Films vu en 2026

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Voir : https://www.senscritique.com/film/7_promenades_avec_mark_brown/critique/334291095

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C’est sans doute le Pialat qui m’a le moins enthousiasmé. D’une part, j’ai le sentiment qu’un certain bagage autour de Van Gogh est nécessaire pour pleinement entrer dans le film (bagage que je n’avais pas au moment du visionnage). D’autre part, je suis resté assez hermétique au jeu des acteurs, qui ne m’a jamais réellement happé. Il m'a semblé que Dutronc imitait le jeu d'acteur de Pialat (calme et plat) à plusieurs reprise (pour le meilleur bien sur).

Le fait que Pialat laisse volontairement de côté la psychologie de Van Gogh, qu’il ne cherche pas à expliquer ses tourments ni à en livrer les clés, ne me pose pas de problème en soi. J’avais d’ailleurs beaucoup aimé cette approche dans L’Enfance nue, où François agissait sans que ses gestes soient explicitement justifiés. Mais ici, cette absence de psychologie n’est pas compensée. Là où les fragments de vie paraissaient d’une grande matérialité dans L’Enfance nue, ils me semblent, dans ce film, étirés, ternes, parfois franchement ennuyeux. Les scènes s’installent dans la durée sans jamais vraiment convaincre, comme si le retrait du sens n’était pas accompagné d’une intensité équivalente du vécu. La scène dans la guinguette/bordel est particulièrement emmerdante.

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voir : https://www.senscritique.com/film/laurent_dans_le_vent/critique/334410647

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voir : https://www.senscritique.com/film/l_amour_existe/critique/334446945

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e

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voir : https://www.senscritique.com/film/chantons_sous_la_pluie/critique/334577509

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Le style de Pialat n'a pas changé depuis son 1er film. Le garçu est certainement le film qui se situe le plus dans la continuité de L'enfance nue, son film le plus radical à mon sens. Les scènes sont plus magiques les unes que les autres. Il n'y a pas une scène à jeter. La scène du camion jouet est hallucinante. Le gamin ne joue pas la comédie, je pense même qu'il se sait pas qu'il tourne dans un film. Ca donne donc des scènes entre réalité et fiction, du presque jamais vu. Je n'ai absolument aucun doute que Depardieu se comportait dans sa vie comme dans le film, c'est effrayant.

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revu

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Dans Le Vent se lève, le cinéma se manifeste avant tout comme un art de l’invisible. Le vent qui de toute façon ne peut être montré comme un objet est présenté comme un fluide qui traverse les espaces et les corps. Il circule dans les plis des vêtements, dans les déplacements des personnages. L’animation ne cherche pas à illustrer le vent, mais à en faire une expérience physique et sonore. Le vent devient alors un principe de mise en scène dans la mesure où il organise la forme même du film. L'attention portée aux détails est assez impressionnante. On ressent tout le travail de l'équipe d'animation.

Les séquences de rêve et d’ingénierie m’ont laissé en retrait. Elles m’apparaissent davantage comme des idées, du discours, que comme des expériences incarnées.

La ou le film trouve sa plus grande justesse (et mon adhésion) c'est dans la romance. Même si on n’échappe pas à certaines scènes romantiques très codifiées, la relation entre Jiro et Naoko se construit avant tout dans des gestes simples et dans de brefs moments de grâce. Ces moments ne tiennent souvent à presque rien. Je pense par exemple à la scène où Jiro rejoint Naoko, emmitouflée, et où elle tend simplement la main pour qu’il la prenne. De la même manière, la scène de l’avion en papier a quelque chose de fragile, plein de tendresse.

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voir : https://www.senscritique.com/film/jsuis_pas_malheureuse/critique/334945440

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voir : https://www.senscritique.com/film/papa_s_en_va/critique/334958599

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voir : https://www.senscritique.com/film/father_mother_sister_brother/critique/334580923

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Voir : https://www.senscritique.com/film/wesh_wesh_qu_est_ce_qui_se_passe/critique/335175951

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voir : https://www.senscritique.com/film/chien_51/critique/331147694

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Je rêve d'un film dans lequel on suivrait la vie de quelqu'un en FPV (via gopro comme dans ce film). Un film où on aurait accès à l'intimité du chez-soi, des conversations, des relations, des comportements perso, avec un système de mise en scène ou on aurait accès aux pensées (ou pas, car la mise en scène serait casse-gueule). Il y avait un peu de ça dans "Pourvu que ça dure", mais le film est gâché par une série de questionnement sur l'amour tous plus simplette les unes que les autres. Les inserts d'émissions radio/podcast sont horripilants. Le parallèle entre son couple et celui de ses parents reste très superficielles, non analytique. Elle aurait dû rester sur le présent, sa vie, ses interactions au lieu de raconter une vie passée fantasmé/cauchemardé. L'objectif est doublement raté, le film échoue à 1) documenter sa relation et 2) à apporter un propos différent/pertinent sur les relations hétéros. Conclusion : bourgeois + femis

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Voir : https://www.senscritique.com/film/les_chants_de_mandrin/critique/335379954

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voir : https://www.senscritique.com/film/dernier_maquis/critique/335445560

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Dans ce film, RAZ opère un déplacement inhabituel dans son cinéma : une volonté d’abstraction du lieu et du contexte, censée rendre la situation universelle. Le film ne nomme jamais précisément l’endroit où il se déroule. Toutefois, cette abstraction reste paradoxale, car tout indique malgré tout un ancrage réel très identifiable (le sud de la France, Nîmes et ses arènes, le soutien de la région Occitanie). En résulte une sensation étrange, on ne sait pas exactement où l’on est, tout en le sachant très bien. Peut-être cherche-t-il à montrer que, même lorsque le réel est abstrait, il continue malgré tout à s’imposer avec une force très concrète. Pas convaincu.

Cette abstraction a pour effet de rendre le film plus moral que ses œuvres précédentes. Là où RAZ privilégiait jusque-là une observation sans surplomb, Terminal Sud me parait guidé par une intention morale plus nette, notamment à travers la figure du médecin. Ce personnage, ni totalement d’un camp ni de l’autre, incarne une posture morale valorisée, presque sacralisée, qui invite explicitement le spectateur à adopter un regard critique sur les situations d’oppression.

Le problème est que cette figure du médecin n’est pas du tout originale. Le personnage du soignant neutre, humaniste, alcoolique, en beef avec sa meuf, sans engagement clair, porteur d’un syndrome du sauveur, relève de schémas narratifs très classiques. Le film tombe alors dans un psychologisme inhabituel chez RAZ. Le jeu de Ramzy Bedia (éclaté) ne parvient pas à donner chair à ce personnage, ce qui rend le film tristement plat.

L'abstraction finit par affaiblir le film, en lui faisant perdre ce qui faisait la force du cinéma de RAZ : l’incarnation, la précision des situations, la densité des corps dans un espace concret. Il y a plusieurs moments où on retrouve pourtant pleinement ce qui fait le sel de son cinéma. Par exemple, la scène dans la maison isolée. Lorsque le médecin est aidé par un homme. Cette séquence fonctionne parce qu’elle est située, incarnée dans un lieu et dans des gestes banals. Je pense aussi à la scène ou Ramzy attend un collègue sur la place du marché, assis devant le balai des nettoyeuses.

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voir : https://www.senscritique.com/film/la_reconquista/critique/335576107

Le plan en scooter est repris de Caro diario de Nanni Moretti. Pendant ces trois minutes, porté par la musique de Rafael Berrio, on a l’impression qu'Olmo est dans une zone de transition. Ce trajet agit comme une séparation entre deux états du film. C’est là que la culpabilité commence à se former. Olmo passe d’une possibilité d’amour à une autre, ou plutôt d’un rapport à l’amour à un autre.

La scène du bar où le père chante est magnifique. J’avais le sourire tout le long. Les regards, les sourires, la proximité entre Olmo et Manuela... Le plan fixe avec les châtaignes est sans doute l’un des plus beaux du film. Quand la caméra fait parfois le point sur le miroir derrière, où on voit le père jouer, j’aurais préféré qu’elle reste uniquement sur eux, longtemps, sans bouger.

Il y a une tension très forte tout au long de la 1ere partie. Le point culminant reste la scène de danse. Au départ, j’étais très sceptique, notamment à cause du swing que je déteste, ça m’a presque sorti du film. Mais l’idée du cercle, le moment où Olmo intervient au milieu, le léger chaos qui s’installe, puis la scène où ils se retrouvent face à face, très proches, à quelques centimètres de s’embrasser, fonctionne parfaitement. C’est un moment extremement inconfortable, à la fois moral et esthétique. Tout le long, on se demande s’il va craquer. Le choix de ne pas les faire s’embrasser est excellent, vraiment le bon choix

L’idée d’aller boire un verre dans un restaurant asiatique est super. Il y a quelque chose d’un peu absurde, presque ubuesque, dans cette situation. On ne va pas dans un restaurant asiatique pour boire un verre. Cette incongruité est assumée et sert le film. On sent que Trueba cherche une esthétique qu’il ne peut pas trouver ailleurs et qu’il accepte ce décalage pour y parvenir.

la troisième partie est trop explicative. Elle apporte des réponses dont on n’avait pas besoin. Ce qui est magnifique dans le film, c’est l’ambiguïté entre la première et la deuxième partie et la troisième vient en grande partie la dissiper. On sent une obsession du réalisateur pour cette lettre. La lettre est ce qui l’intéresse vraiment. Tant qu’elle reste opaque, elle fonctionne très bien. À partir du moment où son contenu est révélé, elle perd tout intérêt. La lettre est un pur McGuffin, rien de plus. Finir le film sur sa lecture est, à mon sens, une erreur.

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Voir : https://www.senscritique.com/film/alps/critique/335663619

On a besoin de fictions pour ressentir, même lorsqu’on sait qu’elles sont fausses. Le film nous pose alors la question suivante : que se passe-t-il si je t’empêche d’y croire ?

Il n’y a plus d’émotion, plus d’identification, il ne reste que le dispositif. La pensée remplace l’émotion.

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voir : https://www.senscritique.com/film/dreams/critique/335576388

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voir : https://www.senscritique.com/film/a_bicyclette/critique/317817971