qui suit ne devienne de plus en plus absurde et fantastique.

Au début du processus scénaristique, l’’idée de base était que Carl souhaitait rejoindre sa femme décédée dans les cieux, ce qui, au départ, ressemblait à une mission suicidaire ou à un acte de désespoir. C’était un point de départ intéressant, mais cela posait immédiatement un problème majeur : une fois que Carl aurait atteint les cieux, que ferait-il ensuite ? L’histoire avait besoin d’un objectif plus clair et d’une direction. Les créateurs ont donc dû repenser la structure narrative et trouver une nouvelle quête pour Carl, ce qui allait donner à l’histoire une dynamique plus riche, et permettre de faire progresser l’intrigue au-delà de cette quête initiale.

Pour résoudre cette problématique narrative, Pete Docter et Bob Peterson ont demandé de l’aide à l’acteur et scénariste Tom McCarthy. Son apport a permis d’ajouter une nouvelle dimension à l’intrigue, notamment en introduisant l’idée d’une destination en Amérique du Sud, un lieu d’aventure et de mystère. Cette décision a permis de redéfinir la quête de Carl en la transformant en un voyage plein de péripéties, loin d’être une simple mission de retrouvailles.

En 2009, Up a atteint un sommet en étant choisi pour l’ouverture du prestigieux Festival de Cannes. Ce fut une première dans l’histoire du cinéma d’animation, car un film d’animation n’avait jamais eu l’honneur d'ouvrir ce festival avant. Cet événement a marqué un tournant dans la reconnaissance de l’animation en tant que forme d’art à part entière. La sortie de Up en salle a eu lieu pendant l’été 2009, ce qui a également assuré une large audience et a contribué à son succès commercial et critique.

Mon ressenti global suit en quelque sorte le cheminement qu’ont suivi les scénaristes lors de l’écriture du film. L’idée de Carl et de sa maison transportée par des milliers de ballons est arrivée très tôt, et c’est aussi, à mes yeux, la meilleure partie du film. Cette introduction est visuellement frappante, émotionnellement poignante et porte en elle une charge symbolique forte : l’attachement à un passé heureux, l’impossibilité de lâcher prise et la promesse d’un dernier voyage en mémoire d’un amour disparu. En revanche, la deuxième partie du film, qui se déroule en Amérique du Sud, me touche moins. Il est intéressant de noter que cette partie de l’histoire a été ajoutée plus tard dans l’écriture, comme une solution pour donner un objectif concret à Carl après son envol. Pourtant, je trouve qu’elle s’éloigne quelque peu de la pureté émotionnelle et symbolique du début, ce qui crée un léger déséquilibre dans l’ensemble du film.

Je mets au défi quiconque de regarder les dix premières minutes sans verser une larme. La relation entre Carl et Ellie est racontée de manière magistrale, en peu de dialogues mais avec une puissance émotionnelle redoutable. Ce segment initial est une véritable leçon de narration visuelle, où chaque geste, chaque regard, chaque moment partagé entre Carl et Ellie nous transporte dans une histoire d’amour à la fois simple et universelle. C’est magnifique, touchant et bienveillant, et cela fonctionne parce que cette relation est terriblement humaine. On assiste à leurs rêves, à leurs espoirs, à leurs difficultés et, finalement, à la disparition tragique d’Ellie, qui laisse Carl seul avec ses souvenirs. Cette introduction est si forte et si parfaitement maîtrisée que l’on peut se poser une question : le film aurait-il été encore plus puissant en tant que court-métrage, centré uniquement sur cette histoire d’amour et de deuil ?

La musique de Michael Giacchino joue un rôle clé dans la puissance émotionnelle du film, et elle atteint son apogée dès l’introduction. Le thème principal accompagne le montage de la vie de Carl et Ellie avec une délicatesse et une subtilité rares. La mélodie douce et nostalgique, interprétée au piano et aux cordes, traduit à la perfection l’amour, la joie et la tristesse qui jalonnent leur relation. Cette musique est indissociable de l’émotion brute que l’on ressent dans ces premières minutes, car elle ne cherche jamais à manipuler les sentiments du spectateur : elle se contente d’accompagner l’histoire avec sincérité. C’est une bande-son qui ne se contente pas d’habiller les images, mais qui participe pleinement à l’expérience sensorielle et émotionnelle du film.

L’excellence de la musique ne passe pas inaperçue, et Michael Giacchino reçoit l’Oscar de la meilleure musique de film. Cette récompense est amplement méritée, tant la composition apporte une profondeur unique au film. Le film est également sacré meilleur film d’animation aux Oscars, une distinction qui témoigne de son impact et de sa qualité globale.

Comme mentionné plus tôt, mon investissement dans la deuxième partie du film est moindre. L’aventure de Carl, Russell, Doug et Kevin en Amérique du Sud, bien que divertissante et rythmée, me semble moins forte émotionnellement. La chasse de Kevin par Charles Muntz s’éloigne un peu du registre intimiste et poétique du début du film. Ces éléments apportent certes une dimension plus dynamique et accessible au jeune public, mais ils créent un léger décalage tonique avec la première partie du film. La menace représentée par Muntz ne résonnent pas autant que la profondeur du deuil et du besoin d’aller de l’avant qui étaient au cœur de l’introduction.

Cependant, alors que je me sentais moins investi dans l’aventure sud-américaine, Michael Giacchino et sa musique parviennent à me toucher de nouveau lors du moment clé où Carl réalise qu’il doit se détacher de son passé pour avancer. Cette scène, où il feuillette l’album d’Ellie et découvre qu’elle considérait leur vie ensemble comme une aventure accomplie, est profondément bouleversante. Elle résume à elle seule le message du film : il ne faut pas s’enfermer dans les souvenirs du passé, mais accepter de vivre de nouvelles aventures, même après avoir perdu un être cher. Ce passage résonne d’autant plus qu’il s’accompagne d’une évolution physique et symbolique : Carl abandonne littéralement les meubles et objets qui l’enchaînaient à sa maison, pour alléger son ballon et poursuivre sa route. Ce moment puissant et cathartique ramène le film à son essence : ce n’est pas seulement une histoire d’aventure, c’est avant tout une histoire de deuil, d’acceptation et de renouveau.

Up est une œuvre qui marque par son audace et son émotion. Si l’aventure en Amérique du Sud m’a moins captivé, la force de son introduction, la puissance de sa musique et la profondeur de son message en font un film d’animation exceptionnel. PIXAR prouve une fois de plus qu’il est capable de mêler divertissement et émotion avec une finesse remarquable. Up n’est pas juste un film pour enfants : c’est une réflexion sur la vie, la perte et la capacité à aller de l’avant. Et rien que pour cela, il mérite sa place parmi les chefs-d’œuvre du cinéma d’animation.