Onirisme et fantasmes ou comment questionner le rêve au cinéma

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"Dans l'enceinte du palais, Sophonisba fait un cauchemar, où elle rêve du dieu Moloch. Effrayée, elle interprète son rêve comme présage, à savoir que Cabiria / Elissa a attiré le malheur sur Carthage. La reine avoue alors au prêtre Karthalo ce qui est arrivé dans le jardin de cèdres il y a tant d'années, lorsqu'elle recueillit la jeune fille et en fit sa servante."

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"Comédie et drame se nouent fortement dans ce premier long métrage où Chaplin se retourne sur son enfance misérable. Les scènes burlesques et tendres sont un hymne à l’amour paternel qui s’exprime dans les gestes du quotidien. Mais la société puritaine dénie cet amour aux pauvres. Au combat pathétique pour récupérer le gosse succède l'admirable épisode du rêve, où les teigneux de la rue deviennent des anges au paradis."

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"En portant à l'écran une pièce de Denys Amiel et André Obey, La souriante madame Beudet, Germaine Dulac va donner en 1923 une des oeuvres les plus importantes, les plus achevées et sans doute la plus significative de l'Avant-Garde.

Pour exprimer les subtilités psychologiques de son héroïne, la réalisatrice avait fait appel à toutes les ressources de la technique (déformations, surimpressions, ralenti, etc.) et mis en évidence le désir constamment rappelé par elle et ses adeptes : porter au cinéma des sujets intelligents, présenter des êtres humains et leurs sentiments par le truchement de procédés exclusivement visuels. C'était le triomphe de la symphonie visuelle et de l'impressionnisme (succession de touche comme succession d'effets)."

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"Les Visiteurs du soir s’ancre dans la veine poétique si spécifique du fantastique français, qui est beaucoup plus orienté vers le romanesque, le poétique et le surnaturel que les tendances anglo-saxonnes (gothique) ou allemandes (horreur).

L’âge d’or du Fantastique français coïncide en grande partie avec l’Occupation allemande car l’évasion de la réalité permet d’éviter toute allusion contemporaine – et tout risque de censure."

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"Le traitement du temps permet de s’échapper dans une rêverie où le temps n’est pas linéaire : il est à la fois rêvé et réel, passé et présent. dans Le Plaisir d’Ophüls, et même La Maison Tellier, la nouvelle de Maupassant dont Le Plaisir est l’adaptation, les prostituées profitent de la nature, tous leurs sens sont en éveil. Les corps sont là libérés : dans une nudité crue, non soumise au dictat de la séduction, dans un abandon et une liberté très touchantes."

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Une nouvelle illustration du mythe éternel de Tristan et Iseult qui prend dans le film, basé sur le roman de George Maurier, une dimension fantastique et surréaliste : les deux amants tragiquement séparés dans la vie, qui se retrouvent à jamais beaux et jeunes dans leurs rêves, la plus merveilleuse des réalités, celle qui permet de s'évader d'une prison, de recouvrer la liberté pour vivre ensemble et s'aimer pour l'éternité, unis dans la mort.

Extrait de ma critique

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"Puisque dans notre vie nous n’avons jamais la faculté de choisir notre rêve mais c’est le rêve qui nous choisit, E la nave va frappe à notre porte comme un rêve, et même avec la force, selon Caillois « d’un visiteur impatient et dévergondé » […] Film fellinien, film sur la musique qui tend à se transformer en musique (mais l’absence de Nino Rota se fait sentir…), film qui s’inscrit sous le signe du deuil, mais de façon sereine et doucement détachée."

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"Le cinéaste cette fois, traverse le miroir et s'intéresse au fantasme en tant que tel, sans mettre en scène le moindre regard médiateur.
A cet égard, le film pourrait donner le sentiment d'être un bel objet un peu vain (ce qu'il est peut-être un peu aussi, en partie), s'il ne mettait en abyme cette beauté vaine à travers celle présumée des prostituées, pour lui opposer de puissantes contradictions. Sans cesser d'être présentées comme objets de désir (mouvements d'appareil langoureux, scénographie érotique, cadrages d'esthète), les filles luttent pour exister, elles ont leurs désirs propres, elles font des rêves."

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"La mort de leurs enfants a éloigné Chris de sa femme Annie. Quand à son tour il décède, Chris renaît dans une contrée illimitée, née de son imagination et dont les peintures d'Annie dessinent les contours. Un monde de révélations, et d'émotions contradictoires. La disparition volontaire d'Annie poussera Chris au plus insensé des paris..."

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"Le gouvernement américain a mis au point, et ce dans le plus grand secret, un système permettant à un télépathe de pénétrer dans le rêve d'une personne endormie."

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"Ellie Arroway, passionnée depuis sa plus tendre enfance par l'univers, est devenue une jeune et brillante astronome. Avec une petite équipe de chercheurs elle écoute le ciel et guette un signe d'intelligence extraterrestre. Un jour, ils captent un message."

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"Il règne dans ce monde fantasmé une grande théâtralité dans la mise en scène héritée de son narrateur, les échanges entre Lee Pace et Catinca Untaru (débutante extraordinaire), par ailleurs largement improvisées, apportent une fraîcheur et une émotion surprenante à l’histoire. Rapidement, le scénario instaure un rapport touchant entre deux êtres meurtris différemment, et dont la complicité est pour beaucoup dans la réussite émotionnelle du film, contrebalançant élégamment avec la plongée enivrante dans le royaume fictif dépeint. Lequel en appelle autant à l’expressionnisme qu’à la débauche exubérante de Salvador Dali."

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"Un enfant sur le quai d'une gare. Le train va partir. Doit-il monter avec sa mère ou rester avec son père ? Une multitude de vies possibles découlent de ce choix. Tant qu'il n'a pas choisi, tout reste possible. Toutes les vies méritent d'être vécues."

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"C’est l’histoire d’un rêve : celui d’un cinéaste qui, après un premier essai raté (Human Nature, 2001) et un très beau second film un brin impersonnel (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004) réussit, avec son troisième long métrage, à laisser libre cours à sa fantaisie et à redonner tout son sens à un terme galvaudé dans le cinéma contemporain : la poésie. "

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"Le scénario utilise le fait que les rêves servent pour faire face aux problèmes de la vie réelle. Il y a une ligne très fine entre rêve et réalité, qui peuvent s’entortiller. Les rêves peuvent sembler fous ; pourtant, ils exploitent des éléments de la réalité."

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"L'Imaginarium du Docteur Parnassus" : la revanche du rêve sur la réalité.

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"Le thème majeur de Il était une fois en Amérique, amplement magnifié par la musique, est lié au "Il était une fois" de l'enfance et de l'adolescence : la croyance en la liberté, en l'amour et l'amitié et la fidélité au serment. Cette croyance est aussi possible en Amérique mais est rapidement corrompue par les adultes auxquels il ne reste plus comme refuge que l'éternité du rêve.

Au-delà de la fresque, Leone a minutieusement construit son film le plus personnel, dont les péripéties servent de prétexte à explorer, sur un mode onirique, les sentiments les plus intimes qu’un homme peut ressentir dans sa vie. Il y a les films-mondes, les films-cerveaux : Il était une fois en Amérique est un film-rêve."

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"Tout au long du film, la séparation entre rêve et réalité flotte de manière indécise. La série d'aventures auxquelles Bill se soumet s'enchaîne en effet trop rapidement et démarre trop bien (beauté un rien trop raffinée des décors, costumes et personnages) pour finir trop mal, (toujours par une figure de la mort : nécrophilie avec la fille éplorée, sida avec la prostituée, crime avec la jeune fille mineure, complot avec la partouze géante) pour que l'on puisse penser qu'il s'agisse de faits réels."

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"Mulholland Drive est bien entendu un rêve, et bien entendu il fonctionne comme un film à clés, mais le rêve n’est pas le véritable sujet du film. Le rêve n’est qu’un moyen - particulièrement bien approprié - de parler d’autre chose.

Mulholland Drive est en réalité un film sur l’amour et la haine et sur le deuil, mais aussi une élégie, un monument érigé en hommage aux victimes d’Hollywood, une réflexion anthropologique sur la puissance du cinéma et son influence sur la vie, et même, plus que ça, un pamphlet contre l’ordre hétérosexiste , ou plus largement contre “ l’usine à rêves ” qu’est Hollywood, et contre les effets destructeurs de ce “ rêve ” sur la subjectivité de masse."

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"A chaque instant, on a l'impression de passer la frontière de la logique, du raisonnable. De basculer. Mais où ? Vers quoi ? « On » ne veut pas dire tout le monde."

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Croire à ses rêves c'est les faire exister, ce à quoi se livrent les enfants de façon naturelle, et c'est l'échappatoire qui va permettre à la petite Ofelia de se réfugier dans l'univers des contes de fées, devenant la Princesse d'un royaume perdu, l'héroïne d'un univers merveilleux qui comporte bien sûr ses ogres et ses monstres.

Extrait de ma critique

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"C'est bien de grandeur passée et de puissance déchue que nous parle, à son tour, le Tabou de Miguel Gomes. Grandeur et puissance d'un empire perdu, d'un amour meurtri et d'un art éteint, celui du cinéma muet. Il s'agira donc ici de croyance et de mélancolie, d'image et de mémoire, confrontées à la représentation de l'Histoire et à l'art du récit. Il en ressort l'un des triptyques les plus insolites et envoûtants qu'on ait vus depuis longtemps."

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Ou quand l'onirisme a rendez-vous avec l'horreur...

"Lovely Bones c'est l'histoire de l'ange qui ne parvient pas à atteindre les cieux et qui, en attendant la fin du deuil de sa famille, erre entre terre et paradis, en regardant de l'au-delà sa famille la pleurer et son meurtrier continuer de vivre sa vie."

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"L'histoire originale d'Edward possède la folie et le surréalisme qui habite les nouvelles et poèmes de Burton (lire pour cela son recueil). Et c'est avec l'aide de Caroline Thompson, écrivain pour enfant, qu'il va structurer un scénario transposable à l'écran.

Les séances de travail avec Thompson sont légendaires. Burton échangeant ses idées avec elle comme dans un cabinet de psychanalyste. Thompson étant chargé de rédiger tout cela sous la forme d'une véritable histoire. Et finalement un scénario complet surgit des rêves éveillés de Burton."

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"La Beauté du diable a tendance à plonger le spectateur dans une sorte de torpeur dont on ne sait vraiment si elle est conséquence des pouvoirs infernaux de Méphisto ou si le film présente un vrai problème de rythme (ce que le critique Robert Chazal appelait
une « lassitude distinguée ») ; et puis, certaines fulgurances visuelles, un noir et blanc splendide, quelques artifices merveilleux ou la voix de Michel Simon viennent soudainement nous agiter, bousculer notre somnolence, pour inscrire à jamais des images fortes dans notre imaginaire.

Parfois considéré comme l’un des rares "classiques" du cinéma fantastique français, La Beauté du Diable n’est probablement pas un film parfait, mais c’est un film beau… à se damner !"

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"Claude, jeune musicien pauvre, souffre de la médiocrité de sa vie. La nuit, il se réfugie dans ses rêves au sein desquels, à diverses époques, il se trouve être un personnage respecté, entouré de femmes séduisantes qui se disputent son coeur. Mais peu à peu, ses doux rêves se transforment en cauchemars et Claude se réveille avec soulagement dans une réalité qu'il découvre, en définitive, pleine de promesses."

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"Les rêves sont ténébreux. Ce film aussi. Il est signé Kim Ki-duk, cinéaste coréen obsédé par le passage du monde rationnel à celui de la pulsion, du réel à la fiction et au pictural. On l'a qualifié de "serial painter". Il ne croit qu'au désir, à l'instinct, au geste qui se transforme en image fugitive ou en coup de pinceau, au sang qui fait tache rouge sur l'écran."

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Un Chien Andalou, délire onirique de Buñuel et de Dalì

"1929 : en plein mouvement surréaliste, sort Un Chien Andalou, oeuvre majeure du cinéma surréaliste. Ce film partage encore l'opinion. Certains le trouvent simplement nul. Il leur paraît incompréhensible, et donc tout simplement inutile. En effet, Un Chien Andalou, c'est la succession pendant 15 min d'images inspirées des rêves de Salvador Dali et de Luis Bunuel."

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"Un film d'animation terriblement alambiqué, de quoi vous donner la migraine... Satoshi Kon, fier de son idée géniale ( ou comment faire un film sur le contrôle du subconscient), ne dépasse jamais son sujet : son Paprika s'avère sans saveur, il s'ingurgite comme un clip interminable et proprement épuisant."

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"Complétement déjanté, avec des images impressionnantes. On dirait un peu du kafka dans le scénario, filmé dans une esthétique un peu datée (trés pub année 80), mais ca fonctionne toujours !"