Films vus en 2015

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#1 L’oiseau blanc prend son envol

Je quittais en octobre 2014 Gregg Araki après Nowhere (1997) et The Doom Generation (1994). Deux œuvres sur les noirceurs d’adolescents qui m’ont laissé sceptique sur le fond et la forme, malgré leur style singulier. Je songeais alors que Mysterious Skin (2004) n’était qu’un éclair de génie.

En dépit de cela, mon instinct m’a entrainé à lancer White Bird in a Blizzard en version originale sans sous-titre. Dès les premières minutes, je compris que je ne le regretterai pas. Je me sentis happé par les voix des acteurs, le schéma narratif, l’esthétique et la bande-son d’époque ; le film se déroulant vers la fin des années 80.
Dans le blizzard, la poésie accompagnait la cruauté de l’humain, ses désirs, ses humiliations. White Bird est un des rares films plutôt mainstream pour lesquels on ressent la passion qu’essaie de transmettre le cinéaste au spectateur.

Araki ne s’est pas contenté d’adapter le roman de Laura Kasischke. Le réalisateur a modelé un récit et des inspirations sans travestir les traits qui le caractérisent. Je vous donne un indice : les clins d’œil à David Lynch sont particulièrement appuyés…

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#2 Amis du cinéma…

Le facteur a mal fait son boulot. Ce n’est arrivé chez moi que 22 ans après sa sortie. Si quelqu’un a son nom, que je puisse le tuer en hommage à Ben et Rémy…

CAPDCV est un projet amateur issu de la collaboration de Rémy Belvaux, André Bonzel et Benoït Poelvoorde. Malgré un budget minime, leur premier long métrage ira jusqu’à rafler au festival de Cannes en 1992 le prix international de la critique et le prix spécial de la jeunesse. Depuis, André Bonzel se fait discret. Rémy Belvaux s’est suicidé en 2006 après de nombreux succès dans le monde de la publicité. Benoît Poelvoorde, quant à lui, enchaîne les rôles dans des réalisations sans âme.

Cette œuvre imbibée d’humour noir se veut être une parodie de l’émission belge (puis franco-belge) « Strip-tease ». Celle-ci prenait le parti de donner la parole aux personnes des reportages, souvent hautes en couleur.
CAPDCV réussit à piéger le spectateur dans un cercle vicieux, où chaque situation, aussi tragique, immorale et inacceptée de la société qu’elle soit, est risible ; souvent aux éclats. Notre tolérance vis-à-vis de la liberté d’expression s’en retrouve mise à rude épreuve. Une scène que je n’évoquerai pas pour ne pas spoiler a d’ailleurs été censurée aux Etats-Unis.
En contraste, l’anti-héros Ben est capable de faire preuve d’un côté humaniste et d’un poétisme… unique en son genre. La résultante en est des textes instantanément mythiques.

Un petit Grégory ? Reviens gamin, c’est pour rire !

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#3 Outsiders ou « J’ai déjà vu mon film de Saint-Valentin »

Sutter a été abandonné par son père. Aimee… ah. J’ai déjà oublié. Sutter a commencé à boire à l’âge de six ans avec son papa lors des matchs. Cela a fait de lui quelqu’un de cool et donc populaire. Aimee se lève tous les matins à 5 h pour livrer les journaux de sa fainéante de mère. Sutter vit dans le présent et sort avec la blonde. Aimee est brillante, n’a jamais eu de petit ami et n’osera jamais quitter sa mère.
Fait inattendu, la blonde quitte Sutter pour tenter d’atteindre un idéal indéfini dans l’avenir.
Quel est selon vous le dénouement ? Vous avez 1 h 35.
Et/ou vous pouvez lire mon avis, puisque vous avez déjà survécu à un paragraphe.

Avec ce troisième film, James Ponsoldt a bouclé sa tournée générationnelle des alcooliques. Un vieux dans Off the black (2006) que je n’ai pas vu. Un jeune couple adulte dans Smashed (2011) avec Aaron Paul et Mary Elizabeth Winstead. Et puis un - voire deux – adolescent(s) dans The Spectacular Now (2014).
Pour un teen movie, The Spectacular Now n’est pas déplaisant. Certes, il est facile de s’identifier ou au moins de compatir envers des « outsiders ». Le scénario est même très loin de renouveler le genre. Comme dans Smashed, The Spectacular Now est porté par ses deux acteurs principaux ; ici Miles Teller et Shailene Woodley. Dans un registre sincère de jeunes outsiders non dépourvus de cerveaux, les deux sont assez convaincants. Avec de brefs sursauts dans le script, la pilule passe toute seule. Et je ne l’assume pas.

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#4: What if my problem wasn't that I don't understand people, but that I don't like them?

Dan Gilroy commençait sa carrière dans le monde du spectacle en tant que chanteur d’un groupe des années 80 aux côtés de Madonna, alors batteuse. A partir des années 90, lui et son frère Tony devinrent scénaristes. On leur doit notamment la franchise Jason Bourne et quelques autres blockbusters peu emballants. En 2014, Dan Gilroy écrit et réalise Nightcrawler, en référence à un ver de terre qui ne sort que de nuit et sert comme appât pour la pêche.

Pour son premier film, le réalisateur américain aborde le goût prononcé des médias pour le sensationnel à travers des personnages principaux entre cliché et justesse d’élaboration. Et bien que deux journalistes de « l’extrême » aient été consultés, ce qui aurait pu mener à un discours langue de bois, humanisme et déontologie ne sont pas au rendez-vous pour Lou (Jake Gyllenhaal) et Nina (Rene Russo). N’en déplaise à Rick (Riz Ahmed), collègue de Lou, Jake Gyllenhaal n’est jamais aussi bon que lorsqu’il joue des rôles plus cérébraux ; confer Enemy et Prisoners pour les plus récents. Ça aide à oublier des erreurs comme Prince of Persia…

Il faut cependant que j’avoue que mon intérêt pour les personnages autodidactes qui pensent « out of the box » de façon parfois malsaine n’aide pas mon objectivisme. Salut Rust Cohle ! Dans la même veine et pendant que je suis sur le divan, j’ai une profonde haine envers les médias. Sans doute parce qu’ils sont à l’image de l’homme… Ahem, je m’égare.

Outre son casting convaincant, Nighcrawler se distingue par une mise en scène et photographie bien étudiées. On n’en attend pas moins quand on suit quelqu’un dont le métier est de filmer la meilleure prise de vue possible des évènements. En parallèle, les dosages musicaux et des scènes d’action me semblent maîtrisés. Vu sous un autre angle, je dirais que c’est peut-être cette sensation de contrôle qui crée le ressenti que l’œuvre reste un peu trop dans le cadre établit et planifié ; l’empêchant ainsi d’atteindre un score encore meilleur.

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#5 : la vengeance est un plat qui se mange froid

Nous sommes en 1979. Bertrand Blier réunit un trio bouillant composé de son père Bernard, Gérard Depardieu et Jean Carmet pour une comédie déjantée qui lui vaudra un an plus tard le César du Meilleur scénario original.

D’emblée, le jeu d’acteurs et l’humour mortel font mouche. Quels textes ! Buffet froid ne donne pas dans le surréalisme juste pour l’effet. A l’image du couteau d’Alphonse, le scénario de Blier tranche dans le vif.

Puis, à mon immense regret, les plats se sont refroidis et l’ennui s’est installé. La seconde partie de Buffet froid ne laissant derrière elle qu’un goût de réchauffé. En demeurent un excellent montage et un trio d’acteur toujours autant incisif. Le reste a été flingué par la gâchette facile du surmené Morvandieu.

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#6 I’m a Bird

Cette critique n’aura de sens que si vous avez vu le film. Et ceci n’est pas une garantie. En revanche, je peux vous assurer qu’elle contient au moins un spoiler.

Je pourrais écrire un ramassis d’opinions merdiques étayées de comparaisons encore plus merdiques. Riggan est un peu réducteur, je pourrais être en mesure de dépasser deux paragraphes. Et ça me coûterais du temps. Mais il est vrai qu’au fond, je ne prendrais aucun risque.

Vraisemblablement, je prétendrais comprendre la technique, la structure et l’intention alors que je n’en n’aie qu’une vague idée. Flaubert disait qu’on fait de la critique quand on ne peut pas faire de l’art, de même qu’on se met mouchard quand on ne peut pas être soldat. Suis-je alors un imposteur ?

L’art selon Iñarritu ne m’avait jusqu’ici jamais séduit. Avec Birdman, j’ai eu droit à quelque que chose de différent. Ne me demandez pas ce qu’est un plan-séquence, je ne me suis pas encore renseigné. Mais s’il s’agit de ce que j’ai vu, le rendu est aussi bluffant que l’utilisation de caméra d’un Mommy de Dolan.
Il me faut par ailleurs constater, en tout cas depuis Biutiful, que le réalisateur Mexicain parvient à obtenir de ses acteurs des prestations plus que convaincantes.
Quant à l’intention, je suis désolé par le manque de discernement et la promptitude de certains anonymes à labelliser Birdman comme un postulat de la détresse des acteurs qui, parce qu’ils sont plein aux as, n’y ont pas droit. Cette œuvre a des implications qui vont bien au-delà de ce paraître-ci.
« Il n’y a que les cons qui ne changent pas d’avis ».

Suis-je un imposteur ? A vous de juger.

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#7 no Bird

http://www.senscritique.com/film/Whiplash/critique/43479893

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#8 Aéroport de Paris: Take off and fly

http://www.senscritique.com/film/Bird_People/critique/39895976

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#9 Une vie de chien

Pour déposer cette critique dans la boîte, je me suis mis dans l’ambiance puisqu’il est environ deux heures du matin. Enfin, je suis sobre et je n’ai tué personne.

Trois ans après le très bon Rundskop (Bullhead à l’international), le réalisateur belge Michael R. Roskam et son acteur-vedette également belge Matthias Schoenaerts traversent l’Atlantique. Initialement proposé au réalisateur de Divergente, Roskam a hérité du bébé du scénariste de Mystic River, Gone Baby Gone et Shutter Island. Rien que ça.
Au casting, ajoutez le britannique Tom Hardy (Warrior, Lawless, Locke), la suédoise Noomi Rapace (ais-je vraiment besoin de préciser Millénium ?) et l’américain James Gandolfini (The Sopranos), décédé avant la sortie du film chez nous.

The Drop ou Quand vient la nuit est à l’image du barman Bob Saginowski. Un trompe-l’œil. Gentil, maladroit, parfois bébête et certains diront même mou. Mais tout ceci n’est que fumée. Je n’oserai dire en quoi pour préserver une once de mystère.
Fondamentalement, le cocktail n’est pas déplaisant. La scène est plutôt bien décoré et les buveurs à leur aise. Les discussions plus élevées qu’on l’eut cru. Et à condition de ne pas s’attendre à un film d’action, ce que The Drop n’est pas, la nuit ne se termine pas trop mal.

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#10 Néophyte littéraire s’abstenir

Partie I - Bande-annonce

Je ne connais rien du réalisateur français Christophe Honoré. Si ce n’est qu’il a tourné le – me semble-t-il – controversé Homme au bain. J’ai simplement vu la bande-annonce de Métamorphoses et me suis jeté sur ce que je suspectais être une œuvre osée, libertine et ne ressemblant à rien de ce que j’aurai déjà pu voir. Je n’ai pas cherché une seconde à savoir de quoi il s’agissait.

Partie II - Film

Et, en effet, Métamorphoses ne ressemble à rien de ce que j’ai pu voir. Pour autant, l’audace n’était pas au rendez-vous. J’ai tôt fait de me perdre dans ce voyage avec Europe. La mythologie grecque appliquée au monde moderne façon Honoré m’a laissé perplexe, presque ennuyé. L’interprétation des acteurs amateurs, sceptique. Il faut dire que je ne suis pas un publique averti. Je n’ai pas compris le réalisateur et n’avait aucune idée que son récit était basé librement sur certains passages des Métamorphoses du poète latin Ovide.

Partie III - Histoire de faire trois parties comme dans le film

Par ailleurs, je ne saurai mentionner de quelconques appréciations côté technique. Désolé pour cette pâle et potentiellement méprisable transposition de mes pensées.

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#11 For what purpose ?

http://www.senscritique.com/film/Boyhood/critique/44518506

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#12 Suisse-ide

http://www.senscritique.com/film/Sils_Maria/critique/42914537

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#13 Venu, Vu, pas conVaincu

Après une pléthore de navets, Astérix et Obélix, qu’on ne présente plus, signent leur retour au film d’animation. Cette fois-ci, le réalisateur Louis Clichy, un ancien des studios Pixar, et son directeur d’animation sont parvenu à convaincre Albert Uderzo d’user de la technologie 3D.

Côté scénario et humour, les amateurs de Kaamelott devraient être satisfaits par le travail d’Alexandre Astier. En ce qui me concerne, ce n’est pas aussi lourdingue que ce que j’ai pu voir des précédents Astérix et Obélix, ce qui est en soit un exploit. Pour autant, les quelques blagues ne sont pas inspirées au point de susciter le rire.

Ce qui est en revanche notable, c’est le relief - je ne parle pas de la 3D - donné aux personnages et à l’histoire. Nos amis gaulois ne sont pas infaillibles en permanence, ce qui rend cet Astérix et Obélix plus humain et attachant. Côté histoire, les bagarres sont agrémentées d’une réflexion bienvenue sur les réussites et les échecs de la mondialisation et l’intégration.

Ma notation est dure parce que Le domaine des Dieux n’a provoqué qu’ennui chez moi. Cependant, c’est presque une réussite !

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# 14 Yê Canê min || My Sweetheart

Azad Shero Selim, plus connu par son nom de scène Hiner Saleem, a fui à 17 ans sa région natale du Kurdistan irakien dirigé par Saddam Hussein pour rejoindre l’Italie puis la France. Depuis des années, les peuples kurdes d’Iran, de Turquie, de Syrie et d’Irak subissent leur minorité dans leurs pays respectifs. Guerre civile, tentatives de soulèvement, exécutions massives et interdictions d’exercer leur culture ou d’apprendre leur langue est le lot de nombre d’entre eux. Aujourd’hui, seul le Kurdistan irakien dispose d’une relative indépendance, surtout depuis le renversement de Saddam Hussein.

My Sweet Pepper Land, du nom de l’auberge dans le film, est le 8e long-métrage d’Hiner Saleem. Tourné au Kurdistan, cette contrée brute et ravagée en pleine reconstruction rappelle les westerns américains. Et l’histoire de l’homme de loi luttant contre les ripoux ne fait que contribuer à cette ambiance.

Dans ce monde où chaque jour est une lutte, la superbe Govend jouée par l’iranienne Golshifteh Farahani essaye de défendre ses convictions personnelles face aux hommes sous le regard de plus en plus bienveillant de Baran… ce qui ajoute au tableau une dimension romantique et une tension sexuelle.

Au son du hang drum et à la vision des plans d’Hiner Saleem, aussi bien sur les paysages que les acteurs, j’ai ressenti un immense coup de cœur pour cette œuvre singulière. My Sweet Pepper Land parvient à toucher par la simplicité et l’honnêteté de son schéma narratif, sans survictimiser ni surhumaniser ses héros.

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http://www.senscritique.com/film/Jurassic_World/critique/59234811