Filmographie de Hayao Miyazaki

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Premier film d'animation en couleur japonais. C'est ce film qui a donné l'envie à Miyazaki de se lancer dans l'animation

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1e film où Miyazaki a tenu un rôle important. un film qui encourage les enfants à être indépendants. il marque l'une des 1e collaboration entre Miyazaki et Isao Takahata qui se sont rencontrés 10 ans plus tôt au syndicat des travailleurs des studios d'animation Toei où Takahata officie comme président et Miyazaki comme secrétaire.

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Yuki no Taiyō (Le Soleil de Yuki) était destiné à servir de pilote pour une série télévisée qui n'a finalement jamais vu le jour.

Ce court-métrage est notable pour être l'une des premières réalisations de Miyazaki en tant que réalisateur principal. Il adapte un manga de Tetsuya Chiba, et bien que le projet de série ait été abandonné, Yuki no Taiyō présente déjà des éléments caractéristiques du style de Miyazaki : une héroïne forte et indépendante, une attention particulière à la nature et une narration empathique.

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Le Château dans le ciel est le premier film d'Hayao Miyazaki à avoir été réalisé pour le compte du légendaire studio d'animation Ghibli. En fait, le studio a été créé par Isao Takahata et Toshio Suzuki dans le but précis de pouvoir donner vie au Château dans le ciel. Le nom de la nouvelle société a été trouvé par Hayao Miyazaki lui-même, qui a repris celui d'un avion de reconnaissance italien.

Parmi les nombreuses sources d'inspiration évoquées par Hayao Miyazaki pour son Château dans le ciel, nombreuses sont celles qui remontent à l'enfance du maître de l'animation japonaise. Ainsi le réalisateur voulait-t-il évoquer un bijou aux pouvoirs magiques, comme celui de la petite Sheeta dans le film, après avoir lu une bande dessinée tournant autour d'un tel bijou alors qu'il était adolescent. Preuve de l'intérêt d'Hayao Miyazaki pour ce thème, le premier titre de travail du Château dans le ciel était Le jeune Pazu et le mystère de la pierre volante. Autre aveu du cinéaste, celui d'avoir pris sa mère comme source d'inspiration pour Dora, la chef des pirates, et ses trois frères pour celle des autres pirates, fils de Dora.

Pour s'assurer de l'authenticité des décors terrestres dessinés pour Le Château dans le ciel censé se situer à l'époque de la Révolution Industrielle, l'équipe du film s'est déplacée jusqu'au Pays de Galles sur les conseils du producteur Isao Takahata. L'ensemble des décors du début du film est notamment inspiré de la vallée de Rhondda.

L'idée de Laputa, l'île volante derrière laquelle courent tous les protagonistes du Château dans le ciel, provient des Voyages de Gulliver écrit par le révérend irlandais Swift, dans lesquels est mentionnée l'existence d'une île dans le ciel.

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De l'aveu même d'Hayao Miyazaki, Mon voisin Totoro est en partie inspiré de l'enfance de son réalisateur. Celui-ci ne pouvait s'empêcher d'imaginer des monstres ou des êtres fantasmagoriques dans la maison où il passa les premières années de sa vie. Mei et Satsuki, les deux petites filles héroïnes du film, et les Totoros ne sont pas loin.

Comme dans la majorité de ses films, Hayao Miyazaki a inclus un message écologique dans Mon voisin Totoro. Ici, les humains, et plus particulièrement les enfants, vivent en harmonie avec les Totoros au milieu d'un décor campagnard idyllique. L'équilibre nature-civilisation est respecté, alors qu'il est menacé voir détruit dans d'autres oeuvres du maître de l'animation japonais tels Nausicaä de la vallée du vent ou Princesse Mononoké.

Deuxième film d'Hayao Miyazaki à être réalisé pour le studio Ghibli fondé en 1984 par Isao Takahata et Miyazaki lui-même, Mon voisin Totoro devient un succès emblématique du studio, au point que son personnage principal, le Totoro, prête depuis sa figure atypique au logo bleu du studio, qui apparaît devant chaque dessin animé estampillé Ghibli.

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Le film de Hayao Miyazaki est inspiré d'un court roman de Eiko Kadono, intitulé Majô no Takkyûbin (La messagerie de l'ensorceleuse). On y retrouve les bases du film : le voyage initiatique de Kiki à 13 ans, son travail à la boulangerie. Eiko Kadono a écrit une suite quelques années plus tard, dans laquelle Kiki continue son travail de livreuse, La messagerie de l'ensorceleuse 2 : Kiki et ses nouveaux tours.

Hayao Miyazaki avour penser d'abord aux enfants pour réaliser ses films : "J'ai écrit Le Voyage de Chihiro quand je me suis aperçu qu'il n'y avait rien au Japon qui s'adresse aux petites filles de dix ans. Mais je l'ai réalisé aussi un peu pour moi-même. Quand on réalise des films pour les enfants, il est nécessaire de leur indiquer le sens et les valeurs de la vie. Je crois à la force des contes : ils ont un rôle important dans la formation de l'être."

Si les personnages féminins des films de Hayao Miyazaki sont souvent des personnages forts, de nombreuses spectatrices lui ont reproché de ne pas représenter fidèlement la condition actuelle de la femme : le personnage de Kiki est venue de ces réactions. Le réalisateur précise en effet : "Suite à des lettres que j'ai reçues de la part des femmes qui me reprochaient de ne pas décrire leur condition avec lucidité, de créer une image idéale de la femme vue par le regard de l'homme, j'ai décidé de changer de type d'héroïne. Et Kiki est apparue. (...) Dans la ville où elle s'installe, elle va rencontrer un grand nombre de problèmes propres aux femmes d'aujourd'hui, indépendantes financièrement, mais non moralement.

Hayao Miyazaki s'est inspiré de paysages étrangers à son Japon natal pour les décors de son film. Ainsi, les paysages de Kiki, la petite sorcière sont inspirés de l'Italie, et les enseignes des boutiques sont d'inspiration autrichienne. La ville de Koriko est inspirée de Lisbonne, Paris, San Francisco, et Milan."

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À l’origine, Porco Rosso n’était pas destiné au cinéma. Miyazaki l’avait conçu comme un court-métrage pour Japan Airlines, à projeter dans les avions pour distraire les businessmen ! Il devait s’agir d’un divertissement léger, avec de beaux paysages, un peu d’action, et une touche d’humour.
Mais très vite, l’histoire a pris de l’ampleur. Les thèmes ont mûri, les personnages sont devenus plus profonds, et le projet a débordé du cadre initial.

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https://www.youtube.com/watch?v=RDTkdOyr6ik

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https://www.youtube.com/watch?v=vaoAZtu5pJ4

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Princesse Mononoké s'inscrit dans la tradition du " jidaigeki " japonais (drame historique japonais). Ce genre, grandiose et épique, se caractérise par de nombreuses péripéties et des scènes de bataille spectaculaires. En 1958, Akira Kurosawa réalise ce qui est considéré comme le modèle du genre, La Forteresse cachée. Kurosawa, ami de Miyazaki, le considérait comme son égal.
L'héritage de Kenji Mizoguchi est également assumé par Miyazaki qui cite en exemple Les Contes de la lune vague après la pluie.

"Je n'étais pas satisfait de l'image que donnaient les studios Ghibli de l'homme face à son environnement. En particulier la manière douce, idyllique, dont nous avons montré le rapport à la nature. Je pense que dans la relation entre l'homme et la nature, il y a un aspect terrible, quelque chose de beaucoup plus vaste... " (Miyazaki)

Princesse Mononoké a fait évoluer les techniques quasi-artisanales qui étaient jusqu'alors en vigueur au sein du studio Ghibli. Un projet de cette ampleur (le film a mobilisé l'ensemble du studio durant trois années) n'aurait jamais pu voir le jour sans le recours aux nouvelles technologies informatiques. Pour autant, le studio n'a pas renoncé à ses méthodes. Les sept/huitièmes du film ont en effet été dessinés à la main. Et la moitié par Hayao Miyazaki lui-même.

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Tous les dessins ont été d'abord peints à la main, avant d'être scannés, digitalisés et retravaillés numériquement. Seuls certains plans et éléments du film (comme la statuette de l'homme de pierre à l'entrée du mystérieux tunnel, qui représente le dieu du voyage) ont été entièrement créés sur ordinateur.

Le film appartient aux genres du conte de fées et du fantastique, avec quelques touches de fantaisie et même d'horreur. Dans la mise en scène de ses œuvres, Miyazaki n'oppose pas le merveilleux au réel ou au quotidien, les deux aspects pouvant cohabiter ou se superposer naturellement. Dans Le Voyage de Chihiro, le monde des esprits, où le temps et l'espace ne sont pas clairement définis, reste volontairement flou et non structuré. Les va-et-vient symboliques entre les deux mondes apparaissent multiples et changeants, si bien qu'il n'est pas possible d'en discerner les frontières, ni d'ailleurs de suivre le temps qui passe, à la différence des dessins animés typiques de Disney ou d’Alice au pays des merveilles. Pour renforcer cette impression de réel auprès du spectateur, le monde des esprits est dessiné et animé de façon très réaliste, si bien que Chihiro y évolue naturellement.

Selon Miyazaki, Le Voyage de Chihiro est inspiré en partie du fonctionnement des légendaires studio Ghibli, producteurs du film. Ainsi l'activité intense qui règne dans les maisons des bains évoque celle du studio. Le personnage de Yubaba, qui régit l'établissement, correspondrait au producteur Toshio Suzuki, alors que le très débordé Kamaji aux multiples bras serait à l'image d'Hayao Miyazaki. Chihiro, elle, doit travailler dur si elle ne veut pas disparaître (être renvoyée) !

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L'énorme château du sorcier Hauru, tout entier constitué de ferraille, de passerelles, d'une gueule béante, crachant de la vapeur, n'est pas sans rappeler les créations de Jean Tinguely, un artiste sculpteur suisse, décédé en 1991. Ce dernier s'était fait une spécialité de sculptures réalisées à partir de métaux, des rebuts d'usine, et que l'adjonction d'un moteur permettait de mettre en branle. Ces assemblages produisaient par la suite de la musique, de la peinture ou de l'eau. L'artiste a, plus tard, ajouté des mâchoires ou des crânes d'animaux, des morceaux de tôle froissée provenant de voitures accidentées, de sorte que ses sculptures ressemblaient presque à des totems, angoissants et menaçants.

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Pour Hayao Miyazaki, Ponyo sur la falaise est la transposition du conte de Hans Christian Andersen, La Petite Sirène, dans le Japon d'aujourd'hui : "Une petite ville au bord de la mer, une maison au sommet d'une falaise, quelques personnages et l'océan vu comme une présence, une entité vivante."
"Un monde où la magie et l'alchimie font partie du quotidien. Tout en bas, comme notre esprit inconscient, la mer, et à sa surface, l'agitation des vagues. En modifiant l'espace et en altérant les formes, la mer n'apparaît pas seulement comme le décor de l'histoire, mais comme un de ses principaux protagonistes."
"Un petit garçon et une petite fille, l'amour et la responsabilité, l'océan et la vie, et l'essence fondamentale de tout cela : voilà de quoi parle Ponyo sur la falaise, un conte qui est ma réponse à la détresse et à l'incertitude de notre époque."

Au-delà de la simple transposition du conte d'Andersen, l'histoire de Ponyo touche Hayao Miyazaki de manière assez personnelle comme le confie Toshio Suzuki, producteur des films de Miyazaki, et ami de longue date du réalisateur : "L'automne dernier, alors qu'il approchait de ses 67 ans, Hayao Miyazaki m'a dit : "Je suis arrivé à un âge où je peux compter sur mes doigts les années qui me restent à vivre. Bientôt, je retrouverai ma mère. Que vais-je lui dire quand ce moment arrivera ?". Cette question a été au centre de la création et de tout le travail qu'il a accompli autour de Ponyo sur la falaise.
"Il y a dans le film une scène de retrouvailles bien sûr, ce ne sont pas celles dont Hayao m'avait parlé. On ne le voit pas non plus dans le film, mais à travers un petit garçon de cinq ans, Sosuke, il retrouve une vieille dame qu'il semble bien connaître. Je ne vous dévoilerai pas ce qu'ils se disent. Je vous demande simplement de regarder le film, et d'apprécier..."

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Le titre original du film de Miyazaki vient du roman Kaze Tachinu, de Tatsuo Hori - l'une des deux figures historiques qui ont façonné le personnage de Jiro - qui lui-même avait emprunté son titre dans un poème de l'écrivain français Paul Valéry, Le Cimetière marin, dans lequel nous pouvons lire "Le vent se lève, il faut tenter de vivre" (texte français original qui a donc été repris pour le titre français du film).

Le personnage principal du Vent se lève, Jiro, est inspiré de deux personnes réelles, l'ingénieur en aéronautique Jiro Horikoshi et le romancier Tatsui Hori, tous deux nés au début du XXe siècle. Il s'agit d'ailleurs de la première fois qu'un long métrage du Studio Ghibli est tiré de personnes qui ont vraiment existé.

Le poème du film Le Vent se lève, "Qui a vu le vent ?", est une traduction d'un poème de Christina Rossetti, poétesse d'origine anglo-italienne qui vécut à Londres au XIXe siècle. Contrairement aux autres oeuvres (notamment une chanson allemande) utilisées en version originale, c'est la seule qui a été traduite en japonais spécialement pour le long métrage.

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Alors qu'il avait annoncé que Le Vent se lève (2014) était son dernier film, Hayao Miyazaki est sorti officiellement de sa retraite en 2017. Le studio Ghibli postait à l'époque cette annonce sur son site :

"Vous l’avez sans doute appris par les médias, Hayao Miyazaki travaille sur ce qui sera son dernier long métrage d’animation. Quatre ans après le Vent se lève, Miyazaki a réalisé avec une jeune équipe un court métrage terminé (Boro la petite chenille). Au cours de cette période, il a perdu un certain nombre de ses vieux et chers amis et a passé de nombreux jours à réfléchir plus profondément à sa propre disparition. C’est à ce moment-là qu’il a décidé de “sortir de sa retraite” et de produire un long métrage d’animation. Il a en effet trouvé un sujet digne de faire l’objet d’un film. Vu son âge, il s’agit véritablement de son dernier film en tant que réalisateur. Aidez-nous à mener à bien cette production cinématographique. La durée du projet est de trois ans. Nous recherchons des personnes pour nous rejoindre dans la production."