Top 10 Films selon Smashcut Stolz

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Néo-expressionnisme
et néo-surréalisme : https://www.senscritique.com/film/eraserhead/critique/291058493

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Néo-surréalisme et esthétique ambiante :
https://www.senscritique.com/film/eraserhead/critique/291058493

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https://www.senscritique.com/film/persona/critique/290320578

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Libre adaptation de l'œuvre de l'écrivain russe Friedrich Dürrenmatt. La quête humaine de sens et le besoin de compréhension et d'ordre se heurtent à l'absence de réponse et à l'indifférence de l'Univers. Il en découle ici un rituel circulaire comme suite de comportements mécaniques menant nul part.
https://www.senscritique.com/film/la_femme_des_sables/critique/299945082

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Coécrit avec l'écrivain Ales Adamovitch à partir d'entretiens avec des survivants des massacres de villages biélorusses et du mémoire d'Alès Adamovitch. En particulier, une séquence reprend le massacre de Khatyn (22 mars 1943), où 149 habitants dont 75 enfants ont été brûlés vifs dans une grange.
Les balles réelles passaient à dix centimètres au-dessus de la tête de l'acteur et l'équipe se protégeait des explosions avec une simple dalle de béton. Contemplatif, naturaliste et méta-diégétique.

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Un homme sur son lit de mort reconstitue les moments clés de sa vie (naviguant entre son enfance, sa relation avec son fils, l'attente de son père, son ex-femme et sa mère dont les visages se superposent pour illustrer la manière dont les souvenirs s'influencent et se mélangent) accompagnés des poèmes du père de Tarkovski lus par lui-même. Des images d'archives d'événements de son siècle (la traversée du lac Sivash, les images de la bombe atomique espagnole, le conflit sino-soviétique) sont intégrés à ce flux de conscience de sorte à constituer une méditation autobiographique où l’intimité et l’Histoire dans laquelle s'incrit une trajectoire de vie s’entrelacent.

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Expérience transformatrice, aliénation psychologique, continuité mémorielle et identité numérique.
https://www.senscritique.com/film/le_prestige/critique/287006426

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Néo-surréalisme, cinéma introspectif inspiré de la technique littéraire du flux de conscience, nouvelle vague (images de scènes de rue dans le contexte des manifestations étudiantes des années 60), cinéma réflexif (envers du décor, interviews des acteurs hors de leur rôle à propos de leur rôle proche de leur situation dans la vie réelle et de personnes extérieures vivant des situations proches de celles des personnages) avec incursion de passages documentaires avec interview de personnes réelles dans la fiction, sociologie de la contre-culture queer dans la société japonaise conservatrice, mémoire, désir de reconnaissance et rivalité, libre adaptation d'Œdipe roi.
https://www.senscritique.com/film/les_funerailles_des_roses/critique/309442096

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La scène d'ouverture est néo-surréaliste : le personnage principal Guido, un réalisateur, est coincé avec les vitres fermées dans un embouteillage silencieux, étouffant, entouré de gens qui le regardent fixement, avant de s'échapper en s'envolant. C'est une métaphore de l'angoisse de la création (du blocage, de l’attente et du jugement des spectateurs et des producteurs) et de son désir d'évasion.
La suite relève du flux de conscience : incapable de terminer son film de science-fiction, il est assailli par des pensées envahissantes : souvenirs d'enfance, fantasmes et angoisses. Perception de la réalité, flashbacks et représentations imaginaires s'enchaînent suivant une logique associative.
Le film relève d'une mise en abyme mettant en scène la crise existentielle et artistique du réalisateur (Fellini) en train de réaliser son propre film (Huit et demi) en craignant la panne d’inspiration sous la pression du financement des producteurs et du jugement du public. Fellini a demandé à Marcello Mastroianni (l’acteur qui joue Guido, son alter égo) de porter son propre chapeau, son écharpe et ses lunettes noires. La scène finale offre la résolution de cette crise : alors que Guido renonce à son projet (le décor du vaisseau spatial est démonté), il invite tous les personnages de sa vie – réels, morts ou fantasmés – à se rejoindre dans une farandole joyeuse. Cette conclusion marque une prise de conscience : Guido comprend que ce chaos mental n'était pas un obstacle à la création, mais la matière même de son œuvre. Il accepte de faire un film sur ce flux de conscience, transformant ses pensées envahissantes en un matériau artistique unifié. On comprend ainsi que le film que Guido commence à tourner mentalement dans la dernière minute est le film Huit et demi que le spectateur vient de regarder pendant deux heures.
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447

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Surréalisme, aliénation sociale, absurde pratique, vanité, contingence normative, incongruité dans les interactions sociales. La sociologie d'Erving Goffman illustrée.
https://www.senscritique.com/film/the_truman_show/critique/287006599

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Néo-expressionnisme, néo-surréalisme et esthétique ambiante.
https://www.senscritique.com/film/eraserhead/critique/291058493

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Néo-expressionnisme, libération du désir, acrasie, paternalisme ambivalent, routine asceptisée, aliénation sociale et psychologique, anti-héro qui impose un baptême initiatique violent ou un rituel de métamorphose humiliant pour pousser un personnage à développer une certaine potentialité.
https://www.senscritique.com/film/eraserhead/critique/291058493

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https://www.senscritique.com/film/les_funerailles_des_roses/critique/309442096

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Inspiré par Tchekhov et fruit d'une collaboration avec l'écrivain László Krasznahorkai. Perfection du mouvement de caméra.
https://www.senscritique.com/film/la_femme_des_sables/critique/299945082

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Cinéma introspectif. Co-écrit par l'écrivain Jacques Sternberg.

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Inspiré du roman de Kōbō Abe.

La fosse de sable apparaît comme une métaphore de structures sociales aliénantes et coercitives. Cette situation enferme le personnage dans un quotidien répétitif où ses actions ne mènent nul part et l'empêchent de mener une vie qui a du sens (il ne s'agit pas pour autant d'une condition universelle). Cela l'amène à une prise de conscience du fait qu'il en était de même dans la société et que sortir de la fosse ne lui permettra pas d'échapper à la vanité. La réponse finale apparaît soit comme de la docilité complice (qui découle d'une domestication et d'un transfert affectif) qui se passe de la contrainte, soit comme une émancipation par la transformation de la contrainte en ressource permettant l'experience d'une vie qui a du sens.

https://www.senscritique.com/film/la_femme_des_sables/critique/299945082
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447

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Rôles sociaux, aliénation sociale, identité qualitative psychologique et sociale, aphasie, introspection et réification.
https://www.senscritique.com/film/persona/critique/290320578

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Le film se déroule dans le Japon féodal mais propose une critique intemporelle de l'instrumentalisation des valeurs, du rigorisme opportuniste, de la paix civile dans un ordre social injuste, de l'autoritarisme, des conventions dépourvues de sens, de l'hypocrisie, du mensonge politique, des structures de pouvoir et de leur reproduction.
https://fr.m.wikipedia.org/wiki/Hara-kiri_(film,_1962)

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Adaptation de l'œuvre de Vladislav Vančura, à propos de la transition entre paganisme et christianisme à l'époque médiévale.

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Esthétique ambiante. Derrière les apparences de la société américaine et la façade sociale des interactions.
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447

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Cinéma introspectif inspiré de la technique littéraire du flux de conscience, néo-expressionnisme, néo-surréalisme, cinéma réflexif avec double mise en abyme, esthétique ambiante.
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447
https://www.senscritique.com/film/les_funerailles_des_roses/critique/309442096

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Néo-expressionnisme, aliénation psychologique, effet d'habituation, pléonexie, spectacle, expérience transformatrice, conception des objets techniques comme extériorisation du corps et ses effets en retour.
https://www.senscritique.com/film/videodrome/critique/287096143
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447

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Esthétique du quotidien.
https://www.senscritique.com/film/inland_empire/critique/303572447

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Adaptation de deux nouvelles d'Akutagawa Ryunosuke.
Un film sur le relativisme, le caractère privé des états mentaux, l'absence d'harmonisation des interêts individuels et l'espérance réalisé durant l'occidentalisation forcée du japon d'après guerre en crise d'identité.

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Adaptation d'un roman de Boileau-Narcejac. Rôles sociaux, aliénation psychologique, identité qualitative et absurde pratique.
https://www.senscritique.com/film/persona/critique/290320578

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Caractère privé de la conscience, altruisme, incommunicabilité, aliénation sociale, existentialisme.

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Retrace la vie de Munch sous la forme d'un faux documentaire historique reprenant des extraits des journaux intimes, lettres et notes personnelles de l'artiste en voix off et dans les dialogues. La narration, non linéaire, associe des scènes par thèmes émotionnels plutôt que par ordre chronologique et mêle souvenirs, événements historiques et réflexions introspectives, reflétant ainsi l'interconnexion des états mentaux. Les moments de création des différentes œuvres expressionnistes sont intercalés avec des événements antérieurs qui ont influencé et marqué Munch, notamment des expériences affectives (les décès de sa mère et de sa sœur sont évoqués à plusieurs reprises sous forme de flash-backs, d'hallucinations ou de rêve) et des rencontres intellectuelles ou artistiques expliquant son évolution.

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Perfection de la texture.

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De l'aveu du réalisateur, le film est structuré par la théorie de l'univers-bloc — selon laquelle les événements passés, présents et futurs coexistent, bien que dans des localisations temporelles distinctes. Plus encore que l'île et ses pierres, le lichen, organisme qui s'étend à travers ces différentes localisations en ayant absorbé la matière décomposée des corps passés, est le point de contact entre les différents événements. Avec l'effondrement de son rituel quotidien, la linéarité se perd et la Volontaire est absorbée par l'île, coexistant à égalité ontologique avec les mineurs, les bal maidens, les marins et les fleurs. Le geste cinématographique central de Jenkin consiste à juxtaposer par le montage — dans des plans successifs ou au sein d'un même plan — des événements de localisations temporelles distinctes dans le même espace filmique sans hiérarchie ontologique (même grain, même lumière, même distance de caméra). Cela produit chez le spectateur, par effet Kuleshov, l'illusion de leur interaction causale. Le choix du format 16 mm incarne lui-même cette superposition temporelle — un objet du passé utilisé dans le présent pour représenter le passé et des passés plus lointains.